SUEDE – SUEDE

En 1993, apareció el álbum debut de Suede, quienes desde el principio atrajeron la atención del público y de la crítica, debido a su imagen y letras, que estaban declaradas abiertamente a la ambigüedad, a la androginia, claramente influenciados por David Bowie y The Smiths.

Este un álbum perfecto, gracias a la lírica de la magnífica combinación de Brett Anderson y Bernard Butler, el primero dándole una imagen al grupo de sensualidad, delineadamente sexy, con un tono de voz totalmente andrógino pero bien definido; y el segundo dándole un toque de glam y punk con ganchos controlados, definiendo así, el estilo del grupo.

Suede con este disco ganó una gran reputación, ya que fué uno de los primeros grupos de la nueva ola de música inglesa, que traía de nuevo a la década de los 90, el sonido de bandas clásicas, desarrollando un estilo propio.

“So Young”, es una gran canción digna de ser la tarjeta de presentación del álbum homónimo de la banda; los sencillos “The Drowners” y “Metal Mickey”, solo reforzaban las ideas que presentaba Suede, llenos de letras inquietantes para ser tan hermosas melodías; la casi teatral y dolorosa “Pantomime Horse”, se oye esplendorosa debido a la voz de Anderson; canciones como “Sleeping Pills”, muestran el lado sensible de Suede; y para cerrar el disco se encuentra “The Next Life”, la cual a pesar de ser muy triste, es una de las mejores canciones del disco y del grupo.

El disco obtuvo en 1993, el Mercury Prize, el premio más importante en la música en Inglaterra.

Este es uno de los mejores discos ingleses de todos los tiempos, debido a su excelente composición, a su música sincera y profunda; un clásico instantáneo, que inspiró a muchos de su generación.

SINGLES – ORIGINAL SOUNDTRACK

Singles (Vida de Solteros, 1992), es una película desarrollada en Seattle, justo en el boom del llamado “grunge”, fue dirigida por Cameron Crowe, originario de esa ciudad, logró con este film, hacer un documento muy valioso de aquella generación tanto con el film como con el soundtrack, ya que los artistas que interpretan las canciones casi todos son de Seattle, sean leyendas de la música o grupos que en esos días apenas se daban a conocer.

El soundtrack reunió bandas muy importantes de la ola del grunge, como Pearl Jam, Soundgarden, Mudhoney, Screaming Trees y Alice In Chains.

Alice in Chains, aporta Would?, en ese entonces una canción nueva que posteriormente en el mismo año apareció en Dirt; Pearl Jam, con “Breath” y “State Of Love And Trust”, canciones que se volvieron de culto entre sus fans, ya que son al estilo del Ten; “Birth Ritual”, de Soundgarden, lleno de metal y la voz desgarradora de Chris Cornell, quien incluso participa con una canción en solitario, la bella “Seasons”; Paul Westerberg, también participa con dos canciones nuevas “Dyslexic Heart” y “Waiting For Somebody”, que son alternativas pero con un sonido pegajoso que hacen que se vean pop, frente al resto de las otras, pero haciendo un perfecto balance en el disco; Mother Love Bone y Mudhoney están presentes ya que son antecesores a ese movimiento musical, la primera con la épica “Chloe Dancer”, y esa voz única del fallecido Andrew Wood, y la segunda con “Overblown”, demostrando que a pesar de que se hizo popular el grunge, ellos seguían manteniendo el lado alternativo en su música; también se encuentra parte del pasado musical de Seattle como Jimi Hendrix y The Lovemongers, la gran “May This Be Love”, que aparece en una parte crucial del film y la segunda conformada por las hermanas Wilson integrantes de Heart, interpretando “Battle Of Evermore” de Led Zeppelin, simplemente grandiosa y al final del álbum está Screaming Trees con “Nearly Lost You”, buena canción y los entonces desconocidos The Smashing Pumpkins con la excelente “Drown”, al más puro estilo Sonic Youth, siendo una de las mejores canciones de su repertorio.

Este fue uno de los primeros soundtracks de los noventa en ser número uno en ventas, teniendo grandes agrupaciones y canciones, y algo más importante, es un documento histórico sobre la influencia de esta música en la cultura de los noventa.

PRIMAL SCREAM - SCREAMADELICA

Con este disco Primal Scream, revolucionó a toda una generación, ya que enseñó al mundo como se deben mezclar excelentes melodías de rock con pop, house, electrónica y psicodelia, sin dejar de lado una excelente propuesta, la cual ha sido influencia para muchos músicos, gracias a la conjunción de estilos que se presentan en este material. Uno de los principales aciertos de esta producción fue la combinación esplendorosa del house al rock, ya que siendo géneros tan distintos entre sí, le dio el aire de frescura que necesitaba el rock, y la gran aportación fue llevar este sonido a las masas, siendo aceptados por cualquier tipo de público.

A pesar de que Primal Scream está conformado por excelentes músicos, entre ellos encabezando al gran vocalista Bobby Gillespie (ex Jesus and Mary Chain), en mucho ayudó la producción del Dr. Alex Patterson (The Orb) y Andrew Wheatherall, en esta magnífica obra de arte, convirtiendo este disco en un clásico instantáneo, llegando a ser sin duda uno de los mejores álbumes de todos los tiempos.

“Movin’ on up”, abre el disco y a partir de aquí comienza un viaje durante una hora entre beats, sampleos y rock clásico, y que poco a poco toma forma; “Higher Than The Sun”, es una de las piezas claves tanto de Screamadelica como en la carrera de Primal, ya que está llena de energía, electrónica, y atmósferas que nos encierran en lugares desconocidos y es una muestra de lo que en años futuros realizaría el grupo; “Loaded”, es el sencillo más conocido del álbum y uno de los himnos ingleses más importantes en la década de los 90’s, con su introducción tan famosa de Peter Fonda de la película The Wild Angels, fue el primer gran hit de la banda; “Shine Like Stars”, es simplemente la canción perfecta para cerrar este disco, ya que con un sonido hipnótico, lentamente va terminando la música.

Screamadelica terminó con el tabú “que el rock no se lleva con la música electrónica”. Es un álbum perfecto, rompe con todo tipo de etiquetas, llevando a grado de genio a Gillespie y haciendo de este disco una piedra angular del rock contemporáneo. Fue el primer ganador en la historia del tan prestigiado Mercury Prize.

CAIFANES – CAIFANES II: EL DIABLITO

Caifanes en la década de los 80’s, se mostró como una banda oscura, con letras de ultratumba solo como Saúl Hernandez podía hacerlas, su look era al más puro estilo de The Cure; Caifanes nació en una época donde había poca expresión para el rock mexicano, e incluso su primer gran hit, irónicamente fue una cumbia “La Negra Tomasa”, pero en este tiempo la banda logró sembrar esa semilla que pocas bandas mexicanas podían presumir, una legión de fieles fans.

En 1990, se incorporó un segundo guitarrista, Alejandro Marcovich, quien fue miembro fundador de las Insólitas Imágenes de Aurora (previo a Caifanes), e inmediatamente se notó el cambio, al dejar de llevar la carga Saúl tanto de guitarra principal y voz y dejándole el puesto de guitarra principal a Marcovich que marcó un antes y después en la historia de Caifanes.

El grupo volvió a trabajar con Cachorro López para su segundo álbum y con el entonces no tan conocido Gustavo Santaolalla quien fue solo productor de tres canciones del álbum, ambos supieron dirigir perfectamente al grupo llevándolos a otros límites, sin dejar de lado completamente ese sonido oscuro que al principio de su carrera los caracterizó.

El diablito se escucha más rockero que su antecesor, teniendo ritmos más rápidos y letras más accesibles, pero sin olvidar el lado poético y crítico de Saúl, este álbum lo elevó a una categoría como compositor en el cual pocos podían estar; el disco conserva ese ambiente oscuro en canciones como “Antes De Que Nos Olviden”, “Sombras En Tiempos Perdidos” y “Aquí No Pasa Nada”. El gran sencillo del disco fue “La Célula Que Explota”, un clásico innegable en el rock nacional, en el cual se comienza a notar la influencia de ritmos mexicanos en la música de la banda; letras políticas como “El Elefante”, acompañan el álbum y como olvidar “Detrás De Ti”, obsesiva, atrapante y delirante y no dejemos de mencionar “El Negro Cósmico”, que sencillamente es una de las mejores composiciones del quinteto.

Este disco hizo que Caifanes llevara por un momento la bandera del naciente rock nacional, gracias a la excelente letra y música que emanaba del grupo, y que a pesar de la lejanía del año de lanzamiento, se escucha fresco, potente, un clásico del rock latinoamericano.

Dato extra:

El álbum es conocido por tres nombres: 1) Caifanes II, ya que a un lado del disco traía ese nombre, 2) El diablito, ya que en la parte inferior de la portada trae un "diablito" e incluso el nombre aparece en la misma parte inferior, 3)O bien, por un compuesto de los dos anteriores nombres (el cual es el nombre oficial).