THE CRANBERRIES – EVERYBODY ELSE IS DOING IT, SO WHY CAN’T WE?

Cuando The Cranberries, llego a la escena musical, el mundo estaba viviendo la explosión del grunge, las guitarras estridentes y letras depresivas, dominaban el mercado, pero Dolores O’Riordan y compañía, hicieron las cosas diferentes con una imagen muy fresca, algo muy irónico para el titulo de su álbum debut.

El sonido de Everybody Else... coquetea entre el rock suave y el pop, pero manteniendo una estructura muy interesante en el disco, esto se lo deben al gran productor Stephen Street, quien había trabajado anteriormente con Morrissey, y es quien ordena las ideas de los integrantes para lograr esa línea tranquila y bien cuidada sin caer en el aburrimiento.

En este álbum, se encuentran dos de las canciones más recordadas y famosas de The Cranberries, “Linger” y “Dreams”, esta última fue un éxito mundial y la canción más comercial del grupo.

“I Still Do”, es la canción perfecta para abrir el álbum, es esplendorosa, con un ritmo abrasivo y notas tan elegantes y precisas que dan pie, para el resto del disco; la voz de Dolores se cuido tanto en esta producción que las melodías parecen hechas para ser cantadas solamente por ella, tal como “Sunday” o “Pretty”, además se hacen acompañar por sonidos tradicionales irlandeses, que le da un toque sofisticado, sin mencionar el sonido acústico que provoca instantes tan etéreos que pareciera un mundo de sueños.

Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We?, es un gran álbum, es uno de los momentos cumbres de la carrera de The Cranberries, simplemente es único e irrepetible, y sumamente recomendable.

PULP – DIFFERENT CLASS

Pulp estuvo durante muchos años en la oscuridad musical, hasta que en 1994 lanzó su álbum His N’ Hers, el cual fue todo un hit y los coloco en el panorama, pero nadie esperaba que con este material Different Class de 1995, el grupo se fuera hasta la estratosfera, ganando premios por donde quiera, y recibiendo criticas favorables con este quinto álbum.

Sin duda alguna, este es un álbum clásico de la música de los 90’s e incluso uno de los mejores discos de todos los tiempos, en su momento fue premiado por el tan aclamado Mercury Prize en 1996, ganándole al maravilloso (What’s the Story) Morning Glory? de Oasis y gracias a esto Pulp se posiciono a mitad de la década de los 90’s como una de las bandas más respetadas.

Lo que hace grande a este álbum es la complejidad de su realización, ya que en el territorio sonoro explora muchos y diversos estilos, yendo desde lo teatral hasta la música disco, atravesando por el rock y llegando al pop, además se amalgamo con las letras tan excelsas de su líder y cantante Jarvis Cocker, puesto que en ellas toca dos temas muy importantes y bien desarrollados como lo son el sexo y las clases sociales, un ejemplo claro es “Common People”, que es acerca de una chica griega rica que quiere comportarse como “la gente común” inspirada en una compañera de estudios del compositor; además Jarvis nos lleva de la mano a sus mas profundos miedos y obsesiones como “Underwear” y la bella “I Spy” respectivamente, narrando situaciones, momentos y experiencias del cantante con detalladas descripciones, bien llevados al ritmo que se le imprime a cada una de las canciones. Aquí también se encuentra uno de sus grandes éxitos “Disco 2000”, que contiene un riff de “Gloria” de Laura Branigan y letra tan increíble que llega a ser sincera y tal vez hasta nostálgica.

Different Class, salió en el momento más oportuno, en la cumbre del llamado Brit Pop, dominado por Blur, Oasis y Suede. El disco es una maravilla, tan genial que hoy en día sigue siendo actual y se puede notar la atemporalidad de este gran trabajo.

FAITH NO MORE – WHO CARES A LOT? GREATEST HITS

Esta es una recopilación de la banda pionera y tal vez creadora del “New Metal” o “Rap Metal” y una de las mejores bandas de la historia, su música influyo directamente en la década de los noventa, viviendo quizá su mejor momento a finales de los 80’s y principios de los 90’s, teniendo de líder a uno de los grandes frontman del rock, el incansable y siempre inquieto, Mike Patton.

Who Cares A Lot?, es un documento fiel del crecimiento y desarrollo creativo y musical de Faith No More, ya que las dos primeras canciones del álbum (We Care A Lot, Introduce Yourself), son interpretadas con el primer cantante oficial de la banda, Chuck Mosley, posteriormente vienen las de la segunda y muy gloriosa etapa de Patton, desde el álbum The Real Thing (1989), y su sencillo mundialmente conocido “Epic” hasta su ultimo disco antes de su desintegración Album Of The Year de 1997.

También se incluyen covers que nunca habían estado oficialmente grabados en un disco de Faith No More, como lo son “Easy” de The Commodores y “I Started A Joke” de The Bee Gees.

Existe una versión del álbum con dos discos en los cuales se incluyen lados B de la banda como son la hermosa “This Guy’s In Love With You”, hasta las canciones instrumentales “Theme From MidnighT Cowboy” e “Instrumental”.

A lo largo de Who Cares a Lot?, se muestra el poderío de la banda con la fuerza del metal, el poder destructivo de la batería de Mike Bordin y la conjunción de músicos talentosos haciendo grandes canciones, agresivas y llenas de energía; así también se muestra su lado sentimental y sensible en las baladas, que a pesar de ser tan románticas se nota la intervención de FNM, haciéndolas suyas, mientras que la voz de Mike Patton, se nota muy bien educada, dando diferentes ritmos y tonalidades como pocos cantantes de su generación, escuchándose a veces chillona o nasal, tal como se puede ver en sus primeras grabaciones o incluso se escucha agresiva y gruesa como en “Ashes To Ashes”.

Es cierto que a este disco, a pesar de ser doble le faltan grandes canciones como “Land Of Sunshine”, “Surprise, You’re Dead”, “War Pigs”, “Ricochet”, “Caffeine”, “The Real Thing”, “Be Agressive”, entre muchas otras, pero sin duda es un gran recopilatorio, para entender y resaltar la calidad tan inmensa de Faith No More.

NIRVANA – NEVERMIND

Para muchos, este es considerado el mejor álbum de la década de los 90’s y uno de los mejores de todos los tiempos, lo mas importante es el momento que marco este disco, pues surgió cuando el rock estaba dominado por las “Power Ballads”, los grupos “Hair Metal” y sus cantantes con voces delgadas y pantalones entallados de cuero, hablando de mujeres, sexo y alcohol; y por el otro lado estaban Michael Jackson y la escena pop-electrónica de finales de los 80’s; pero gracias a Nevermind todo esto paso a ser historia, ya que Nirvana puso en el mapa, un sonido estridente, fuerte, pero a la vez identificable con cualquier persona, incluso su vestimenta era común y corriente, haciendo de esto, un símbolo para la década, y que los críticos llamaron “grunge”.

Nevermind, fue producido por Butch Big quien ha trabajado con The Smashing Pumpkins, Sonic Youth, Garbage, y mezclado por Andy Wallace (Slayer, Rage Against the Machine, Sepultura, Sonic Youth), el cual a pesar del disgusto del líder Kurt Cobain, le dieron a la banda un sonido impecable, sucio pero bastante accesible; incluso en la música se puede notar claramente las influencias de Cobain, ya que las letras un tanto sombrías y los coros pegajosos, se puede agradecer a Pixies, puesto que eran un tanto similares en la composición; las capas de ruidos y las guitarras distorsionadas de Sonic Youth y el aspecto sencillo y siempre critico y alternativo de R.E.M.

Aquí se notan explosiones musicales y artísticas de los miembros, tomando una actitud punk, pero transformándola en expresiones radiales, con guitarras cuidadosamente ruidosas, logrando impecables canciones como “Drain You” o “Lounge Act”, también se encuentran presentes sus grandes clásicos como “Come As You Are”, “In Bloom” y “Lithium”, además de su vanagloriado himno “Smells Like Teen Spirit”, que posteriormente fue odiado por el mismo Kurt, omitiéndola en sus presentaciones o haciendo diferentes versiones de la misma.

Este es simplemente un álbum maravilloso, que marco a toda una generación y que cambio la vida a muchas personas, llevando la música alternativa a las grandes masas, y mostrando que el rock nunca muere solo se transforma.

BLUR – PARKLIFE

Con su tercera producción, Parklife de 1994, Blur entró de lleno a la historia de la música inglesa, puesto que la banda capturó la esencia de toda una generación, gracias a la critica social realizada, y a los momentos genialmente ilustrados por las letras de Damon Albarn, llevadas por ritmos dance, electrónicos, disco, rock, pop, jazz, punk y psicodelia, creando un parteaguas tanto para el grupo como para el Britpop.

En este álbum, se muestra un gran crecimiento y evolución de la música de Blur, desde su primer gran hit, “Girls And Boys”, con tendencia disco y, que de forma ingeniosa y graciosa, nos enseñó como era la ambigüedad de la sociedad y el mundo a finales del siglo XX; y “Parklife”, considerado como uno de los grandes himnos de aquel movimiento.

Esta es una obra cumbre, todo un símbolo de los 90’s, enalteciendo toda una época, Damon Albarn hizo canciones complejas, difíciles de entender pero fáciles de escuchar, debido a las guitarras sencillas y memorables de Graham Coxon, ejemplos claros como: “End Of A Century”, “London Loves”, “Trouble In The Message Centre” o “Magic America”, la fantástica canción que nos encamina al final del recorrido “This Is A Low”, y por supuesto, no podía faltar la melancolía plasmada en la bellísima “To The End”, que cuenta con la colaboración en los coros cantados en francés por Laetitia Sadier, vocalista de Stereolab, como dato, esta canción cuenta con dos versiones más, una cantada en francés por el propio Damon Albarn, lanzada en ediciones del single "Parklife" y, otra versión, regrabada con la cantante francesa Françoise Hardy, con versos cantados en francés.

Sin duda, para entender a la cultura británica y al movimiento musical Britpop de los 90’s, se debe escuchar este gran álbum, una piedra angular de esta década.

MORRISSEY – BONA DRAG

En 1990 Morrissey lanzo Bona Drag, el cual es un álbum de lados B y rarezas, ya que la mayoría de las canciones fueron compuestas durante los primeros años de carrera como solista, con excepción de “Suedehead” y “Everyday Is Like Sunday” que venían incluidas en su álbum debut Viva Hate; pero parece de primera instancia no ser un álbum compilatorio, ya que todos las canciones son de alta calidad, e incluso son la mayoría, grandes composiciones de Moz.

La magnífica “Piccadilly Palare”, es una canción esplendorosa de Morrissey; además que en este disco se encuentran grandes clásicos como “Such A Little Thing Makes Such A Big Difference”, o canciones raras como “November Spawned A Monster”; las canciones tranquilas se hacen presentes con “Will Never Marry” y “Yes, I Am Blind” o la cadenciosamente exquisita “The Last Of The Famous International Playboys”.

La producción fue realizada por Stephen Street, quien anteriormente había colaborado en el Viva Hate de 1988, y aquí se nota la evolución de un Morrissey hambriento de demostrar que su nombre no es sinónimo de The Smiths y que podía hacer cosas de igual o mayor calidad.

Lo que le da gran consistencia y fuerza al disco, es que participaron como músicos invitados el resto de The Smiths, exceptuando a Johnny Marr, Andy Rourke (bajo) y Mike Joyce (batería), los cuales con ayuda de otros músicos amalgamaron el sonido ideal para Morrissey. 

Este es un álbum perfecto, gracias a las letras tan personales de Moz, a veces ambiguas, y siempre realizando criticas a la sociedad, el álbum sin duda tiene una gran calidad musical. Bona Drag parece ser un disco de grandes éxitos y no de lados B, irónicamente con un solo disco bajo el brazo, y es uno de los materiales más selectos y perfectamente cuidados de Morrissey.

ALANIS MORISSETTE – JAGGED LITTLE PILL

Con este disco de 1995, Jagged Little Pill, Alanis Morissette se convirtió en todo un fenómeno mundial a la corta edad de 19 años, además que llegó a ser la cabeza de la segunda oleada de mujeres rockeras entre ellas, Fiona Apple, Meredith Brooks, Tracy Bonham, continuando con una década donde las mujeres tuvieron una mayor exposición dentro de la música.

Alanis Morissette, para este disco tuvo el apoyo directo de Madonna, ya que fue su compañía discográfica Maverick Records, quien firmó a la cantante, además que tuvo como músicos invitados a Flea (bajista de Red Hot Chili Peppers) y a Dave Navarro (guitarrista de Jane’s Addiction y Red Hot Chili Peppers), en la controversial canción y primer sencillo del album “You Oughta Know”, la cual tuvo una gran exposición en MTV.

El éxito de Alanis y la calidad del disco, se deben a la autenticidad de la cantante en sus letras, llenas de rabia, de inseguridades, desamores y frustraciones, identificables con cualquier ser humano a esa edad, pero sus líricas fueron bien llevadas por Glen Ballard (productor), donde pudo conjurar a todos los demonios de la canadiense, a través de guitarras grunge y un sonido completamente rockero pero que coquetea y encaja perfectamente dentro de los terrenos del pop.

Aquí se incluye una de sus mejores canciones, “Ironic”, también fueron sencillos “You Learn”, “Head Over Feet”, “Hand In My Pocket” y “All I Really Want”. Después de este álbum, Alanis jamás volvería a tener otro disco tan exitoso y formidable como su debut.

Este es sin duda, un álbum que puede disparar críticas muy diversas, debido al contenido que presenta y tal vez, no será uno de los pilares de los 90’s, pero es uno de los mas representativos de la década.

CAFÉ TACVBA – RE

Con su primer disco (Café Tacvba, 1992), el grupo mostró al mundo como juntar diversos sonidos, con humor y creando un estilo único, pero con esta producción de 1994, bajo la dirección del gurú del rock latinoamericano, Gustavo Santaolalla, Café Tacvba creó tal vez el mejor disco de rock en español de la historia, que marcó a toda una generación.

Re, rompió todo tipo de esquemas, ya que siendo una banda de rock, se atrevió a jugar, coquetear y explorar todo tipo de terrenos musicales, desde banda, música norteña, alternativa, bolero, disco, pop, salsa, industrial, electrónica, utilizaron guitarras al estilo grunge, folklor mexicano e infinidad de sonidos, que aún hoy en día suena tan fresco tanto en música como en letras, puesto que estas últimas son parte esencial del Re, contando historias únicas y en cierto modo hasta vivenciales, llenas de un sinfín de personajes, como extraterrestres, la mujer desdichada, la pareja de homosexuales, la soledad, inmigrantes, y variedad inmensa que hacen de este disco una producción atemporal.

Para muchos este disco, es lo mejor que ha hecho Café Tacvba hasta la fecha, para otros tantos fue el inicio de la mejor banda de rock latinoamericano de la historia, cada quien tiene su mejor opinión, pero lo que es cierto, es que, este es un documento invaluable de la escena mexicana, siendo incluso comparado con The White Album de The Beatles, siempre guardando dimensiones; pero lo más importante es la influencia que dejó a las generaciones siguientes, debido a que los músicos se dieron cuenta que se puede crear un estilo de gran calidad, mezclando todo tipo de ritmos y raíces.

Este disco sin duda, es uno de los mejores de la década de los 90's, tan influyente e importante, que se puede disfrutar en cualquier momento y notar la grandeza y maduración de Café Tacvba en uno de sus puntos cumbre.

SONIC YOUTH – DIRTY

Para 1992, la escena del rock estaba dominado por el “grunge”, grupos como Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden, Stone Temple Pilots, dominaban las estaciones de radio y los canales de música, pero parte de esto se lo debían a una de las bandas más underground de todos los tiempos, Sonic Youth, quienes fueron unos de los propulsores para que ese tipo de música tuviera éxito.

Con su disco anterior Goo (1990), habían tratado de invadir con su música estridente al mainstream y lo lograron de gran forma con su canción más comercial, “Kool Thing”, pero para este álbum, los críticos esperaban algo grande de parte de los padrinos del “grunge”, ya que, como estaba de moda y ellos habían provocado e iniciado este género, tenían que hacer algo único; pero fieles a su estilo, Sonic, hizo el disco más comercial de su carrera, siendo irónicamente muy diferente a la música de moda de aquellos años.

La producción que hizo Butch Vig (The Smashing Pumpkins, Nirvana), fue aclarar el sonido de Sonic Youth, algo muy difícil de lograr, puesto que con sus dos producciones anteriores tanto en el Goo como en Daydream Nation (1988), las guitarras eran un tanto sucias y crudas, pero aquí mantienen cierto orden dentro del caos y la tormenta de distorsión que provoca el grupo.

Es también un disco político, hace críticas al gobierno estadounidense como en “Youth Against Fascism” y “Chapel Hill”, las canciones son interpretadas en igual de proporción por Kim Gordon y Thurston Moore. El ambiente del álbum es oscuro sin caer en la profundidad, pero lleno de poder, como “Purr”, una canción de amor, pero à la Punk, con una actitud tan fuerte que hace recordar a los mismos Sex Pistols.

La experimentación no podía faltar, “Créme Brûlèe” y “Nic Fit” son prueba de ello. Los sencillos del disco fueron “100%”, su video fue dirigido por Spike Jonze, lleno de skateboarding e incluso promocionando a los entonces desconocidos Rage Against The Machine, “Sugar Kane” y la mencionada “Youth Against Fascism”. Dirty, tal vez, no está a la altura de la trilogía Daydream Nation, Sister o Evol, pero es sin duda, uno de los discos más rockeros y consistentes de la carrera de Sonic Youth.

MALDITA VECINDAD Y LOS HIJOS DEL QUINTO PATIO – EL CIRCO

Con su álbum debut, “los malditos” ingresaron a la escena de rock mexicano de buena manera, pero en 1991 con El Circo, sorprendieron a propios y extraños, ya que entregaron uno de los mejores álbumes de rock en español que hayan existido, siendo uno de los más influyentes para los músicos latinoamericanos y una referencia obvia para muchísimas bandas que han tratado de simular el sonido y el impacto que este álbum marcó en la historia del rock.

Con una lírica, que critica fuertemente a la sociedad mexicana y refleja lo que pasa en las calles, convirtiendo en héroes a personajes como a los pachucos, a los niños de la calle o a los faquires, inmediatamente se volvió una expresión de la juventud de esa época, que para bien o para mal, en la actualidad no pierde su vigencia e importancia.

Aparte de las letras, musicalmente es todo un documento, ya que incorpora ritmos latinos, ska, reggae, punk y rock, logrando una fusión única que posteriormente serían aprovechados comercialmente por muchas bandas de ska, pero que jamás han logrado, la perfección que estos músicos consiguieron, a pesar de sus limitaciones.

“Pachuco”, se convirtió en un clásico instantáneo, lleno de energía y remitiéndose al personaje que Tin Tan, logró mitificar; “Un Poco de Sangre”, una canción con letra bastante fuerte, teniendo como protagonista a un limpiaparabrisas; “Solin”, llena de reminiscencias a la cultura popular mexicana como Kalimán; “Kumbala”, la balada del disco, añora los salones de baile de los años 40, con una preciosa historia de amor al ritmo de danzón; “Un Gran Circo”, una de las mejores canciones del grupo, aquí se plasma de viva imagen, la desigualdad de las clases sociales, enorgulleciéndose de los personajes pobres; y también incluye para cerrar el álbum, un cover de “Querida” del maestro Juan Gabriel, a ritmo de ska, transformándola en una canción graciosa y muy diferente a la original.

El Circo fue producido por Gustavo Santaolalla, el gurú del rock latinoamericano y el productor más importante de la escena de rock en español. En fin, El Circo, hizo de Maldita Vecindad, uno de los grupos latinoamericanos más importantes, que puso en el mapa internacional, al rock hecho en México.

Este es un disco tan importante y tan influyente, y que debido a su grandeza, es muy difícil de superar.

GUSTAVO CERATI – BOCANADA

Gustavo Cerati ya había realizado un disco solista en 1994 (Amor Amarillo), y en 1999 presentaba su segundo disco Bocanada, que de hecho fue el primero después de la época y la desintegración de su banda Soda Stereo.

En Bocanada, Cerati experimenta con mucho ritmos, desde los bailables, hasta el pop, rock, electrónica y muchos más, pero con la cualidad de que sale bastante bien librado, además las letras continúan siendo intrigantes, apasionantes, sensatas dando el redondeo perfecto a este material, y entregando así, uno de los mejores discos de rock en español de todos los tiempos.

“Tabú”, es una canción frenética y perfecta para abrir Bocanada, con la voz tan bien educada de Gustavo y la guitarra que parece perseguirla durante 5 minutos; “Bocanada” es lenta, sincera y muy hermosa; la grandeza de Cerati se manifiesta en “Puente”, primer sencillo del disco, la cual es la canción rock pop por excelencia, un tema universal, y la música, totalmente fresca con sus puntos cumbres y la letra muy optimista.

“Beautiful”, tal como su nombre es una belleza de canción; “Rio Babel”, la combinación entre rock e instrumentos de cuerdas y ritmos electrónicos; el trío que forma “Perdonar Es Divino”, “Verbo Carne” y “Raíz”, es uno de los momentos cumbres del disco, las tres con una letra tan profunda como enigmática, la primera juega con sonidos semielectroacusticos, la segunda es todo un esplendor dentro de un profundo dolor, acompañado de cuerdas e instrumentos de viento y un arreglo orquestal maravilloso y la ultima mezcla ritmos sudamericanos, con guitarra acústica y sonidos electrónicos, trasladando esa emotividad a una melodía suave pero firme.

A partir de “Y Si El Humo Esta En Foco”, el disco parece dividirse en dos, porque desde este punto Cerati experimenta con sonidos electrónicos, otorgando temas instrumentales como el antes mencionado, así como “Alma” y “Balsa”; “Paseo Inmoral”, tiene un sonido cadencioso, es una canción perfectamente construida y llevada de la mano gracias al genio de Cerati.

Bocanada, demostró que el cerebro detrás de Soda Stereo, siempre fue Gustavo Cerati, y a pesar de eso, no hay punto de comparación entre el material de solista y el de su grupo. Este disco, cerró una excelente década para el rock en español.

PIXIES – BOSSANOVA

Después de sorprender al mundo con Surfer Rosa (1988) y de lograr el éxito comercial con Doolittle (1989), el mundo puso los ojos en Pixies para ver qué es lo que podían hacer en una nueva década, y afortunadamente Bossanova no fue la excepción, es un álbum totalmente diferente a sus antecesores.

En Bossanova, continúan las letras extrañas de Black Francis, pero ahora enfocadas en cosas fuera de este mundo, espaciales y en personajes raros, divertidos pero muy extraños, incluso la música que acompaña a esta lírica hace parecer a Pixies, una banda marciana, extraterrestre y solo para raros. La voz de Francis es muy potente, los gritos le imprimen esa angustia de sus personajes, hace vívidas las canciones.

El disco abre y cierra con melodías instrumentales, haciendo un círculo y encerrando las canciones en un plano perfectamente alternativo y marciano, la primera es “Cecilia Ann”, cover de Surftones y la ultima “Havalina”. "Is She Weird?", es una canción totalmente Pixie, muy sexy, con los tiempos marcados y muy graciosa.

En “The Happening”, Francis muestra su obsesión por los OVNI'S, contando una historia muy intrigante; “Dig For Fire”, una de las mejores canciones de la banda, fue incluida en la película de Cameron Crowe, Singles de 1992, pero desafortunadamente no apareció en el soundtrack del filme; “Velouria”, uno de los sencillos, es una canción fuerte e impactante.

Este disco, es su momento no fue muy aceptado, por la crítica ni por los fans, pero al paso de los años, uno se da cuenta del peso que tiene dentro de la discografía de la banda y es, sin duda, uno de sus mejores materiales, demostrando porque Pixies se convirtió en una banda de culto, y fue uno de los precursores del movimiento musical de los 90’s y una de las bandas más influyentes de todos los tiempos.

PLACEBO – WITHOUT YOU I’M NOTHING

Esta placa de 1998, dio a conocer mundialmente a Placebo, una banda que en sus orígenes, tenía influencias del rock americano de los 90’s, guitarras sucias al estilo grunge, pero para este álbum obtenía sus influencias del glam y de David Bowie; una de los principales atracciones de la banda, fue su vocalista Brian Molko, debido a su imagen andrógina, obtuvo la atención favorable tanto de la crítica como del público.

“Brick Shithouse”, captura la energía de las guitarras de Brian Molko, al estilo rock americano sucio; “You Don’t Care About Us”, es una canción punk, rápida, hasta incluso es pop, siendo una de las mejores del álbum; “Pure Morning”, fue el primer sencillo del álbum, una canción con influencia electrónica, rockera con un ambiente gótico, otorgando una gran melodía y una de las mejores de la agrupación.

Los otros dos singles del álbum fueron “Every You, Every Me”, canción notoriamente pop, que fue mayormente conocida por la película Cruel Intentions (1999), puesto que fue remezclada e incluida en el soundtrack de dicho film; también está la maravillosa balada “Without You I’m Nothing”, en la cual las guitarras agonizan lentamente, moviéndose en un ritmo decadente, llena de melancolía y tristeza, y posteriormente esta pieza fue regrabada con la participación de David Bowie, haciendo de esta canción todo un éxito.

En ese momento, Placebo capturó en este estupendo álbum, el sonido que marcó la carrera de la banda, siendo su disco más sólido y mejor criticado.

Without You I’m Nothing, es un excelente disco, con notorias influencias americanas pero con sello y producción inglés indiscutible, brindando uno de los mejores álbumes de los 90's.

THE VERVE – URBAN HYMNS

The Verve antes de este disco, ya eran considerados como una gran banda y Richard Ashcroft como uno de los compositores ingleses más queridos de su generación, siendo una influencia muy grande para sus contemporáneos británicos como Noel Gallagher de Oasis, pero por diversas circunstancias no eran tan conocidos como ellos querían.

En 1997, entregaron el mejor álbum de su carrera, con influencias de psicodelia y rock clásico, fue lo que definió el sonido de Urban Hymns.

Para abrir, este maravilloso disco esta “Bitter Sweet Symphony”, que sin duda se convirtió inmediatamente en un clásico instantáneo, dio a conocer a la banda por todo el mundo, aparte de tener un excelente video y aunque esta canción tuvo problemas legales después de su lanzamiento, ya que tomó prestado, una parte de “The Last Time”, una canción que pertenece a The Rolling Stones, siendo una de las causas de la separación del grupo.

Algo que distingue este álbum, es que utiliza en las baladas, una sección de cuerdas como en “Sonnet” o “The Drugs Don’t Work”, que remarca en los puntos culminantes, las melodías escritas por Ashcroft, y llenan de sentimentalismo a las canciones.

“The Rolling People”, es una canción fuerte, con un ritmo poderoso de una inmensa calidad; “Catching The Butterfly”, captura la psicodelia que a The Verve, tanto le gustaba explorar, convirtiéndola en una de las canciones más exquisitas del álbum; “Lucky Man”, fue otro de los sencillos de Urban Hymns, la cual es una canción alegre y muy optimista.

Este es un gran disco, uno de los mejores álbumes ingleses de la historia, y el álbum que The Verve necesitaba y el disco que al Brit Pop le faltaba.

KULA SHAKER – K

A plena mitad de los años 90, surgió una banda inglesa, que tomó influencias del rock de los 60's y 70's, así como su psicodelia, los ritmos de la guitarra e incluso el órgano tan característico de las bandas de rock de aquellos años, siendo sus referencias más directas The Beatles y Jimi Hendrix, esa banda fue Kula Shaker.

Empapados en la cultura india, estos ingleses mostraron en sus canciones, ambientes llenos de espiritualidad y misticismo, como en “Govinda” y “Tattva”, tal como el cuarteto de Liverpool (The Beatles), lo realizó en su momento.

Las canciones contienen cítaras hindúes, rock clásico y melodías pegajosas, como la potentemente rockera “Hey Dude”, en la cual se encierra el sonido característico de la banda e incluso cuenta con canciones instrumentales, mostrando las habilidades de los integrantes como en “Magic Theatre” y “Sleeping Jiva”; “Grateful When You’re Dead/Jerry Was There”, en su primera parte, es una reminiscencia clara de Deep Purple, simplemente una de las canciones más fuertes y rockeras del álbum; “Star All Over”, es la canción más bella y romántica del disco, mostrando el lado sensible de Crispian Mills (vocalista y compositor del grupo).

Las melodías funcionan muy bien entre sí, a pesar de las referencias inmediatas de la banda, lograron combinar en los años 90, un conjunto de canciones muy respetables, dándole el nombre a un nuevo subgénero de “Neo-Psicodelia”.

K, es uno de los álbumes ingleses más importantes de aquella generación británica de mediados de los 90's, y un álbum disfrutable de principio a fin.

GOLDIE – TIMELESS

En 1995, Goldie editó su álbum debut llamado Timeless, el cual inmediatamente se convirtió en piedra angular del Jungle y del Drum N’ Bass, tomando Goldie, el nombre de “creador” del género.

El disco está lleno de loops, sonidos sucios, y beats, que poco a poco van desapareciendo o aparecen de acuerdo como la música lo vaya necesitando, eso sin mencionar las vocales femeninas sensuales, que son rodeadas en una atmósfera ambiental.

Goldie supo mezclar a la perfección las baterías potentes y una línea de bajo que delinea el sonido característico e inconfundible del género, marcando así una evolución natural de la música electrónica, ya que llevó el sonido techno a otros niveles, marcando a toda una generación, poniéndola en ritmos fuera de espacio y tiempo.

Abriendo el disco se encuentra “Timeless”, homónima de la producción, con una duración de 21 minutos, sin duda, es un todo un himno de las pistas de baile y el primero del Jungle y Drum N’ Bass, puesto que con su enorme duración se muestra la habilidad de Goldie, para realizar mezclas perfectas sin caer en ningún momento, manteniendo un ritmo hipnótico y en ciertos momentos nos hace viajar por los pasajes más oscuros de su mente.

Otras canciones interesantes del álbum son: “State Of Mind”, que adopta un estilo de R & B, la bella “Angel”, que destaca por sus vocales femeninas o la poderosa “Kemistry”, que es una de las canciones más impactantes del disco.

Timeless es toda una joya, marcó los pasos a seguir dentro de la música electrónica, creando un género y un estilo, que posteriormente se fue adaptando y evolucionando hasta llegar al sonido que actualmente conocemos.

UNDERWORLD – DUBNOBASSWITHMYHEADMAN

El trío formado por Darren Emerson, Karl Hyde y Rick Smith, Underworld logró hacer este fabuloso disco de 1994, con él se rompieron esquemas y se marcó la pauta de la música electrónica para los años siguientes.

Dubnobasswithmyheadman, es un álbum, completamente bailable, de principio a fin, conjugando a la perfección el sonido house y techno con vocales (Karl Hyde), que a veces parecen estar en un segundo término pero que se combina de buena manera con el bajo o las guitarras de Rick Smith y con las capas de sonidos del DJ Darren Emerson.

Con solo nueve largas canciones, que hacen una duración mas allá de la hora, Underworld brinda un momento de brillantez, ya que muchos grupos habían tratado de hacer lo que ellos en este material, pero casi ninguno salió bien librado de la experimentación, Underworld llevó la electrónica a otro nivel, gracias a la conjugación de estos tres músicos, llevándolos a un status de ídolos dentro del género.

“Dark And Long”, “MMM Skyscraper I Love You”, “Spoonman” y “Cowgirl”, son las mejores canciones del álbum, e incluso fueron los sencillos que promocionaron el álbum, ganándoles así admiradores por todo el mundo, y algo muy destacado con el disco, es que estos singles, estuvieron acompañados por los excelentes videos, creados por Tomato, que es una compañía productora de videos, que los mismos integrantes del grupo, crearon para realizar su imagen, e incluso el arte del mismo álbum fue realizada por dicho concepto.

Este es un excelente disco, es todo un pilar dentro de la música electrónica, ya que estableció bases, y cambió el género para siempre.

SUEDE – SUEDE

En 1993, apareció el álbum debut de Suede, quienes desde el principio atrajeron la atención del público y de la crítica, debido a su imagen y letras, que estaban declaradas abiertamente a la ambigüedad, a la androginia, claramente influenciados por David Bowie y The Smiths.

Este un álbum perfecto, gracias a la lírica de la magnífica combinación de Brett Anderson y Bernard Butler, el primero dándole una imagen al grupo de sensualidad, delineadamente sexy, con un tono de voz totalmente andrógino pero bien definido; y el segundo dándole un toque de glam y punk con ganchos controlados, definiendo así, el estilo del grupo.

Suede con este disco ganó una gran reputación, ya que fué uno de los primeros grupos de la nueva ola de música inglesa, que traía de nuevo a la década de los 90, el sonido de bandas clásicas, desarrollando un estilo propio.

“So Young”, es una gran canción digna de ser la tarjeta de presentación del álbum homónimo de la banda; los sencillos “The Drowners” y “Metal Mickey”, solo reforzaban las ideas que presentaba Suede, llenos de letras inquietantes para ser tan hermosas melodías; la casi teatral y dolorosa “Pantomime Horse”, se oye esplendorosa debido a la voz de Anderson; canciones como “Sleeping Pills”, muestran el lado sensible de Suede; y para cerrar el disco se encuentra “The Next Life”, la cual a pesar de ser muy triste, es una de las mejores canciones del disco y del grupo.

El disco obtuvo en 1993, el Mercury Prize, el premio más importante en la música en Inglaterra.

Este es uno de los mejores discos ingleses de todos los tiempos, debido a su excelente composición, a su música sincera y profunda; un clásico instantáneo, que inspiró a muchos de su generación.

SINGLES – ORIGINAL SOUNDTRACK

Singles (Vida de Solteros, 1992), es una película desarrollada en Seattle, justo en el boom del llamado “grunge”, fue dirigida por Cameron Crowe, originario de esa ciudad, logró con este film, hacer un documento muy valioso de aquella generación tanto con el film como con el soundtrack, ya que los artistas que interpretan las canciones casi todos son de Seattle, sean leyendas de la música o grupos que en esos días apenas se daban a conocer.

El soundtrack reunió bandas muy importantes de la ola del grunge, como Pearl Jam, Soundgarden, Mudhoney, Screaming Trees y Alice In Chains.

Alice in Chains, aporta Would?, en ese entonces una canción nueva que posteriormente en el mismo año apareció en Dirt; Pearl Jam, con “Breath” y “State Of Love And Trust”, canciones que se volvieron de culto entre sus fans, ya que son al estilo del Ten; “Birth Ritual”, de Soundgarden, lleno de metal y la voz desgarradora de Chris Cornell, quien incluso participa con una canción en solitario, la bella “Seasons”; Paul Westerberg, también participa con dos canciones nuevas “Dyslexic Heart” y “Waiting For Somebody”, que son alternativas pero con un sonido pegajoso que hacen que se vean pop, frente al resto de las otras, pero haciendo un perfecto balance en el disco; Mother Love Bone y Mudhoney están presentes ya que son antecesores a ese movimiento musical, la primera con la épica “Chloe Dancer”, y esa voz única del fallecido Andrew Wood, y la segunda con “Overblown”, demostrando que a pesar de que se hizo popular el grunge, ellos seguían manteniendo el lado alternativo en su música; también se encuentra parte del pasado musical de Seattle como Jimi Hendrix y The Lovemongers, la gran “May This Be Love”, que aparece en una parte crucial del film y la segunda conformada por las hermanas Wilson integrantes de Heart, interpretando “Battle Of Evermore” de Led Zeppelin, simplemente grandiosa y al final del álbum está Screaming Trees con “Nearly Lost You”, buena canción y los entonces desconocidos The Smashing Pumpkins con la excelente “Drown”, al más puro estilo Sonic Youth, siendo una de las mejores canciones de su repertorio.

Este fue uno de los primeros soundtracks de los noventa en ser número uno en ventas, teniendo grandes agrupaciones y canciones, y algo más importante, es un documento histórico sobre la influencia de esta música en la cultura de los noventa.

PRIMAL SCREAM - SCREAMADELICA

Con este disco Primal Scream, revolucionó a toda una generación, ya que enseñó al mundo como se deben mezclar excelentes melodías de rock con pop, house, electrónica y psicodelia, sin dejar de lado una excelente propuesta, la cual ha sido influencia para muchos músicos, gracias a la conjunción de estilos que se presentan en este material. Uno de los principales aciertos de esta producción fue la combinación esplendorosa del house al rock, ya que siendo géneros tan distintos entre sí, le dio el aire de frescura que necesitaba el rock, y la gran aportación fue llevar este sonido a las masas, siendo aceptados por cualquier tipo de público.

A pesar de que Primal Scream está conformado por excelentes músicos, entre ellos encabezando al gran vocalista Bobby Gillespie (ex Jesus and Mary Chain), en mucho ayudó la producción del Dr. Alex Patterson (The Orb) y Andrew Wheatherall, en esta magnífica obra de arte, convirtiendo este disco en un clásico instantáneo, llegando a ser sin duda uno de los mejores álbumes de todos los tiempos.

“Movin’ on up”, abre el disco y a partir de aquí comienza un viaje durante una hora entre beats, sampleos y rock clásico, y que poco a poco toma forma; “Higher Than The Sun”, es una de las piezas claves tanto de Screamadelica como en la carrera de Primal, ya que está llena de energía, electrónica, y atmósferas que nos encierran en lugares desconocidos y es una muestra de lo que en años futuros realizaría el grupo; “Loaded”, es el sencillo más conocido del álbum y uno de los himnos ingleses más importantes en la década de los 90’s, con su introducción tan famosa de Peter Fonda de la película The Wild Angels, fue el primer gran hit de la banda; “Shine Like Stars”, es simplemente la canción perfecta para cerrar este disco, ya que con un sonido hipnótico, lentamente va terminando la música.

Screamadelica terminó con el tabú “que el rock no se lleva con la música electrónica”. Es un álbum perfecto, rompe con todo tipo de etiquetas, llevando a grado de genio a Gillespie y haciendo de este disco una piedra angular del rock contemporáneo. Fue el primer ganador en la historia del tan prestigiado Mercury Prize.

CAIFANES – CAIFANES II: EL DIABLITO

Caifanes en la década de los 80’s, se mostró como una banda oscura, con letras de ultratumba solo como Saúl Hernandez podía hacerlas, su look era al más puro estilo de The Cure; Caifanes nació en una época donde había poca expresión para el rock mexicano, e incluso su primer gran hit, irónicamente fue una cumbia “La Negra Tomasa”, pero en este tiempo la banda logró sembrar esa semilla que pocas bandas mexicanas podían presumir, una legión de fieles fans.

En 1990, se incorporó un segundo guitarrista, Alejandro Marcovich, quien fue miembro fundador de las Insólitas Imágenes de Aurora (previo a Caifanes), e inmediatamente se notó el cambio, al dejar de llevar la carga Saúl tanto de guitarra principal y voz y dejándole el puesto de guitarra principal a Marcovich que marcó un antes y después en la historia de Caifanes.

El grupo volvió a trabajar con Cachorro López para su segundo álbum y con el entonces no tan conocido Gustavo Santaolalla quien fue solo productor de tres canciones del álbum, ambos supieron dirigir perfectamente al grupo llevándolos a otros límites, sin dejar de lado completamente ese sonido oscuro que al principio de su carrera los caracterizó.

El diablito se escucha más rockero que su antecesor, teniendo ritmos más rápidos y letras más accesibles, pero sin olvidar el lado poético y crítico de Saúl, este álbum lo elevó a una categoría como compositor en el cual pocos podían estar; el disco conserva ese ambiente oscuro en canciones como “Antes De Que Nos Olviden”, “Sombras En Tiempos Perdidos” y “Aquí No Pasa Nada”. El gran sencillo del disco fue “La Célula Que Explota”, un clásico innegable en el rock nacional, en el cual se comienza a notar la influencia de ritmos mexicanos en la música de la banda; letras políticas como “El Elefante”, acompañan el álbum y como olvidar “Detrás De Ti”, obsesiva, atrapante y delirante y no dejemos de mencionar “El Negro Cósmico”, que sencillamente es una de las mejores composiciones del quinteto.

Este disco hizo que Caifanes llevara por un momento la bandera del naciente rock nacional, gracias a la excelente letra y música que emanaba del grupo, y que a pesar de la lejanía del año de lanzamiento, se escucha fresco, potente, un clásico del rock latinoamericano.

Dato extra:

El álbum es conocido por tres nombres: 1) Caifanes II, ya que a un lado del disco traía ese nombre, 2) El diablito, ya que en la parte inferior de la portada trae un "diablito" e incluso el nombre aparece en la misma parte inferior, 3)O bien, por un compuesto de los dos anteriores nombres (el cual es el nombre oficial).