PULP FICTION - ORIGINAL SOUNDTRACK

 

Muchas cosas se han dicho a lo largo de tres décadas acerca de Pulp Fiction, segundo largometraje de Quentin Tarantino, el cual, lo lanzó al estrellato tanto a él como a sus protagonistas, Uma Thurman, John Travolta (un exitoso e inesperado regreso a las grandes ligas de Hollywood), Samuel L. Jackson, en fin, a cada uno de sus participantes.

Uno de los grandes puntos a favor de este clásico cinematográfico, es su banda sonora, dicho sea de paso, la película no sería lo mismo sin esa exquisita selección de canciones que Tarantino nos ofreció.

Se sabe que una de las grandes obsesiones de Quentin, es el cine, sin embargo, es sobrepasada por su gusto por la música, se dice, que cuenta con una colección enorme de vinilos y que antes de escribir los guiones para las películas escucha esa colección y da rienda suelta a su imaginación.

El director norteamericano con esta película nos dio un clásico instantáneo, fuente de inspiración para infinidad de personas y artistas, y también tatuó en nuestras memorias, escenas inolvidables acompañadas de su fino gusto musical.

Para ejemplo como olvidar la escena en donde Mia Wallace, pone en la sala de su casa, la canción “Girl, Youl Be A Woman Soon”, interpretada por Urge Overkill, cover de Neil Diamond y de ahí se desprende una secuencia importante para el filme.

O la que se encarga de abrir el disco, y que es encargada de los créditos iniciales, la fantástica, “Misirlou” de Dick Dale And The Del-Tones, así como “Comanche” de The Revels, una canción trepidante, y que, con el sonido único del saxofón, que suena estruendosamente, mientras Butch trata de escapar del grupo de sadomasoquistas.

Una de las escenas más memorables de la cinematografía mundial es el baile que se lleva a cabo, entre Mia Wallace y Vincent Vega, al ritmo de twist con “You Can Never Tell” de Chuck Berry.

Tarantino, no solo escogió cada una de las canciones para su película, sino que lo hizo con temas que, en su momento, no fueron tan conocidas o populares, con una fina selección de piezas musicales, que parecieran lados B.

El director estadounidense con un simple soundtrack, revivió y puso un género de moda, el surf, para ejemplos está la mencionada “Misirlou” de Dick Dale, que hasta en la primera década de los dos miles, Black Eyes Peas la sampleo y la utilizó para su canción “Pump It”, o “Surf Rider” de The Lively Ones, o “Bustin’ Surfboards” de The Tornados, lo impresionante es que ni siquiera hay playas, arena, mar o surfistas dentro del filme, además de este género, se incluyen el soul, funky y en general música de la década de los años sesenta y setenta.

En la banda sonora, aparte de incluir algunas de las canciones presentadas en pantalla, se agregan diálogos o conversaciones del filme, como el que llevan en el restaurante Honey Bunny y Pumpkin, o la discusión del “Royal With Cheese” entre Jules Winnfield y Vincent Vega, o el famoso “Ezequiel 25:17”, interpretado por Samuel L. Jackson y su personaje Jules.

El soundtrack fue un éxito de ventas, marcó un antes y un después en cuanto a bandas sonoras se refiere, para 1994, salió el CD con 16 canciones, pero debido al éxito, en 2002, se lanzó al mercado, una edición para coleccionistas donde se agregan cuatro temas incluidos en el filme pero que en la primera edición del álbum no aparecieron.

Los nombres de los artistas seleccionados, son importantes dentro de la escena musical de los 60’s y 70’s, como Al Green, Kool And The Gang, Dusty Springfield y el antes mencionado Chuck Berry.

El soundtrack de Pulp Fiction, es una de las mejores piezas recopilatorias que han existido, pareja perfecta del filme, y que después de tres décadas suena tan fresca como pocas obras lo han hecho, un clásico indiscutible de la década de los noventa.

SPAWN: THE ALBUM

 

En 1997, salió en los cines la película Spawn, basada en un comic creado por Todd McFarlane, dicho filme fue vapuleado por la crítica, ninguneado por los fans y en lo general, se puede decir, que es una película muy mala, con un guion pésimo, los personajes son caricaturescos, las actuaciones son deficientes, los efectos especiales son horribles y a más de un cuarto de siglo de su salida, no ha envejecido nada bien, hoy en día, se ve peor de cuando salió, sin embargo, no todo es malo en cuanto a su aportación cinematográfica, dejo cosas buenas a su paso, como el soundtrack que la acompañó.

Spawn, fue de las primeras películas realizadas basadas en un comic cuando aún ese subgénero fílmico estaba en pañales y no gozaba ni con la credibilidad ni con la audiencia que actualmente goza, fue un proyecto arriesgado aún más por el personaje, protagonizado por un tipo afroamericano, lo cual, en aquellos días, se pueden contar pocos, dentro del subgénero, en películas como The Meteor Man (1993), Steel (1997) y Blade (1998), este último gozó de mayor aceptación, todos ellos son la base para llevar a la pantalla grande, el comic de Black Panther (2018).

La creación de Todd McFarlane Entertainment, encargada de la producción de la película a través de su creador, McFarlane, quien ya era conocido en el mundo de los cómics, por su trabajo en The Amazing Spider-Man, y por supuesto por su obra, Spawn, entre su trabajo más conocido fue la elaboración y grabación de videos musicales como “Do The Evolution” de Pearl Jam para su disco Yield de 1998 y “Freak On A Leash” de Korn para el álbum Follow The Leader del mismo año.

El soundtrack de la película se puede decir que es lo más rescatable de ese proyecto, aunque, aun suele dividir opiniones entre los fans, debido a la mezcla de rock y electrónica, el álbum estuvo producido por Happy Walters, quien previamente experimentó con la combinación de géneros (alternativo y hip hop) para el soundtrack de Judgement Night (1993) y posteriormente para Blade II (2002) que andaba entre el rock y hip hop, siendo Spawn: The Album, el segundo de esa trilogía.

Los grupos que aparecen son diversos y referentes de los géneros del rock y metal como Slayer y Metallica, o artistas como Tom Morello (guitarrista de Rage Against The Machine), Henry Rollins, se incluyen artistas que gozaban de mucha popularidad en aquellos días como Marilyn Manson, o quienes comenzaban a brillar como Incubus, Korn y Filter.

Del lado electrónico estaban actos legendarios como Orbital, The Prodigy, The Dust Brothers, Moby, Atari Teenage Riot e igual quienes comenzaban a formar una carrera en la industria como The Crystal Method, Goldie, Roni Size, Sneaker Pimps, agrupaciones que estaban a la vanguardia entre el techno, trip hop, drum ‘n’ bass y jungle.

La encargada de abrir el álbum, es “(Can't You) Trip Like I Do”, reescrita de la original “Trip Like I Do” del disco debut Vegas (1997) de The Crystal Method pero en esta versión se adiciona la participación de Filter, siendo el segundo y último sencillo del disco.

Como primer sencillo y uno de los highlights es "Long Hard Road Out of Hell", en el que participa Marilyn Manson y con los coros de la vocalista de Sneaker Pimps, Kelli Ali, aunque ellos no estuvieron de acuerdo con el producto final, se le considera uno de los mejores tracks de Manson, y una transición entre la era del Antichrist Superstar (1996) y Mechanical Animals (1998), el video fue dirigido por Matthew Rolston, quien ha trabajado con Madonna, Morrissey, Foo Fighters, Garbage, Jewel, Natalie Imbruglia, Sheryl Crow, entre otros, es uno de los más recordados de la carrera de Manson.

De los temas más destacados se encuentran “One Man Army”, que conserva la esencia de sus participantes, Tom Morello y The Prodigy, el sonido que traía la agrupación con su disco, The Fat Of The Land (1997), “No Remorse (I Wanna Die” de Slayer y Atari Teenage Riot, es el ejemplo de la combinación perfecta de los géneros, se muestra toda la furia, velocidad y enojo de cada una de las bandas.

Spawn: The Album, es uno de los mejores soundtracks de la década de los noventa, una experimentación en la combinación de rock y electrónica, que sale bien librado y que nos entregó piezas musicales dignas de ser escuchadas, un álbum estupendo para una película tan mala.

THE CROW - ORIGINAL MOTION PICTURE SOUNDTRACK

 

Son muchas las películas que se producen al año, pero pocas perduran en la memoria colectiva, y que son referente de toda una generación, una de esas afortunadas es The Crow, dirigida por Alex Proyas y actuada en el personaje principal por Brandon Lee (hijo de Bruce Lee).

The Crow, es la adaptación a la pantalla grande, del comic del mismo nombre, un personaje oscuro, gótico, con una historia plagada de violencia, muerte, ira y venganza.

La historia es de Eric Draven y su novia, Shelly Webster, quienes son brutalmente asesinados por una pandilla local, por lo que, el cuervo revive a Eric, para vengarse de todos aquellos que fueron participes de la muerte de él y su amada, mediante algunos poderes que le otorga el animal.

Gracias a la dirección de Proyas y a la excelente actuación de Brandon y por qué no mencionarlo, al fatídico desenlace del actor, a manos de una bala real, metida en una pistola, que fue disparada accidentalmente en la grabación de una escena y que lamentablemente dio muerte al actor, la película inmediatamente cautivó a toda una generación, inspiró a muchos artistas, fue del gusto del público y de la crítica, el filme se convirtió de manera casi instantánea en una película de culto, y como un buen filme, se hizo acompañar de un excelente soundtrack, que plasmó en sonoridad todos aquellos sentimientos y oscuridad atmosférica que rodea a la cinta, tema del que nos ocupa.

El soundtrack es considerado no solo uno de los mejores de la década sino de la historia, es un documento fiel, de mediados de los noventa y del retrato del rock alternativo que incluyó actos legendarios, nuevos y underground.

El track principal, fue hecha exprofeso para la película, y quien más que plasmar la oscuridad y lo gótico que, The Cure con “Burn”, siendo el single que empujó la venta del álbum e incluso en años recientes la banda la toca en sus conciertos en vivo.

Machines Of Loving Grace, aporta la canción “Golgotha Tenement Blues”, banda de rock industrial, quienes tuvieron la oportunidad de leer el guion antes de la filmación y esa fue la inspiración para la composición del track.

“Big Empty” de Stone Temple Pilots, es representante de la onda grunge que se vivía en aquellos días, el track no iba a ser incluido, ya que se aportaría “Only Dying”, pero a la banda le pareció de mal gusto, debido a la muerte accidental del protagonista, y presentaron esta canción que posteriormente, sería uno de los temas de su segundo álbum Purple de 1994.

La cuarta canción, es un cover a Joy Division, que corre a cargo de Nine Inch Nails, un tema potente, fuerte e industrial, hay que mencionar, que, en el comic, en muchas escenas se recurre a letras de diferentes canciones de la banda inglesa, e incluso se buscó que New Order, hiciera un cover de “Love Will Tear Us Apart”, pero el líder Bernard Sumner, se negó debido a que estaban en plena promoción de su álbum Republic (1993).

Rage Against The Machine, aportó el tema “Darkness”, la cual, no fue agregada en su álbum homónimo debut, y había sido presentada como demo, originalmente se llamaba “Darkness Of Greed”, pero para la película, el nombre fue cambiado.

Violent Femmes, presentó “Color Me Once”, es sin duda, uno de los temas más oscuros en la carrera de la agrupación, que le agregó ese sonido tétrico y que encaja perfectamente con el concepto del comic y la película, la canción fue realizada para el filme, y su composición fue llevada a cabo, solo con lo que ellos escucharon de la cinta.

“Ghostrider”, canción original de la banda Suicide, inspirada en el súper héroe de Marvel del mismo nombre, aquí es interpretada y reversionada por Rollins Band, en la cual, Henry Rollins, le hace un homenaje a la banda y no sale por nada del estilo del álbum.

Helmet, aportó una versión alternativa de “Milktoast”, cuya toma original apareció en su álbum de 1994, Betty, con el nombre de “Milquetoast”, en ambas versiones, el productor fue Butch Vig, conocido por su trabajo con Nirvana, The Smashing Pumpkins, Sonic Youth, Garbage, entre otros, cuya toma alternativa, es más distorsionada e industrializada.

“The Badge” de Pantera, es un cover, a la banda hardcore, Poison Idea, una de las grandes canciones de este álbum, y fiel al estilo de la banda es un track de metal duro.

La banda underground, For Love Not Lisa hizo su contribución al soundtrack con “Slip Slide Melting”, en la que, se combina el funk, metal y el hardcore.

My Life With The Thrill Kill Kult y su “After The Flesh”, hicieron un intenso cameo en una breve escena de la película, un track perverso e industrial.

The Jesus And Mary Chain contribuyeron con “Snakedriver”, que fue compuesta para la banda sonora, incluida en su compilación The Sound Of Speed, unos meses antes del lanzamiento del soundtrack, es una canción brillante, una gloriosa composición ruidosa.

La penúltima canción del álbum, es “Time Baby III”, de Medicine, que incluye en las voces a Elizabeth Fraser de Cocteau Twins, y como su nombre lo dice, esta es la tercera versión del tema, la segunda versión aparece en el filme y es una menos pulida, que la incluida en el soundtrack, y la primera versión, es de un demo original de la banda, en duración es más larga que las últimas dos y grabada antes de que la frontwoman Beth Thompson se uniera a la agrupación.

Para cerrar el álbum se encuentra, “It Can’t Rain All The Time” de Jane Siberry, que en la ficción de la película la escribe Eric Draven, cuyo estilo es gótico industrial.

Como podemos ver, el soundtrack incluyó un estilo definido dominado por el industrial, hardrock, rock, metal, gótico, es un documento para entender aquel movimiento alternativo que dominó gran parte de la década y que, en aquel momento gozó de gran popularidad.

Debido a la interesante combinación de muchos elementos y de nombres, tuvo un gran éxito comercial, y aun casi 30 años después de su aparición es un referente, con gran aceptación del público y de la crítica, un álbum definitorio de cómo integrar una gran banda sonora.

TRAINSPOTTING - ORIGINAL SOUNDTRACK

 

Danny Boyle tuvo la visión de llevar el libro de Irvine Welsch,(quien aparece brevemente interpretando a Mikey Forrester, un punk traficante de heroína), Trainspotting a la pantalla grande, dicha obra era algo muy difícil de trasladar a imágenes y el británico no solamente lo hizo, sino que lo realizó de forma magistral, convirtiendo a la película, en un material de culto, para esto recurrió a su entonces actor de cabecera Ewan McGregor y al productor Andrew McDonald, con quien había trabajo en su anterior filme Shallow Grave (1994).

Trainspotting, narra la historia de un grupo de jóvenes adictos pertenecientes a la clase baja de Edimburgo, Escocia, cuya única aspiración es conseguir u obtener dinero para solventar su vicio, y el único que aparenta poder escapar de esta vida autodestructiva, es el protagonista y nuestro antihéroe por excelencia, Mark Renton.

Dicha película tiene una excelente banda sonora, debido a que, gran parte del presupuesto disponible, se gastó para adquirir los derechos de las canciones que el director quería que aparecieran en el filme, teniendo un gusto y oído excelso para escoger cada uno de los temas que conformarían el soundtrack.

Algunas canciones fueron compuestas ex profeso como “Trainspotting” de Primal Scream, la cual, es un viaje psicodélico que nada entre el house, rock, ambient como solo los escoceses podían lograrlo, dicho tema y con duración reducida, se incluyó posteriormente en su álbum Vanishing Point (1997), “Born Slippy Nuxx” de Underworld, que también, a la postre se agregaría como bonus track en una reedición de su álbum Second Toughest In The Infants (1996), o “Closet Romantic” de Damon Albarn, asimismo, la selección musical fue atinada por la inclusión de nombres como Pulp o Blur, quienes fueron grandes representantes del Britpop, es importante mencionar, que dicho género vivía sus mejores momentos, bandas como Sleeper y Elastica, en aquellos días gozaban de mucha popularidad en el Reino Unido, también, se apoyó de grandes nombres de la industria musical como Iggy Pop, New Order, Lou Reed, Brian Eno, o artistas que empezaban a ser reconocidos en la escena electrónica como Leftfield, quienes había colaborado con música en la citada Shallow Grave.

Gracias al magnífico trabajo que realizó Danny Boyle en la combinación de las imágenes y la música, se quedaron grabadas escenas icónicas de la película en la memoria colectiva, por ejemplo:

-El intro frenético, mientras vemos a Mark Renton y Spud siendo perseguidos por las calles, al ritmo de “Lust For Life” de Iggy Pop, y al mismo tiempo, escuchamos en voz off el soliloquio de nuestro antihéroe;

-El nado en aguas profundas de Renton con “Deep Blue Day” de Brian Eno;

-El ambient techno psicodélico en alguna escena con “Trainspotting” de Primal Scream;

-La aparición angelical de Diane frente a los ojos atónitos de Renton y los encuentros casuales y algunos, nada fortuitos de los compañeros de nuestro antihéroe, mientras suena de fondo “Atomic” de Sleeper, gran cover de Blondie, que le dio nueva vida a ese clásico de las pistas de baile;

-Escuchar los versos cantados de “Temptation” de New Order por Diane, cuando está fuera de escena, mientras toma una ducha;

-Observar la triste rutina de un adicto forzado a ser delincuente para mantener su hábito con “Nightclubbing” de Iggy Pop;

-La derrota de nuestro personaje principal con la melodía melancólica de “Sing” de Blur;

-El pasaje de la recaída y sobredosis de Mark con “Perfect Day” de Lou Reed;

-La complicada vida en Londres con un roomie como Begbie con “Mile End” de Pulp, que, dicho sea de paso, es el ejemplo perfecto del match de las imágenes con la música, dicha canción fue lado B del sencillo “Something Changed” del disco Different Class (1995);

-La noche de club en Londres de nuestros personajes con “For What You Dream Of” de Bedrock feat. KYO;

-La situación difícil que vive Renton cuando tiene de huéspedes a Begbie y Sick Boy y para librarse de ellos, los manda a un departamento de los que el rentaba/vendía con “2:1” de Elastica;

-Mark Renton y su prueba de la “mercancía” a vender con la potencialidad y tal vez, su única oportunidad para hacerse ricos con “A Final Hit” de Leftfield;

-El punto culminante de la obra y con la cual aún nos toca fibras sensibles “Born Slippy (Nuxx)” de Underworld, quienes durante un tiempo fueron colaboradores de cabecera del director, y plasman con gran audacia su música en una de las escenas más importantes del filme;

-Y finalmente, para la cortina de créditos finales “Closet Romantic” de Damon Albarn.

El éxito que tuvo entre el público y la crítica, se reflejó en los millones de discos vendidos por el mundo, fue todo un fenómeno tanto la película como el soundtrack, tal fue así, que, al año siguiente el soundtrack tuvo un Vol. 2, el cual fue un compilado de canciones que no se incluyeron en el primer volumen y de otras que son remixes de las que sí aparecieron, o que, de acuerdo a los creadores, debieron presentarse en el filme, para esto, es importante señalar que, esa segunda parte no tuvo ni la relevancia ni el éxito como el primero.

Asimismo, la película tuvo su secuela en el año de 2017, llamada T2: Trainspotting, 21 años después del lanzamiento de la original, siendo una continuación directa de la primera película y no así, del libro Porno, también de Irvine Welsch, que es la segunda parte directa de la novela.

Este disco es una excelente colección de canciones, siendo un testimonio de la época y es uno de los mejores soundtracks de todos los tiempos, que se creó para acompañar a una película esencial y pilar de los noventa.

SINGLES – ORIGINAL SOUNDTRACK

Singles (Vida de Solteros, 1992), es una película desarrollada en Seattle, justo en el boom del llamado “grunge”, fue dirigida por Cameron Crowe, originario de esa ciudad, logró con este film, hacer un documento muy valioso de aquella generación tanto con el film como con el soundtrack, ya que los artistas que interpretan las canciones casi todos son de Seattle, sean leyendas de la música o grupos que en esos días apenas se daban a conocer.

El soundtrack reunió bandas muy importantes de la ola del grunge, como Pearl Jam, Soundgarden, Mudhoney, Screaming Trees y Alice In Chains.

Alice in Chains, aporta Would?, en ese entonces una canción nueva que posteriormente en el mismo año apareció en Dirt; Pearl Jam, con “Breath” y “State Of Love And Trust”, canciones que se volvieron de culto entre sus fans, ya que son al estilo del Ten; “Birth Ritual”, de Soundgarden, lleno de metal y la voz desgarradora de Chris Cornell, quien incluso participa con una canción en solitario, la bella “Seasons”; Paul Westerberg, también participa con dos canciones nuevas “Dyslexic Heart” y “Waiting For Somebody”, que son alternativas pero con un sonido pegajoso que hacen que se vean pop, frente al resto de las otras, pero haciendo un perfecto balance en el disco; Mother Love Bone y Mudhoney están presentes ya que son antecesores a ese movimiento musical, la primera con la épica “Chloe Dancer”, y esa voz única del fallecido Andrew Wood, y la segunda con “Overblown”, demostrando que a pesar de que se hizo popular el grunge, ellos seguían manteniendo el lado alternativo en su música; también se encuentra parte del pasado musical de Seattle como Jimi Hendrix y The Lovemongers, la gran “May This Be Love”, que aparece en una parte crucial del film y la segunda conformada por las hermanas Wilson integrantes de Heart, interpretando “Battle Of Evermore” de Led Zeppelin, simplemente grandiosa y al final del álbum está Screaming Trees con “Nearly Lost You”, buena canción y los entonces desconocidos The Smashing Pumpkins con la excelente “Drown”, al más puro estilo Sonic Youth, siendo una de las mejores canciones de su repertorio.

Este fue uno de los primeros soundtracks de los noventa en ser número uno en ventas, teniendo grandes agrupaciones y canciones, y algo más importante, es un documento histórico sobre la influencia de esta música en la cultura de los noventa.