SHAKIRA - ¿DÓNDE ESTÁN LOS LADRONES?

 

¿Dónde Están Los Ladrones?, cuarto material de estudio de la colombiana Shakira, producido por Emilio Estefan, su álbum en español más vendido y exitoso de su trayectoria, es el segundo que se lanzó a nivel internacional y el último previo al crossover con Laundry Service (2001).

El nombre del álbum y de la canción homónima, proviene de una experiencia de la artista, en la cual, fue víctima de robo en un aeropuerto de una maleta, la que contenía, notas, letras y parte de material grabado, que sería este disco, que le daría continuación al también exitoso Pies Descalzos (1995), y a pesar de los esfuerzos por localizar el objeto, nunca fue encontrado por lo que Shakira y su grupo de músicos tuvieron que armarlo de memoria, lo que inspiró a la creación de nuevas canciones como la antes mencionada.

El material es más fresco, sólido y mostrándola a nivel de composición mucho más madura que en su antecesor, se arriesga a incorporar a su sonido, más géneros y da un paso muy importante en su carrera.

Prácticamente, todas las canciones de la producción, son conocidas de alguna u otra forma por el público, derivado de varios factores, por mencionar algunos, porque fueron seis sencillos los que ayudaron a su promoción, un año después de la publicación de ¿Dónde…, se grabó el MTV Unplugged (1999), y varias de las canciones también fueron incluidas en el disco en vivo, por lo que se utilizaron las canciones como promocionales del Unplugged, sin dejar de mencionar, la calidad de los temas o a la popularidad de la que goza el material en el público hispanoparlante.

Las líricas del disco abordan temas comunes como el amor, el desapego a una pareja, incluso se atreve a hacer críticas sociales, muy de manera superficial, pero la colombiana se arriesgó; de los géneros abordados por la artista predominan el pop y rock, incluye trompetas estilo mariachi, armónicas, y sonidos orientales, debido a la imagen proyectada y al estilo de música se le comparó en muchas ocasiones con Alanis Morissette.

Los sencillos elegidos fueron “Ciega, Sordomuda”, “Tú”, cuyo video se grabó en blanco y negro en una sola toma, “Inevitable”, “No Creo”, “Ojos Así” y “Moscas En La Casa”, de los primeros cuatro, su video promocional fue dirigido por Gustavo Garzón (Luis Miguel, La Ley, Maná, Juanes, entre muchos otros), “Ojos Así” el video estuvo a cargo de Mark Kohr (Green Day, Alanis Morissette, No Doubt, Primus, etc.) y el último fue un extracto del MTV Unplugged.

Los otros temas son grandes composiciones y clásicos de la música en español, “Si Te Vas”, “Octavo Día”, “Que Vuelvas”, la mencionada “¿Dónde Están Los Ladrones?” y “Sombra De Ti”, en donde luce la producción de Estefan, y la interpretación de Shakira, el potencial y fuerza de su voz, es una de las grandes características de su música.

“Ojos Así” fue un gran éxito en todas partes del mundo, en el video se muestra a Shakira bailando con vestimentas que hacen alusión a los bailes árabes, que si bien, ella no desconoce debido a que tiene ascendencia libanesa, no estaba segura de grabar dicho video, sin embargo, fue el que le dio el impulso a su carrera, puesto que, se presentó con una producción similar en la premiación de los Grammy Latino en el año 2000, con la que conquistó al mercado anglosajón, incluso se le pidió que hiciera una traducción de esa canción al inglés para su lanzamiento a ese mercado, pero no tuvo la suficiente confianza para hacerlo en ese momento, pero todo este antecedente le sirvió de experiencia para arriesgarse en su siguiente movimiento para la grabación de su primer disco en inglés Laundry Service en el cual, se incluyó una adaptación de esta canción llamada “Eyes Like Yours”, la cual realizó con ayuda de Gloria Estefan.

El disco ha sido considerado dentro de los mejores de la década en muchas publicaciones debido a su importancia y calidad, es el último que Shakira compuso de esa manera, después del crossover, sus composiciones han sido más comerciales y abarcando otros géneros diferentes a los aquí utilizados, pero gracias a este material, es una estrella pop internacional, ¿Dónde Están Los Ladrones?, es la joya escondida dentro la discografía de la cantautora, sin duda es su mejor material, momento cumbre de su carrera.

U.N.K.L.E. - PSYENCE FICTION

 

Unkle o estilizado como U.N.K.L.E. o UNKLE, es un grupo inicialmente formado por los DJ’s James Lavelle y Tim Goldsworthy (futuro productor de bandas como Cut Copy, The Rapture o Hercules And Love Affair y creador del sello discográfico DFA Records junto a James Murphy de LCD Soundsystem), este último abandonó rápidamente el proyecto, y posteriormente se unió a sus filas, DJ Shadow, quien conoció a Lavelle, por el lanzamiento de su primer maravilloso disco Endtroducing (1996), a través del sello Mo’Wax, fundado precisamente por James Lavelle.

El primer disco de U.N.K.L.E., Psyence Fiction publicado en 1998, es considerado por muchos como la continuación o como el segundo álbum solista de DJ Shadow, debido a, las atmosferas y sonidos propios de Endtroducing, y por el rumor de la poca participación de Lavelle, en el material.

Psyence Fiction, es una mezcla de diversos géneros y experimentaciones musicales, se combinan la electrónica, rock, pop, trip hop, hip hop, y los sampleos, que navegan en caminos oscuros, sombríos, profundos, intelectuales y solitarios.

Uno de los grandes aciertos de este material es la inclusión de artistas de diversos géneros de grueso calibre, que hacen brillar por cuenta propia a esta producción, entre los nombres se encuentran, Ian Brown (The Stone Roses), Richard Ashcroft (The Verve), Thom Yorke (Radiohead), Mike D (Beastie Boys), Jason Newsted (Metallica), Mark Hollis (Talk Talk), Kool G Rap, Alice Temple, Badly Drawn Boy, y por su fuera poco, se encuentra Jim Abbiss en la mezcla, conocido actualmente por ser el productor de placas como Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not de ArcticMonkeys, The Back Room de Editors y Witching Hour de Ladytron, por mencionar algunos.

El álbum inicia con “Guns Blazing (Drums Of Death Part 1)” y la inclusión del sampleo de Star Wars, combinado con un hip hop, desafiante por parte de Kool G Rap y una batería impredecible muy al estilo de Entroducing, continúa con uno de los tracks más interesantes del álbum, “UNKLE (Main Title Theme)”, como tercer track se encuentra “Bloodstain”, una gran melodía trip hop endulzado por la magnífica voz de Alice Temple; sigue “Unreal”, tema instrumental, una joya del disco, dicho sea de paso, es la base de “Be There”, con la diferencia que esta última fue compuesta e interpretada por Ian Brown.

“Lonely Soul”, en la mezcla perfecta de la voz de Richard Ashcroft, una melodía nostálgica, a ritmo de trip hop, y la utilización de cuerdas, hacen una gran canción, incluida en el soundtrack del filme The Beach (2000) protagonizado por Leonardo Di Caprio y dirigido por Danny Boyle; “Nursery Rhyme/Breather”, es un tema frenético cantado por Badly Drawn Boy; así llegamos al track 9 con, “The Knock (Drums Of Death Part 2)”, con Mike D y todo el estilo de los Beastie Boys, que incluye sampleos de Frank Zappa y con la participación de Jason Newsted en el bajo y theremin.

Casi para finalizar encontramos “Chaos”, compuesto por Atlantique Khanh, con la participación no acreditada en los teclados de Mark Hollis, y llegamos a la que es la joya de la corona, para muchos el mejor tema en la existencia de U.N.K.L.E., “Rabbit In Your Headlights”, interpretado por Thom Yorke, un tema lento, oscuro, introspectivo, que explota a la mitad de la canción, y es el primer acercamiento directo del vocalista con la música electrónica, que posteriormente, se vería plasmado en su banda con su disco Kid A (2000).

El disco tuvo dos sencillos, “Be There”, que ha sido a la fecha el sencillo más exitoso de la agrupación, cuyo video fue dirigido por Jake Scott (R.E.M., The Smashing Pumpkins, Soundgarden, Radiohead, Live, Oasis, U2) y el segundo fue “Rabbit In Your Headlights”, menos exitoso que el primero, cuyo video promocional fue aclamado críticamente y filmado por Jonathan Glazer (Radiohead, Massive Attack, Blur, Jamiroquai, Richard Ashcroft), hay que mencionar, que el primero no se incluía en las primeras ediciones del álbum, a excepción de la versión mexicana.

Psyence Fiction, es un gran álbum, lleno de mezclas, sampleos, combinaciones de géneros, diferente y atrevido para su época, pero a un cuarto de siglo posterior a su publicación, sigue fresco como a finales de los noventa. Sumamente recomendable.

PLASTILINA MOSH - AQUAMOSH

 

Aquamosh, es el primer álbum del dúo, Plastilina Mosh, conformado por Jonás González y Alejandro Rosso, el grupo formó parte del movimiento denominado Avanzada Regia (Control Machete, Zurdok, Jumbo, etc), esta placa fue financiada por Camilo Lara (Instituto Mexicano del Sonido).

El disco está plagado de referencias pop, es una mezcla divertida, interesante y única de géneros en la escena del rock mexicano, aquí se combina el jazz, scratcheos, rock, pop, pop francés, bossanova, ritmos latinos, rap, hip hop, y todo aquello que se les ocurra.

El álbum abre con “Niño Bomba”, navega entre hip hop y funk, y una letra un tanto rara, trae a sus espaldas las influencias notorias de Beastie Boys, pero con un estilo inigualable, punto de partida para su carrera, ya que fue el primer sencillo del álbum, su video tuvo alta rotación en MTV, fue todo un éxito.

“Afroman”, una canción pop, fue también sencillo, un poco menos exitosa que la anterior, pero sonó por todos lados, sobretodo, por esos coros tan pegadizos, un clásico de la banda.

“Ode To Mauricio Garcés”, es una canción con toques de lounge y jazz, un requinto de guitarra, muy cuidado, y atinado para el tema, suena elegante y sofisticada, es un gran homenaje a uno de los personajes más célebres y populares de la cinematografía mexicana, Mauricio Garcés.

“Banano’s Bar”, es una canción en la que se combina un toque moderno (voces) y el clásico con un piano jazzista excelso, destaca un toque de bajo funk, y entre sampleos de música disco, es una de las canciones más sobresalientes de la obra.

Entre el slide de guitarra y armónica que se presentan en “Monster Truck” y un ligero blues, la canción nos lleva directamente a los espectáculos presentados en la Unión Americana, en el que conviven los sombreros tejanos, los grandes camiones, la carretera, el video de este sencillo, nos lo proyecta, es un track que no tuvo el éxito esperado, pero que innegablemente, nos remite al Beck noventero con su voz robótica, el estilo de canto y la combinación de géneros, conforme a lo presentado en Odelay! (1996), esto fue logrado con el apoyo de miembros del grupo de música electrónica experimental Sukia, recomendación de The Dust Brothers, como también, así lo hicieron en “Afroman”.

En “Encendedor”, destaca el uso de las tornamesas, de las guitarras, y cabe decir, que el rasgueo de las cuerdas se realiza precisamente con un encendedor, beben directamente de Beastie Boys y Beck.

El sonido funk en “Bungaloo Punta Cometa” combinado con el bossanova, y los coros por parte de Café Tacvba, que son palabras o frases sin sentido cantadas en japonés, aportan una de las canciones más experimentales en la carrera de Plastilina Mosh.

“Aquamosh”, es un tema que enriquece el disco, es una canción sofisticada, cuyos coros están cantados en francés, por la compositora y cantante, April March, quien también aporta su voz en “Ode To Mauricio Garcés” y “I’ve Got That Milton Pacheco Kinda’ Feeling (Melancolic Mix)”.

“I’ve Got That Milton Pacheco Kinda’ Feeling (Melancolic Mix)” con base de trip hop, unos toques de piano, arreglos de cuerda, y un relato y compuesto por April March, cantado en francés acerca de un personaje llamado Milton Pacheco, es una de las piezas más ingeniosas del material y de las que demuestran que los regiomontanos estaban un paso adelante de sus contemporáneos.

“Pornoshop”, es un tema más alegre, con la guitarra fabulosa de Jonás, unas voces apoyadas por Bibi Zambrano, brindan uno de los temas más accesibles del material.

“Savage Sucker Boy”, es una canción diferente a lo que hemos escuchado previamente en el material, es una canción ruda, pesada, suena agresiva, caótica, se incluyen ruidos mecánicos en el fondo, con disonancias de guitarra, es prácticamente un tema noise.

“Mr. P. Mosh”, es quizá la canción más conocida del álbum y la más emblemática de la banda, fue la última en grabarse, y eso, porque el álbum ya estaba terminado y el productor Jason Roberts (Cypress Hill, Control Machete), quería trabajar con Plastilina Mosh, las ventas del álbum, y el primer gran éxito de la agrupación se lo deben a este track, que, gracias a su letra sin sentido, a sus referencias kitsch, y, sobre todo, a los videos filmados para su promoción, fue un éxito por todos lados, se grabaron dos videos, ambos dirigidos por Fernando Eimbcke, uno con el par, actuando como si atendieran un Oxxo, y la otra versión, la más famosa, Jonás y Rosso, sentados frente a la cámara mientras baila sugestivamente, la vedette Lyn May, quien también actúa en la otra versión.

Aquamosh, fue lanzado en 1998, y 25 años después, se escucha innovador, fresco, el ejemplo perfecto de cómo combinar diversos géneros y salir bien librados en el intento, se convirtió en un clásico instantáneo, un emblema del movimiento “Avanzada Regia” y un referente en el rock nacional.

FATBOY SLIM - YOU'VE COME A LONG WAY, BABY!

 

En 1998, llegó al mercado el tan esperado segundo disco del productor y DJ Norman Cook, utilizando su alias más reconocido, Fatboy Slim, el aclamado You’ve Come A Long Way, Baby!, que fue todo un fenómeno en la industria musical.

Better Living Through Chemistry (1996), fue el primer disco de Fatboy Slim, el cual obtuvo un buen recibimiento, pero nada comparado con su segundo disco, ya que, no solamente la dio continuidad a su trabajo, sino que fue un paso más allá, entregando una obra cumbre para la música electrónica.

Fatboy Slim, es contemporáneo de grandes exponentes de la música electrónica y del boom, que se dio a finales de los noventa, actos como The Chemical Brothers, Daft Punk, Underworld, Moby, cada uno con un estilo propio y único.

Junto con grupos como los mencionados The Chemical Brothers, así como The Prodigy, Leftfield, Groove Armada, Basement Jaxx, se dio un movimiento interesante en la escena electrónica inglesa, y los señalados encabezaron subgénero denominado como big beat.

El álbum sorprendió a propios y extraños, debido a la mezcolanza de distintos géneros como el reggae, hip hop, pop y subgéneros como el jungle, house, big beat, todo ello, en conjunto con grandes sampleos, loops y ganchos pegadizos, dieron como resultado un álbum fundamental en la electrónica.

You’ve Come A Long Way, Baby!, es el disco más emblemático del productor inglés, contiene varios de sus más grandes hits como “Right Here, Right Now”, “The Rockafeller Skank”, “Gangster Tripping”, “Praise You”, que fueron sencillos de la producción, así como “Build It Up – Tear It Down”.

Los videos promocionales fueron sensacionales, como no recordar el locamente divertido, realizado para “The Rockafeller Skank”, que fue punta de flecha y el que mejor transmite la energía y sonido de Cook; la apertura al material se hace con “Right Here, Right Now” y el video promocional corrió a cargo de Hammer & Tongs conocidos por la elaboración de geniales videos como “Coffee And TV” de Blur, “Pumping On Your Stereo” de Supergrass, “Cancer For The Cure” de Eels, “Imitation Of Life” de R.E.M., “Lost Cause” de Beck, entre muchos otros, en el cual, comienza el recorrido en horizontal de un organismo unicelular hasta evolucionar en el personaje obeso de la portada del álbum; uno de sus colaboradores más importantes en esta etapa, fue Roman Coppola, quien dirigió el video de “Gangster Tripping” y sus flamantes explosiones de muebles y cosas a lo largo del promocional, así también, codirigió uno de los más memorables videos de todos los tiempos, “Praise You”, que lo dirigió junto a Spike Jonze conocido por sus múltiples videos para Sonic Youth, Beastie Boys, Björk, Weezer, Daft Punk, R.E.M., así como sus películas como Her, Adaptation, etc., en dicho video participa el grupo de ficción Torrance Community Dance Group, quien protagoniza y baila la canción a las afueras del Fox Bruin Theater de Los Angeles, California, Estados Unidos, grabado con cámaras escondidas, debido a la negativa de los dueños para permitir dicha grabación, es un video hilarante, y fue toda una sensación en MTV, siendo multipremiado en los MTV Video Music Awards de 1999.

Es un álbum, realizado con gran imaginación, en el que, las influencias de Norman Cook, son mostradas a cada momento, sin contar con la habilidad para elaborar ganchos para cada una de las canciones y el oído y técnica para fusionar sonidos y hacer mezclas excelsas, creando un material original, divertido y único, que nos pone a bailar de principio a fin.

Hoy, a 25 años de su creación sigue sonando tan fresco como en aquel 1998, sin duda, un imprescindible y un obligado para cualquier escucha de la música electrónica, un clásico del género.

LAURYN HILL - THE MISEDUCATION OF LAURYN HILL

 

Lauryn Hill surgió musicalmente de la banda de hip hop The Fugees, conformada también por Prakazrel Michel y Wyclef Jean, que tuvo un éxito de moderado a alto, a mediados de la década de los 90’s, sacaron dos álbumes de estudio y cuyo reconocimiento está ligado principalmente al cover realizado a Roberta Flack “Killing Me Softly With His Song”, tema incluido en su segundo material, The Score de 1996.

The Fugees, se separó por las inquietudes de sus integrantes por realizar una carrera solista, y derivado de la relación un tanto dolorosa y conflictiva que, Lauryn Hill, mantuvo con Jean, quien se encontraba casado y por lo tanto, dicha relación la mantenían en secreto, hasta 1997, que decidieron terminarla, y Hill, encontraría a Rohan Marley, quien se convertiría en su esposo y en padre de su primer hijo, Zion, todos estos cambios personales y sentimentales, fueron la semilla y la inspiración para este maravilloso álbum, The Miseducation Of Lauryn Hill.

Al momento de componer y escribir el álbum, muchos no creían en su proyecto, tal como ella lo había concebido, por lo que, con el apoyo de su esposo, viajaron a Jamaica y ahí lo realizaron.

Sus letras abarcan muchos temas, que van desde el desamor, la desilusión, la maternidad, la pérdida del amor, de la amistad, no teme en mostrar inseguridades, como mujer, como madre, y refleja el entorno machista que la rodea, pero así también, muestra el amor, anhelo por crecer, la búsqueda de la madurez, manda mensajes de optimismo, y esperanza, haciendo un énfasis en el respeto hacia las mujeres, incluso dedica una canción a su hijo en “To Zion”, en la que expresa su amor profundo por su primogénito.

El título del disco está basado en el libro The Mis-Education Of The Negro, el cual, es un material que trata sobre la independencia de los afroamericanos como personas y no como una comunidad segregada, Lauryn, lo utiliza como concepto del álbum representando una metáfora sobre la vida.

El material está producido por la cantante e incluye sonidos tomados del R & B, pop, hip hop, rap, góspel, mostrando una gama vocal tan increíble aunado a los grandes músicos y colaboradores que ella misma reclutó, hacen de este debut, un grandioso álbum.

Entre las colaboraciones se encuentran, la participación de Ras Baraka, en la apertura “Intro”, quien toma el personaje del profesor, en dicho track introductorio, y en algunos interludios así también, se encuentran grandes exponentes del R & B, como D’Angelo, que participa en las vocales y piano en el tema “Nothing Even Matters”, Mary J. Blige en “I Used To Love Him”, y Carlos Santana, en la guitarra, en el mencionado “To Zion”.

El disco produjo tres exitosos sencillos, “Doo Wop (That Thing)”, “ExFactor” y “Everything Is Everything”, cuyos extraordinarios videos promocionales, tuvieron alta rotación en MTV, haciéndola acreedora como video del año por la primera mencionada.

The Miseducation Of Lauryn Hill, tuvo un éxito inesperado, ganó premios por doquier durante 1998 y 1999, la posicionó inmediatamente entre las mujeres cantantes y autoras más reconocidas a final de siglo, y su álbum vendió millones de discos, algo inusitado en ese entonces por una cantante femenina del género.

Este disco, es un pilar de la música contemporánea, es una exquisitez y sencillamente una obra maestra, es una lástima, que es el único material de estudio que la cantante grabó, y en años posteriores, se dedicó a la crianza de su familia, y se embarcó en algunos problemas personales, pero sin duda, nos dejó un gran legado y todo un referente musical.

KORN - FOLLOW THE LEADER

 

El tercer material de estudio de Korn, es considerado el primero del género nü metal en ser exitoso, y el que ayudó a popularizar, tanto a la banda como a la escena en los siguientes años, asimismo, se ayudó del tour Family Values, creado por la banda y apoyado por bandas como Limp Bizkit, Incubus, Orgy, Ice Cube y Rammstein.

El álbum fue producido por Steve Thompson, conocido por su trabajo con Guns N’ Roses, Madonna, Wu-Tang Clan, entre otros y por Toby Wright (Alice In Chains, Primus, Slayer, etc), fue el primer disco en el que no estuvo su productor de cabecera Ross Robinson.

La banda para crear su sonido en esta producción, utilizó elementos del metal, hip hop, funk, rock alternativo, industrial, apoyado de su sonido elemental del nü metal, pero yendo un paso delante de sus contemporáneos, incluso el nombre Follow The Leader, fue propuesto derivado de que, Korn comenzaba a tener éxito en Estados Unidos con sus dos primeros discos, pero muchas bandas empezaron a surgir, tratando de imitarlos, de ahí el nombre y gracias a esta producción, se desmarcaron de sus imitadores y dio un paso enorme como banda.

El disco contiene 25 tracks, de los cuales, los 12 primeros su duración es de 5 segundos, y se genera el primer minuto en silencio, a partir del track 13 comienza la música con la poderosa “It’s On”, y esta es la carta de presentación del material, con esto sabemos que es lo que nos espera a lo largo de la producción.

También, cuenta con una canción oculta al final del disco, en el momento que termina el último track “My Gift To You”, existen dos minutos de silencio y un interludio de 1 minuto y 40 segundos, después de esto, comienza “Earache My Eye”, cover de Cheech & Chong.

La forma de cantar del líder y vocalista Jonathan Davis, a dos voces, se convirtió en un punto esencial del sonido de los estadounidenses, así como la rabia, el odio, que impregnó en sus vocales, el rasgueo de las guitarras, el sonido único del bajo, es sin duda, el sello distintivo de la banda.

El álbum tiene colaboraciones de Ice Cube en “Children Of The Korn”, dicho tema fue uno de los singles, y de Fred Durst de Limp Bizkit en “All In The Family”, siendo el primer sencillo y el tema más criticado por muchos, considerándolo el eslabón más débil, debido a, que las letras son insultos entre ambos vocalistas.

Se lanzaron otros tres sencillos, además de los arriba mencionados, “B.B.K.”, y de los más exitosos, “Got The Life”, con su base disco, dicho sea de paso, es la canción más pop en la historia de la banda, pero uno de los más accesibles y populares, además, es el track con menor duración del álbum (3:45), y la extraordinaria “Freak On A Leash”, todo un clásico de la década, y el juego vocal de Davis, en el cual el beatboxing, del que es amante, es parte esencial de la canción.

“Freak On A Leash”, tuvo video promocional, dirigido por Todd McFarlane, cuyo éxito en MTV, fue abrumador, el director es ilustrador de The Amazing Spiderman y el creador del comic Spawn, que fue llevado a la pantalla grande un año antes, y derivado de la inclusión de Korn en el respectivo soundtrack con la canción “Kick The P.A.”, en colaboración con The Dust Brothers, nació la inquietud de seguir trabajando en conjunto McFarlane y Korn, el video esta realizado con imágenes de la banda y animación derivada de la portada del disco, del cual, el artista fue el creador del concepto.

Follow The Leader, tuvo un enorme éxito de ventas tanto en Estados Unidos como alrededor del mundo, posicionó a Korn dentro de la nueva generación y realizó el cambio en la música estadounidense, después que el grunge estaba muerto y el alternativo se encontraba de salida.

Es la obra maestra de la agrupación, un pilar para el nü metal, y un referente para la década.

TALVIN SINGH - OK

 

Los sonidos y las expresiones tradicionales de la India, el misticismo de esta cultura ha atraído a músicos de distintas épocas entre los sobresalientes, se encuentran desde The Beatles y The Rolling Stones, en los sesenta, ambas agrupaciones ayudaron a que el mundo occidental volteara a ver a esa parte del mundo y su influencia continuó hasta la década de los noventa, donde hubo un acercamiento sumamente importante e interesante por parte de diversos artistas, surgiendo bandas como Asian Dub Foundation, Kula Shaker, Cornershop, solo por mencionar algunos, quienes realizaron fusiones entre lo tradicional, electrónico, pop y rock.

Dentro de esta corriente, Talvin Singh, músico británico con ascendencia hindú, fue uno de los artistas y productores más notables de dicha década, formó parte del movimiento electrónico conocido como Asian Underground.

El productor londinense basó su sonido en la mezcla de música tradicional india con bases electrónicas y música en ese entonces de vanguardia como el drum ’n’ bass y el trip hop.

Singh desde una edad temprana se mudó a la India donde aprendió los conocimientos en la tabla (instrumento de percusión hindú), en el cual, mostró gran dominio y habilidad y al regresar a Londres, tuvo un mayor acercamiento a otros géneros como el rock o la electrónica, lo cual, a inicios de la década formó un club nocturno llamado Anokha, junto a otros músicos de origen o raíces hindúes, en el que, comenzaban a mostrar al mundo esa combinación de géneros tradicionales y modernos.

Talvin, ganó gran notoriedad en 1991, debido a su participación en el disco Superstition de Siouxsie And The Banshees, en el que colaboró tocando la tabla en el exitoso sencillo “Kiss Them For Me”, a partir de aquí, estuvo de gira con la agrupación por los siguientes dos años.

Gracias a esta colaboración, Björk, lo invitó como músico y arreglista para su primer álbum Debut de 1993, en los que destaca su trabajo en canciones “One Day”, “Venus As A Boy” y “Come To Me”.

A partir de este punto, Singh ganó gran reputación, lo que lo llevó a grabar su primer disco solista Ok de 1998, en este material resalta su dominio en la tabla, y como instrumentista, aportando voces en algunos tracks, también dio un paso más allá, ayudando a eliminar las líneas de la música electrónica y a quitarle etiquetas como “world music” a esa combinación y encuentro de géneros tan distintos.

En Ok, el productor combinó instrumentos hindúes como sanshin, rabab, shenai, sarangi y veena, con elementos ambientales y propositivos, las voces femeninas y las secuencias electrónicas le imprimen un sello único y distintivo entre sus contemporáneos.

El primer corte del álbum “Traveller”, nos da la bienvenida a ese universo, y el que parece un compendio de lo que vendrá después, la atmósfera creada es magnífica y nos sumerge en un ritmo hipnótico.

A lo largo del disco, se escuchan sonidos de flautas, trompetas, violines, guitarras, bajos y voces, que marcan ritmos, hasta orquestas bien llevadas, incluso tiene la colaboración de Ryuichi Sakamoto, quien entre otros trabajos es conocido por la elaboración del Soundtrack de la película The Last Emperor (1987) de Bernardo Bertolucci.

Temas como “Eclipse” y “Ok”, nos demuestran las habilidades y la genialidad de Talvin Singh, quien vivía un momento interesante musicalmente hablando.

En 1999, Ok, fue galardonado con el prestigioso Mercury Prize, por encima de monstruos de la escena como The Chemical Brothers (Surrender), Underworld (Beacoup Fish) o bandas tan influyentes como Blur (13) y Manic Street Preachers (This Is My Truth Tell Me Yours).

Sin duda, hay que hacer una escala para darse el tiempo de escuchar el disco debut de Talvin Singh, Ok, y dejarse llevar por uno de los discos más interesantes de los noventa.

AIR - MOON SAFARI

 

Moon Safari es el álbum debut del dúo francés Air lanzado en 1998, cuya recepción fue sumamente aclamada a nivel mundial, y colocó a la banda en un nivel vanguardista.

Es un disco inclasificable, ya que conjuga a la perfección, géneros musicales, como el jazz, bossanova, pop francés, electrónica, ambient y pop espacial, aunque, erróneamente se le ha etiquetado y encasillado simplemente como música electrónica, asimismo, contiene elementos retros, tanto la imagen de la agrupación como la inolvidable portada del disco, así como esas melodías que evocan a la década de los setenta, además, lo combinan con efectos de sonidos futuristas, muy al estilo de Juan García Esquivel, teniendo como resultado, un material exquisito con un estilo único e irrepetible.

El viaje espacial que abordamos al escuchar Moon Safari, comienza con “La Femme D’Argent”, canción larga de siete minutos con una exquisita melodía instrumental apoyada de un bajo hipnótico y un ritmo sensual, e inmediatamente, nos transporta a la siguiente canción “Sexy Boy”, canción pop, tal vez, la más reconocida en la trayectoria del dueto, que en un inicio pareciera repetitiva pero no lo es, porque va creciendo conforme avanza, con una voz en vocoder que simula un robot pero a la vez es una canción que, el escucha piensa que ya se ha escuchado en otro lado, y nos remite irremediablemente, a aquel mono de peluche que transita felizmente por la ciudad de Nueva York, y ese ritmo que nos sumerge en el romanticismo de una balada pop francesa, “All I Need”, se apoya de Beth Hirsch, cantante estadounidense que en esos días comenzaba su carrera, y que colaboró en la composición de la letra, imprimiendo cierta sensualidad tan atinada que no desentona con el resto de las canciones; así llega, “Kelly Watch The Stars”, single exitoso con toques espaciales, enseguida viene, “Talisman”, una canción deliciosa y una de las joyas de esta producción, la cual, denota lo que Air, quería plasmar en este material, con su base en el R&B, es una joya; “Remember”, voz y ritmo robotizados y lírica en francés e inglés, nos introduce a un mundo melancólico y posiblemente triste; y así, hemos llegado al punto de este viaje a “You Make It Easy”, que cuenta nuevamente con la participación de Beth, en la voz y composición, y nos invita a bailarla y cantarla en compañía de nuestra pareja, fina melodía y sumamente romántica; “Ce Matin La”, es una delicia, con esos arreglos de cuerda e instrumentos de viento, nos hacen soñar y volar en el mundo maravilloso de los franceses, “New Star In The Sky (Chanson Pour Solal)”, armada con una atmósfera impecable, rodeada de efectos futuristas espaciales y voces robotizadas, quienes son las encargadas de comenzarnos a despertar de este gran viaje en el cual, estábamos en trance, y finalmente, el disco cierra con la majestuosa “Le Voyage De Pénélope”, una canción instrumental mediante la cual, aterrizamos de este viaje hermoso que es Moon Safari.

Sin más que decir, Moon Safari, es una producción elegante, compilada en diez canciones, con sonidos retrofuturistas, es un álbum perfecto y sofisticado como pocos, simplemente atemporal.

GARBAGE – VERSION 2.0

Esta es la continuación del exitoso álbum debut homónimo de Garbage, producción de 1998, la cual a diferencia de su predecesor se enfoca mas a un sonido techno, pop electrónico sin abandonar las raíces rockeras de los miembros de la banda.

Version 2.0 tiene un mayor cuidado de estudio, puesto que, cada detalle esta finamente compuesto, incluso la voz de Shirley Manson se escucha muy diferente tiene mas tintes poperos sin perder la fuerza que la caracteriza, también la imagen de la líder es mucho mas fresca y revitalizante, haciendo de lado el estilo dark, grunge que a principio de su carrera la caracterizaba.

Aquí se encuentran grandes canciones, ahora ya clásicas de la década de los 90, como: "I Think I’m Paranoid", "Special" y "When I Grow Up", los momentos clave para la progresión y desarrollo tanto del disco como en la carrera de Garbage se encuentran marcadas en canciones como "Hammering In My Head" y "You Look So Fine", porque exploran diferentes sonidos y texturas, coqueteando con diversas corrientes y géneros musicales.

Garbage nos entrega un material muy accesible, fácil para cualquier tipo de audiencia, además que con el se dieron a conocer en todo el mundo y poniéndolos en aquellos años en una banda a seguir por la calidad de música y por la imagen que mostraban que a pesar de los años que tenían cada uno de los integrantes se podía identificar su letra con las nuevas generaciones, sin duda un álbum digno de escuchar.

FAITH NO MORE – WHO CARES A LOT? GREATEST HITS

Esta es una recopilación de la banda pionera y tal vez creadora del “New Metal” o “Rap Metal” y una de las mejores bandas de la historia, su música influyo directamente en la década de los noventa, viviendo quizá su mejor momento a finales de los 80’s y principios de los 90’s, teniendo de líder a uno de los grandes frontman del rock, el incansable y siempre inquieto, Mike Patton.

Who Cares A Lot?, es un documento fiel del crecimiento y desarrollo creativo y musical de Faith No More, ya que las dos primeras canciones del álbum (We Care A Lot, Introduce Yourself), son interpretadas con el primer cantante oficial de la banda, Chuck Mosley, posteriormente vienen las de la segunda y muy gloriosa etapa de Patton, desde el álbum The Real Thing (1989), y su sencillo mundialmente conocido “Epic” hasta su ultimo disco antes de su desintegración Album Of The Year de 1997.

También se incluyen covers que nunca habían estado oficialmente grabados en un disco de Faith No More, como lo son “Easy” de The Commodores y “I Started A Joke” de The Bee Gees.

Existe una versión del álbum con dos discos en los cuales se incluyen lados B de la banda como son la hermosa “This Guy’s In Love With You”, hasta las canciones instrumentales “Theme From MidnighT Cowboy” e “Instrumental”.

A lo largo de Who Cares a Lot?, se muestra el poderío de la banda con la fuerza del metal, el poder destructivo de la batería de Mike Bordin y la conjunción de músicos talentosos haciendo grandes canciones, agresivas y llenas de energía; así también se muestra su lado sentimental y sensible en las baladas, que a pesar de ser tan románticas se nota la intervención de FNM, haciéndolas suyas, mientras que la voz de Mike Patton, se nota muy bien educada, dando diferentes ritmos y tonalidades como pocos cantantes de su generación, escuchándose a veces chillona o nasal, tal como se puede ver en sus primeras grabaciones o incluso se escucha agresiva y gruesa como en “Ashes To Ashes”.

Es cierto que a este disco, a pesar de ser doble le faltan grandes canciones como “Land Of Sunshine”, “Surprise, You’re Dead”, “War Pigs”, “Ricochet”, “Caffeine”, “The Real Thing”, “Be Agressive”, entre muchas otras, pero sin duda es un gran recopilatorio, para entender y resaltar la calidad tan inmensa de Faith No More.

PLACEBO – WITHOUT YOU I’M NOTHING

Esta placa de 1998, dio a conocer mundialmente a Placebo, una banda que en sus orígenes, tenía influencias del rock americano de los 90’s, guitarras sucias al estilo grunge, pero para este álbum obtenía sus influencias del glam y de David Bowie; una de los principales atracciones de la banda, fue su vocalista Brian Molko, debido a su imagen andrógina, obtuvo la atención favorable tanto de la crítica como del público.

“Brick Shithouse”, captura la energía de las guitarras de Brian Molko, al estilo rock americano sucio; “You Don’t Care About Us”, es una canción punk, rápida, hasta incluso es pop, siendo una de las mejores del álbum; “Pure Morning”, fue el primer sencillo del álbum, una canción con influencia electrónica, rockera con un ambiente gótico, otorgando una gran melodía y una de las mejores de la agrupación.

Los otros dos singles del álbum fueron “Every You, Every Me”, canción notoriamente pop, que fue mayormente conocida por la película Cruel Intentions (1999), puesto que fue remezclada e incluida en el soundtrack de dicho film; también está la maravillosa balada “Without You I’m Nothing”, en la cual las guitarras agonizan lentamente, moviéndose en un ritmo decadente, llena de melancolía y tristeza, y posteriormente esta pieza fue regrabada con la participación de David Bowie, haciendo de esta canción todo un éxito.

En ese momento, Placebo capturó en este estupendo álbum, el sonido que marcó la carrera de la banda, siendo su disco más sólido y mejor criticado.

Without You I’m Nothing, es un excelente disco, con notorias influencias americanas pero con sello y producción inglés indiscutible, brindando uno de los mejores álbumes de los 90's.