SODA STEREO - COMFORT Y MÚSICA PARA VOLAR (MTV UNPLUGGED)

 

Comfort Y Música Para Volar es un disco en vivo grabado por Soda Stereo en 1996, forma parte de la serie MTV Unplugged, después de varios intentos por la cadena de videos para incluir a la banda en ese tipo de presentaciones, lo lograron, pero con la libertad de que no sería en formato acústico como se venían haciendo, sino que se presentarían con versiones lentas y complejas, con arreglos diferentes a las originales.

Previo a ellos, los artistas latinoamericanos que se habían presentado fueron Los Fabulosos Cadillacs, Caifanes, Charly García, El Tri, Los Tres y Café Tacvba, que si bien, los dos primeros no se consideran álbumes en vivo, ya que nunca salieron a la venta en formato físico, pero son el antecedente directo, de las versiones no desenchufadas.

El tema elegido para abrir el concierto fue “Un Misil En Mi Placard”, que deja de lado el sonido ska de la versión original y la convierten en una nueva pieza, tomando los acordes de “Chrome Waves” de Ride, un homenaje al shoegaze, que tanto le gustaba a Cerati, solo basta recordar su producción Dynamo (1992).

Como segundo track, otra reversión, ahora de “La Ciudad De La Furia”, cuyos coros se los dejaron a Andrea Echeverri, aprovechando la gira que tenían con Aterciopelados, en los Estados Unidos, lugar donde se grabó Comfort…, esta es la pieza más emblemática de este material, para muchos supera a la original, se olvidan del sonido oscuro ochentero de su éxito, y lo transforman en una canción sensual, larga, llena de efectos de guitarra y pedal, es sublime, a pesar del error cometido por la cantante al final.

“Entre Caníbales” y “Pasos”, la primera con un giro muy sexy, ambas con grandes interpretaciones vocales y arreglos de cuerda muy bien ensamblados por parte de los hermanos Fainguersch, quienes tocaron la viola, violoncello y el fagot, a lo largo de la sesión también apoyados por el cuarto Soda, Tweety González, encargado de los sintetizadores, piano eléctrico y sampler.

Continúa con un par de éxitos de la banda, “Zoom” y “Cuando Pase El Temblor”, que contienen pocos arreglos distintos a las originales, sigue la emotiva “Té Para Tres”, uno de los highlights, es una versión renovada, homenajeando en esta ocasión con el solo de guitarra a “Cementerio Club” de Pescado Rabioso, banda a la que perteneció uno de los ídolos de Cerati, Luis Alberto Spinetta.

“Ángel Eléctrico”, nuevamente es una versión diferente a la presentada en su material Sueño Stereo de 1995, con un sonido hard rock, en el que lucen las habilidades en la guitarra por parte de Gustavo Cerati, sigue “Terapia De Amor Intensiva”, con distorsiones, e improvisaciones por parte de la banda, continúa, “Disco Eterno”, versión psicodélica en la que destacan los pedales y sintetizadores, para cerrar la parte dura, y llena de distorsiones, se encuentra una versión más heavy de “Ella Usó Mi Cabeza Como Un Revólver”, con todo y una ampliación del tema.

Como antesala del cierre, esta “Paseando Por Roma”, una de las canciones sino es que la más movida, con pocos arreglos diferentes, y para cerrar, un cover del grupo Vox Dei, “Génesis”, es el punto culminante de la presentación, con una duración aproximada a los ocho minutos, y el grupo argentino en su máxima expresión.

El disco tiene dos versiones en formato físico, el primero lanzado en 1996, la que solamente se incluyen 7 canciones de la presentación en desorden, y cuatro de relleno, tomados de las sesiones de Sueño Stereo y que quedaron fuera de ese material, (“Sonoman”, “Planeador”, “Coral” y “Superstar”), esto debido a cuestiones legales de derechos discográficos entre Sony/CBS y BMG Ariola, posteriormente, se lanzó la segunda versión en 2007, con todo el show completo y en orden, esto porque Sony adquirió a las otras compañía, convirtiéndose en SONY BMG Group, y por fin, se pudo hacer este lanzamiento.

Comfort Y Música Para Volar MTV Unplugged, es el punto más alto en la carrera de Soda Stereo, un grupo que ya era una leyenda, demostrando seguridad en cada una de sus interpretaciones, para muchos es considerado el mejor “desenchufado” en la historia de los grabados por artistas latinos, lamentablemente fue la última grabación antes de su desintegración en 1997, y de su trayectoria, es sin lugar a dudas, un gran disco.

BELLE AND SEBASTIAN - IF YOU'RE FEELING SINISTER

 

If You’re Feeling Sinister (1996) segundo material de estudio de la banda de Glasgow, Escocia, Belle And Sebastian, el disco más aclamado e importante de su trayectoria.

En 1996, el movimiento grunge ya había vivido sus mejores glorias, y el britpop se encontraba en la cumbre con obras maestras como Different Class (1995) de Pulp, What’s The Story Morning Glory (1995) de Oasis, por mencionar algunas, muchos grupos emergieron en la isla británica y varios de ellos querían sonar a lo que estaba en boca de todos, pero una de esas bandas se salió del molde, Belle And Sebastian, y comenzaron a trabajar un sonido único y distintivo.

Dicho sonido es sofisticado, elegante, delicado, con influencias claras del pop de los 60’s, del folk pop, pop barroco, pop orquestal y del jazz, así como, The Smiths, Simon & Garfunkel, Bob Dylan, The Kinks o The Zombies, se hacen presentes, sin embargo, a pesar de esto, suenan atemporales y frescos.

Stuart Murdoch, líder y cantante del grupo, presenta muchos personajes e historias a través de las letras de las canciones de If You’re Feeling Sinister, aborda temas como sexo, inseguridades, búsqueda de la pertenencia, angustias, suicidio, tristeza, pero la voz y la música no es sombría es agradable al escucha, es sencilla pero no simple.

El álbum se grabó en solo cinco días y a decir de Murdoch, a él no le gusta porque cree que no está bien grabado, por eso decidió hacer una grabación en vivo en 2005, para lanzar al mercado el álbum, If You're Feeling Sinister: Live at the Barbican, para mostrar al público como es que debería sonar este disco.

El álbum es redondo no tiene ninguna pieza que falle, tiene canciones que salen un poco del sonido de la agrupación pero que aun así encajan, como la movida “Me And The Major” o la hermosa “Like Dylan In The Movies”, canción emblemática de la banda.

Belle And Sebastian, gracias a esta producción ganó la popularidad y el estatus que hoy en día conservan después de 27 años de su lanzamiento, If You’re Feeling Sinister, es una obra maestra del pop contemporáneo, un punto tan alto, que la banda nunca más alcanzaría.

Es el disco perfecto para escucharlo en un día tranquilo, recostado, y disfrutando cada melodía, simplemente, un maravilloso y hermoso álbum.

SHERYL CROW - SHERYL CROW

 

En 1993, Sheryl Crow, lanzó al mercado su primer álbum solista titulado Tuesday Night Music Club, realizado con un grupo de músicos de sesión, con el cual, tuvieron varios hits en las listas de popularidad y vendieron millones de discos, gracias a las canciones pegadizas pero de buena manufactura.

Para el año de 1996, Crow editó lo que sería su disco más aclamado y exitoso de su carrera, el homónimo, Sheryl Crow, que inmediatamente la posicionó entre las cantautoras más reconocidas de la industria en la década de los noventas, encabezada por Alanis Morissette, y entre algunas artistas de renombre como Björk y PJ Harvey, así como en el boom de bandas lideradas por mujeres como The Cranberries, Garbage, The Cardigans o No Doubt, solo por mencionar algunas.

En la grabación y producción del disco, prácticamente Sheryl Crow, grabó todos los instrumentos y lo produjo sola, con ayuda en coros de Neil Finn (Crowded House), lo anterior, debido a la diferencia que tuvo con sus músicos de sesión y a la inquietud de Crow, por crecer como compositora, autora y cantante.

En Sheryl Crow, se nota la maduración de la artista, se le nota más segura en su canto y sus cualidades compositoras mejoraron bastante en comparación con el primer álbum, las experiencias aprendidas en giras, presentaciones en vivo y colaboraciones con artistas como Michael Jackson, Don Henley, Belinda Carlisle y Stevie Wonder, se ve plasmada, brindando un puñado de excelentes melodías pop.

Sin dejar de lado sus influencias folk y country, Crow logra amalgamar otros sonidos que encajan a la perfección en su propuesta como el pop, alternativo, rock, blues, y ligeros toques de electrónica y hip hop, todo funciona a la perfección, obteniendo como resultado un álbum sumamente atractivo y para nada aburrido.

Las letras tocan diversos temas como los ovnis en el tema de apertura, “Maybe Angels”, en la cual evoca a los ángeles, y con esa influencia notoria de Led Zeppelin, es la apertura perfecta para mostrar esta nueva etapa de la cantante; “Redemption Day”, es una canción de protesta contra Estados Unidos y su guerra en Bosnia, al puro estilo de country folk con sombras de Bob Dylan, versionada posteriormente por Johnny Cash, para su álbum póstumo de 2010, American VI: Ain't No Grave; “A Change Would Do You Good”, que habla sobre los cambios de la vida, una canción alegre y pop, fue sencillo y uno de sus dos videos fue dirigido por Michel Gondry.

“Home”, último sencillo del álbum, con una letra en la que habla acerca de envejecer y estar enamorado basada en experiencias propias de la cantante, considerada entre sus mejores composiciones, balada con arreglos country, “Sweet Rosalyn”, con sonidos disco, dejos de The Rolling Stones, canción pop, en la que resalta su voz, “Hard To Make A Stand”, la lírica hace referencia al aborto, single del disco, el video promocional fue dirigido por Matthew Amos, conocido por su trabajo con Primal Scream (Rocks, Movin’ On Up, Damaged), Stereo MC’s (Connected, Step It Up), Jesus Jones (Right Here Right Now), Blur (There’s No Other Way), entre muchos otros; “Love Is A Good Thing”, nuevamente retoma la crítica social y ataca contra la venta de armas en las tiendas de Wal-Mart, por lo cual, fue vetada y prohibida la venta del álbum en la tienda departamental; otro sencillo fue “Everyday Is a Winding Road”, es una pieza que brilla por sí sola, con sonidos funky y blues, fue el segundo single y uno de los más exitosos del álbum.

Los temas encargados de cerrar el disco son: “Oh Marie”, canción country, “Superstar”, sonido rockero californiano setentero, “The Book”, es oscura con ambiente opresivo muy diferente al resto del material pero que no desencaja y se acentúa el uso de las cuerdas, “Ordinary World”, estilo bluesero, y finalmente, “Sad Sad World”, balada country, como extra se encuentra una versión acústica y alternativa de “Hard To Make A Stand”.

Sheryl Crow, incluye la pieza más famosa de trayectoria, “If It Makes You Happy”, primer single y punta de lanza para abrir el mercado para Crow, la canción es reconocida y aclamada por el público y mostró en su momento el lado fuerte y rockero de Sheryl, su base de rock alternativo, aunado a la imagen fuerte de la artista con mirada retadora y sus colores brillantes, la composición es una de las canciones emblemáticas de la década y el video tuvo gran rotación en el entonces MTV.

Este segundo álbum es el punto álgido de Sheryl Crow, mediante el cual, alcanzó la madurez artística y el éxito comercial, dejándola en la historia musical como una representante de la década de los noventa, con un álbum completo y digno de ser escuchado.

DJ SHADOW - ENDTRODUCING

 

Desde que el sampleo es utilizado en la creación de composiciones musicales, ha sido un tema de discusión sinfín, puesto que, hay personas que piensan, que realizar canciones con partes de temas de otros artistas para la creación de nuevas composiciones es un robo descarado, pero para otras es simplemente arte.

DJ Shadow, con su primer álbum, expone al máximo esta premisa, Endtroducing, es una obra de arte, toma decenas de referencias de todos lados, desde diálogos, riffs, atmósferas, sonidos de películas, vocales, con una precisión quirúrgica que ni notamos de donde fueron sacados cada uno de los elementos que componen las canciones incluidas en el material.

Endtroducing fue lanzado al mercado en 1996, y tomó al mundo por sorpresa, que, si bien no fue el primer disco en utilizar la técnica del turntablism, si el primero en hacerlo en su totalidad.

Dj Shadow, para la manufactura artesanal de este producto, siguió las enseñanzas de pioneros en el manejo de las tornamesas y en los cortes y ediciones de canciones como GrandMaster Flash o Afrika Bambaataa, incluso uno de los discos reconocidos en el manejo de estas técnicas es el Paul’s Boutique (1989) de Beastie Boys y que a la postre fue replicado por The Avalanches en su álbum debut del 2000, Since I Left You.

El material es adictivo de inicio a fin, Dj Shadow, creó un álbum de suma importancia para la música contemporánea que, incluso él mismo se ha alejado de lo establecido en su primer intento, aunque es cierto que no ha alcanzado en sus posteriores discos, el nivel de importancia que generó con Endtroducing.

Son muchos los samples utilizados en sus canciones algunos imperceptibles, Josh Davis, nombre real de DJ Shadow, es un melómano coleccionista de vinilos cuya influencia del hip hop, se hace notar en la placa, pero no teme en explorar todos los géneros y atmósferas posibles, sino que le da forma a cada uno de los cortes, es un collage de ideas bien utilizadas creando un disco que, si bien es inclasificable, en su momento se catalogó dentro del trip hop.

La precisión para amalgamar cada uno de los elementos es extraordinaria, se cuenta que se tardó alrededor de dos años para concebirlo, y que empleó solamente un sampler, una tornamesa y una grabadora aunado a la utilización de los vinilos le da un toque de nostalgia y la da importancia al efecto Scratchy LP.

Dentro de los samples utilizados podemos encontrar los siguientes:

“Best Foot Forward”, sample de “Party’s Gettin’ Rough” de Beastie Boys; "The Number Song" samples de "Orion" de Metallica; "Changeling" / "Transmission 1" contiene dialogo de la película “Prince Of Darkness” (1987) de John Carpenter; "Stem/Long Stem" / "Transmission 2" samples de Giorgio Moroder y dialogo de la película “Prince Of Darkness” (1987) de John Carpenter; "Mutual Slump" sample de "Possibly Maybe" de Björk; "What Does Your Soul Look Like (Part 1 – Blue Sky Revisit)" / "Transmission 3" utiliza elementos nuevamente de “Prince of Darkness” y de “Twin Peaks” (1990), solo por mencionar algunos.

Los singles que acompañaron el lanzamiento del álbum fueron “Midnight In A Perfect World", todo un referente del género, "Stem/Long Stem" / "Transmission 2", "What Does Your Soul Look Like (Part 1)" y "The Number Song".

La portada del álbum fue tomada de la tienda de discos Rare Records ubicada en Sacramento, California, Estados Unidos, a la cual frecuentaba Josh Davis, y que la simple imagen retrata con claridad lo contenido en el material.

Endtroducing, de inmediato se convirtió en clásico y referente de la década un álbum imposible de superar e influencia de toda una generación.

FIONA APPLE - TIDAL

 

En la década de los noventa hubo varios movimientos musicales importantes para la industria, dentro esos, se encontraba la representación femenina ya sea como líderes o vocalistas de bandas, por mencionar algunas del viejo continente como The Cranberries o The Cardigans, en la Unión Americana grupos que representaban al grunge como Hole o en sus vertientes como Veruca Salt, Garbage, o que se enfocaban al pop y ska como No Doubt, pero dentro de todo esto, surgió una camada de artistas femeninas cantautoras y compositoras, con relativo éxito como Sarah Mclachlan, Meredith Brooks, Jewel, o bien, con un reconocimiento masivo como Alanis Morissette, Tori Amos y Sheryl Crow o de culto como, Björk y PJ Harvey, muchas de ellas con un estilo propio bien definido, entre todo esto, apareció una joven de 19 años, nacida en Nueva York, Estados Unidos, con una propuesta madura para su edad, y con un talento enorme, que la hizo merecer un lugar en el medio musical de aquellos años.

Fiona Apple, proviene de una familia artística dedicada al teatro y a la música, y cuya influencia se hace presente en los temas de su álbum debut de 1996, Tidal, que a la fecha es el disco más exitoso dentro de su extensa y prolífica carrera, y a lo largo de 27 años de carrera artística, solamente ha lanzado 5 álbumes, tomando un largo período de descanso entre cada uno, debido a diversos problemas personales.

Tidal, conjunta y muestra el inicio de la carrera de una artista en la extensión de la palabra, simplemente, para la composición de este disco, fueron utilizados para darle forma, diferentes instrumentos como piano, guitarra, bajo, optigan, vibráfono, arpa, violines, viola, chelo, y percusiones, eso nos da idea de los matices sonoros entregados en esta placa.

Sus canciones hablan de la angustia juvenil, narran su terrible experiencia de un abuso sexual, temas como la sexualidad femenina, entre otros, acompañados de bellas melodías, orquestadas con un toque de dramatismo y teatralidad, formaron este álbum debut.

Uno de los músicos que destaca y que la acompañó en la grabación del álbum fue Matt Chamberlain, quien fue baterista de Edie Brickell & The New Bohemians, y de Pearl Jam, ha trabajado con Tori Amos, A Perfect Circle, Chris Cornell, y un largo etcétera, y el productor fue Andrew Slater, quien colaboraría posteriormente con The Vines o Macy Gray.

El álbum contiene piezas sublimes como “Never Is Promise”, una composición conmovedora y hermosa, “Slow Like Honey”, que coquetea con el blues y el jazz, con un dejo de sensualidad, “Sleep To Dream”, dedicado a una expareja sentimental, es una canción estremecedora con una fuerza increíble, “Shadowboxer”, de sus canciones más emblemáticas, en el que se expone con una intensidad impresionante, expresando sin más lo que ella quiere y siente, también, se incluye el tema más reconocido por el público y el más exitoso, “Criminal”, fue el sencillo que impulsó las ventas del disco y la carrera de la norteamericana.

El recibimiento que obtuvo el álbum, fue muy bueno, de ahí que se desprendieran 6 singles para promocionarlo, cuyos temas fueron “Shadowboxer”, “Slow Like Honey”, “Sleep To Dream”, el video de este tema fue dirigido por el reconocido director francés Stéphane Sednaoui (Red Hot Chili Peppers, U2, Madonna, The Black Crowes, Björk, Massive Attack, Garbage, Tricky, Alanis Morissette, Beck, Depeche Mode, Jamiroquai, Bush, etc.), “The First Taste”, “Criminal”, video dirigido por Mark Romanek (Beck, Nine Inch Nails, Lenny Kravitz, R.E.M., Sonic Youth, Weezer, No Doubt), controvertido por la imagen de Fiona en ropa interior, debido a la corta edad que tenía la cantante en aquellos días, pero aun así fue premiado y catalogado como una de las mejores entregas del director, y como último sencillo, “Never Is A Promise”.

Tidal, es un gran álbum, de una magnífica artista, fue la primera probada de una carrera gloriosa, que supo colocarse y mantenerse en la industria, y en el gusto de sus seguidores, un disco disfrutable de inicio a fin, y que, con cada escucha, uno se enamora más y más de la música compuesta por Apple.

STEREOLAB - EMPEROR TOMATO KETCHUP

 

En 1996, Stereolab editó su disco más emblemático y el de mayor influencia, Emperor Tomato Ketchup, nombre basado en una película japonesa denominada Tomato Kecchappu Kôtei de 1971.

Esta producción fue bien recibida tanto por la crítica especializada como por el público, siendo nominada en diferentes listas, como uno de los mejores materiales lanzados en ese año.

La banda inglesa en esta producción dejó un poco el sonido guitarrero que los había caracterizado en sus primeras publicaciones y abrazan, la electrónica, ofreciendo ambientes espaciales protagonizados por los sintetizadores, aquí se conjuga el pop, el jazz, hip hop de manera perfecta, también experimentan con el rock y el alternativo, así como el minimalismo, llevando a la agrupación al avant-garde, situación que a partir de este álbum se acentúa con mayor fuerza.

Uno de los principales causantes de este sonido fue, John McEntire, miembro de Tortoise, quien fungió como productor del disco, y tocando instrumentos como el sintetizador análogo, guitarra, pandero, vibráfono y maracas en dicho material.

Los arreglos musicales de
Emperor Tomato Ketchup, son muy amplios, atraviesan el dance, el dub, y los instrumentales son complejos, la experimentación sonora se hace presente en cada uno de los temas, ofreciendo un sonido futurista pero al mismo tiempo retro, las influencias de la banda son claras van desde The Velvet Underground, Burt Bucharach y Francoise Hardy, la voz de la francesa Laetitia Sadier, es de lo más agradable, le da ese toque pop, distinguible y único a la agrupación, asimismo, son influencia para sus contemporáneos como Radiohead o Blur, con estos últimos Sadier colaboró en su disco Parklife (1994), en la canción “To The End”.

El viaje espacial comienza con “Metronomic Underground”, con su base funky, un poco de trip hop, y una línea de bajo hipnotizante, la canción va creciendo hasta llegar a su emocionante final, con una duración que se aproxima a los ocho minutos, este tema fue el segundo sencillo del material.

“Cybele’s Revele”, fue el primer extracto del disco, una de sus canciones más conocidas, cuyos arreglos orquestales, la hacen ensoñadora, nos hace seguir disfrutando de este viaje, pero fuera de este mundo, evocando a paisajes placenteros.

La experimentación sónica se hace presente en temas como “Percolator”, en donde, los teclados crean paisajes cinematográficos, y los espacios instrumentales, nos remiten a ambientes vintage.

Esta obra, tiene grandes piezas como la rockera “The Noise Of Carpet”, donde las guitarras y disonancia se hacen presentes, con un coro que nos vuelve a atrapar y dejar hipnotizados, o la calma de “Tomorrow Is Already Here”, o la fantástica “Slow Fast Hazel”, una de las mejores composiciones de la banda.

Emperor Tomato Ketchup, no generó las ventas para mandar a la banda inglesa/francesa al mainstream, sino que los elevó al estatus de culto, lugar donde nunca bajarían, esta es una obra, conformada por un puñado de canciones plagadas de experimentaciones poco convencionales pero que, nos atrapa con su sonido pop, y por lo arriesgado de su propuesta.

Es un álbum pilar de la década, un imperdible para cualquier melómano y un clásico de la música contemporánea.

MARILYN MANSON - ANTICHRIST SUPERSTAR

 

Mucho se puede decir de la obra maestra de Brian Warner a.k.a. Marilyn Manson, Antichrist Superstar (1996), es un disco conceptual, conciso, brutal, lleno de referencias, numerología, provocador, y muchas otras definiciones se le pueden otorgar a un producto que no deja indiferente a nadie.

Para empezar, Marilyn Manson es una banda formada en Estados Unidos, donde cada uno de los integrantes formaron sus nombres artísticos mediante la unión de nombres de féminas famosas y de asesinos seriales, Twiggy Ramirez, Daisy Berkowitz, Madonna Wayne Gacy, Ginger Fish y el vocalista y líder Marilyn Manson, que, a partir de este punto, dejó atrás su nombre real, fusionando a la persona con el artista, mediante el cual es reconocido mundialmente.

Para la grabación del material, los integrantes se sumieron en el consumo de drogas y las leyendas urbanas cuentan que fueron muy difíciles dichas grabaciones, ya que se incomodaban y daban malos tratos a los miembros, para que la música y la letra reflejaran enojo, furia, es decir, la creación de un ambiente hostil.

Los productores del disco fueron Dave Ogilvie, miembro de la banda industrial canadiense Skinny Puppie, Sean Beavan (Nine Inch Nails, Slayer) y Trent Reznor fundador de Nine Inch Nails, quien es parte fundamental de la concepción musical, conceptual e ideológica del Antichrist Superstar, además colaboró con el mellotrón, las guitarras, piano y programación.

Para 1996, la banda traía a sus espaldas el éxito del cover a Eurythmics, “Sweet Dreams (Are Made Of This)” de su EP Smells Like Children (1995), donde comenzaban a formar tanto la imagen tenebrosa como la música tétrica, y corrían la suerte de quedarse como One Hit Wonder, sin embargo, Reznor tuvo un buen ojo clínico con la agrupación, ya que finalizado su trabajo y gira de su disco The Downward Spiral (1994), los contactó y se metió de lleno en el estudio para producir su segundo álbum, cuya influencia es notoria  como en “The Reflecting God”.

El nombre del disco es una referencia clara a Jesus Christ Superstar, ópera rock con música de Andrew Lloyd Webber, desde aquí se puede notar la provocación del material discográfico.

La evolución musical es notoria, la mezcla del rock industrial, con metal, gótico y con una agresividad electrónica, aunado a los ruidos extraños provocados intencionalmente durante las grabaciones, o con instrumentos rotos, así como los gritos, las voces distorsionadas y la peculiar forma de canto y recitación de Manson, conjuntado con las deformaciones sónicas atormentadas, crean una atmósfera escalofriante, todo esto definiría el estilo del grupo para el resto de su trayectoria.

La estética fue algo muy bien calculado por el líder, un cantante flaco casi anoréxico, en cuyo cuerpo se marcaban las costillas, ataviado en un corsé, mostrando a un sujeto andrógino, sus ojos bicolor café y azul, inspirado en su ídolo David Bowie, además de sus videos realizados para los singles del disco como “The Beautiful People”, en el cual luce como un dictador y la gente como zombies, dentro de lugares post apocalípticos, dicho sencillo fue un rotundo éxito en MTV, donde su imagen, incomodaba a todo aquel que lo viera, cuestión que ayudó a catapultar la venta de discos por todo el mundo, una canción emblema de la década de los noventa, todo un clásico pop; “Tourniquet”, donde el líder se revuelca mientras canta, mostrando el surgimiento de un personaje antropomorfo, ambos videos impregnados de la visión y sacados de la mente retorcida y artística de Floria Sigismondi; “Cryptorchid”, un video experimental, raro, repulsivo, en el que se incluyen imágenes de la extraña película de terror Begotten creada por E. Elias Merhige, quien a su vez, fue director del promocional, tanto de esta canción como del video del que da título al álbum “Antichrist Superstar”, cuya realización se llevó a cabo durante la gira del disco, y fue prohibida en los canales de video durante muchos años, debido al contenido donde Manson, rompía biblias y quemaba cruces en las presentaciones de sus actos en vivo, y por último, “Man That You Fear”, dirigido por WIZ, en el que, el personaje representado por el cantante, es sacado de su casa, acompañado de su hija y su esposa embarazada, caminan seguidos de un grupo de personas, en una procesión, cuyo destino es su propia lapidación, el final se deja abierto, ya que en el trayecto simula las caídas de Jesucristo. Todo lo anterior, ayudó a alimentar esa imagen demoniaca, controversial, que en su momento sacó ámpula a gran parte de la sociedad norteamericana, de las iglesias cristianas y católicas, las cuales se sentían ofendidas por el mensaje presentado por la banda, y que, para ellos, empujaba a los adolescentes a comportamientos indebidos y a alejarse de las buenas costumbres.

El álbum es parte de una trilogía que termina aquí, de acuerdo a palabras del propio Warner, y que tuvo su continuación con Mechanical Animals (1998) y Holy Wood (In The Shadow Of The Valley Of Death) (2000), y a su vez, se encuentra dividido en tres partes: Cycle I: The Heirophant, que va de la canción 1., “Irresponsible Hate Anthem” a la 4., “Tourniquet”, Cycle II: Inauguration Of The Worm, de la 5., “Little Horn” a la 11., “Kinderfeld” y, Cycle III: Desintegration Rising de la 12., la mencionada “Antichrist Superstar” a la 16., “Man That You Fear”, todo esto narra el surgimiento de una estrella de rock demagoga que toma el poder político del mundo para eventualmente exterminar a la raza humana y posteriormente a la destrucción del mismo, sus letras se encuentran basadas e inspiradas en textos de Nietzsche.

Hay grandes canciones, como la furiosa “Angel With The Scabbed Wings”, la trepidante “Little Horn”, la inquietante “Dried Up, Tied And Dead To The World”, la lenta y perturbadora “Kinderfeld”, lírica inspirada por el momento, cuando un infante Brian Warner descubrió a su abuelo masturbándose en el sótano de su casa, además, contiene la dolorosa “Minute Of Decay” o “1996”, ejemplos del más puro rock industrial.

En diferentes tracks se escuchan voces distorsionadas o femeninas que recitan o dicen la misma letra, lo que ayudaron a crear la leyenda que, la banda incluía mensajes subliminales en sus temas, además que al final de la última canción se incluyen 81 pistas denominadas “Untitled” de 0.04 minutos de duración cada una, excepto la 98 que dura 0.05 y todas se encuentran en silencio, en referencia al EP Broken de Nine Inch Nails, desembocando en una pista oculta el track 99 denominada “Empty Sound Of Hate (Track 99)”, o también, “Better Mesiah”, “Dying Years, “Minister” y “Untitled”, que es una recitación distorsionada y si se pone en bucle coincide con el inicio del disco.

Este juego con los números también se ve reflejado en el booklet del disco, que, combinado con las imágenes de seres bizarros y la oscuridad en la fotografía de los integrantes, así como la simbología que carga todo el concepto del arte, lo hace un material intrigante.

El disco cuenta con dos portadas principales, ambas lucen la mitad de la cara de Manson con diferentes personajes, e incluye una extra, que es el interior del libro, y que, en ediciones posteriores, se excluyeron las dos primeras y solo se manufactura la tapa de dicho booklet, donde se muestra un ser mitad humano con alas y malformaciones en su miembro reproductivo.

Este es el punto creativo más alto de la agrupación, que les brindó un impacto mediático grandioso a mitad de la década, es un ejemplo claro de la contracultura, la creación de un personaje terrorífico que tenía mucho que decir y que dio mucho que hablar durante por lo menos un lustro, y que fue desplazado de a poco por las nuevas generaciones, es cierto, que hoy en día ya no tiene un empuje como hace 26 años, pero su obra aún sigue creando incomodidad, el cual, es criticado por la dualidad, por la doble moral, y ese es el cometido que quería el artista, su legado, el material por el cual será recordado.

Antichrist Superstar, es un álbum redondo, completo, no hay falla en su concepción, bien pensado y ejecutado, tal vez, con el tiempo ha sido un poco olvidado, relegado a un segundo plano, debido a la cantidad de creaciones y grandes clásicos que hubo en esa década, pero es sin duda, un álbum esencial para la música, imagen e inspiración para las nuevas generaciones.

EVERYTHING BUT THE GIRL - WALKING WOUNDED

 

Everything But The Girl fue un dúo británico formado en 1982 por la cantante Tracey Thorn y el músico y productor Ben Watt, quienes son pareja sentimental y que han permanecido inactivos como banda desde el 2000.

La historia de la agrupación es curiosa, desde su formación hasta el lanzamiento de su disco Amplified Heart (1994), tuvieron lanzamientos relativamente exitosos, pero permanecían en el underground y las bondades, que ese lugar les brindaba, sin embargo, todo cambiaría con el remix que el DJ Todd Terry, realizó de la canción “Missing”, tema incluido en la mencionada producción, siendo un éxito inesperado, puesto que, con el cambio de ritmo que le proporcionó el DJ a la canción, fue todo un suceso en los clubes de Inglaterra y posteriormente en toda Europa, cuestión que sorprendió al dúo pero que no dudaron en establecer el camino que seguirían en los años posteriores.

En Walking Wounded, la banda abandonó los distintos géneros que habían abordado en sus anteriores producciones como el jazz, lo-fi, bossanova y hasta new wave, y continuaron con el sendero marcado por “Missing”, donde se enfocaron en ritmos vanguardistas de la época como el trip hop, downtempo y el drum ‘n’ bass , transitando por el pop, techno y desarrollaron técnicas como el sampleo, dicho cambio de dirección dejó boquiabiertos a todos, por la calidad musical y la propuesta renovada y fresca que ofrecieron, incluso el precursor y líder del movimiento del drum ‘n’ bass, su contemporáneo Roni Size, apoyó dicho cambio radical en el sonido.

Algo que influyó en la formación del sonido de Walking Wounded, fue que, durante 1994, Tracey Thorn colaboró con las voces de dos canciones “Protection” y “Better Things” del disco Protection (1994) de Massive Attack.

La línea conductora en las letras del álbum está marcada por el amor y el desamor, temas universales identificables con cualquier escucha, la producción brinda grandes temas como la apertura de “Before Today”, donde la suavidad de la voz de Thorn y los ritmos tranquilos del drum ‘n’ bass, añadidas con la letra nostálgica nos brindan unos de los puntos más sensibles y altos del disco, canción perfecta para iniciar el viaje de Walking Wounded, otros highlights son, la que le da nombre a la placa “Walking Wounded”, la siempre genial y claramente bailable, aunque con letra para corazones rotos, “Wrong” y “Single”, sencillo desprendido del álbum, simplemente y en pocas palabras, son un puñado de nueve canciones de altísima calidad más dos remixes incluidos de “Wrong” y “Walking Wounded”.

La popularidad del grupo gracias a esta producción, fue tan grande alrededor del mundo, tanto así que, U2, les pidió que fueran la banda abridora de algunas fechas de su gira, pero declinaron dicha invitación, argumentando que necesitaban espacio, debido al inesperado y contundente éxito que tuvieron.

Walking Wounded fue el disco más exitoso en la trayectoria de la banda, los colocó en las listas de popularidad en muchos países, tuvieron rotación continua en MTV, en las radios y los clubes mundiales, les brindó el respeto de sus contemporáneos y los puso dentro de la vanguardia musical, sin embargo, fue el principio del fin de la banda, ya que después de este álbum, solamente lanzaron uno más, Temperamental (1999), pero nos regalaron uno de los discos más hermosos de los años noventa, y cuya influencia sigue vigente hasta nuestros días, el ejemplo más claro The XX.

TRAINSPOTTING - ORIGINAL SOUNDTRACK

 

Danny Boyle tuvo la visión de llevar el libro de Irvine Welsch,(quien aparece brevemente interpretando a Mikey Forrester, un punk traficante de heroína), Trainspotting a la pantalla grande, dicha obra era algo muy difícil de trasladar a imágenes y el británico no solamente lo hizo, sino que lo realizó de forma magistral, convirtiendo a la película, en un material de culto, para esto recurrió a su entonces actor de cabecera Ewan McGregor y al productor Andrew McDonald, con quien había trabajo en su anterior filme Shallow Grave (1994).

Trainspotting, narra la historia de un grupo de jóvenes adictos pertenecientes a la clase baja de Edimburgo, Escocia, cuya única aspiración es conseguir u obtener dinero para solventar su vicio, y el único que aparenta poder escapar de esta vida autodestructiva, es el protagonista y nuestro antihéroe por excelencia, Mark Renton.

Dicha película tiene una excelente banda sonora, debido a que, gran parte del presupuesto disponible, se gastó para adquirir los derechos de las canciones que el director quería que aparecieran en el filme, teniendo un gusto y oído excelso para escoger cada uno de los temas que conformarían el soundtrack.

Algunas canciones fueron compuestas ex profeso como “Trainspotting” de Primal Scream, la cual, es un viaje psicodélico que nada entre el house, rock, ambient como solo los escoceses podían lograrlo, dicho tema y con duración reducida, se incluyó posteriormente en su álbum Vanishing Point (1997), “Born Slippy Nuxx” de Underworld, que también, a la postre se agregaría como bonus track en una reedición de su álbum Second Toughest In The Infants (1996), o “Closet Romantic” de Damon Albarn, asimismo, la selección musical fue atinada por la inclusión de nombres como Pulp o Blur, quienes fueron grandes representantes del Britpop, es importante mencionar, que dicho género vivía sus mejores momentos, bandas como Sleeper y Elastica, en aquellos días gozaban de mucha popularidad en el Reino Unido, también, se apoyó de grandes nombres de la industria musical como Iggy Pop, New Order, Lou Reed, Brian Eno, o artistas que empezaban a ser reconocidos en la escena electrónica como Leftfield, quienes había colaborado con música en la citada Shallow Grave.

Gracias al magnífico trabajo que realizó Danny Boyle en la combinación de las imágenes y la música, se quedaron grabadas escenas icónicas de la película en la memoria colectiva, por ejemplo:

-El intro frenético, mientras vemos a Mark Renton y Spud siendo perseguidos por las calles, al ritmo de “Lust For Life” de Iggy Pop, y al mismo tiempo, escuchamos en voz off el soliloquio de nuestro antihéroe;

-El nado en aguas profundas de Renton con “Deep Blue Day” de Brian Eno;

-El ambient techno psicodélico en alguna escena con “Trainspotting” de Primal Scream;

-La aparición angelical de Diane frente a los ojos atónitos de Renton y los encuentros casuales y algunos, nada fortuitos de los compañeros de nuestro antihéroe, mientras suena de fondo “Atomic” de Sleeper, gran cover de Blondie, que le dio nueva vida a ese clásico de las pistas de baile;

-Escuchar los versos cantados de “Temptation” de New Order por Diane, cuando está fuera de escena, mientras toma una ducha;

-Observar la triste rutina de un adicto forzado a ser delincuente para mantener su hábito con “Nightclubbing” de Iggy Pop;

-La derrota de nuestro personaje principal con la melodía melancólica de “Sing” de Blur;

-El pasaje de la recaída y sobredosis de Mark con “Perfect Day” de Lou Reed;

-La complicada vida en Londres con un roomie como Begbie con “Mile End” de Pulp, que, dicho sea de paso, es el ejemplo perfecto del match de las imágenes con la música, dicha canción fue lado B del sencillo “Something Changed” del disco Different Class (1995);

-La noche de club en Londres de nuestros personajes con “For What You Dream Of” de Bedrock feat. KYO;

-La situación difícil que vive Renton cuando tiene de huéspedes a Begbie y Sick Boy y para librarse de ellos, los manda a un departamento de los que el rentaba/vendía con “2:1” de Elastica;

-Mark Renton y su prueba de la “mercancía” a vender con la potencialidad y tal vez, su única oportunidad para hacerse ricos con “A Final Hit” de Leftfield;

-El punto culminante de la obra y con la cual aún nos toca fibras sensibles “Born Slippy (Nuxx)” de Underworld, quienes durante un tiempo fueron colaboradores de cabecera del director, y plasman con gran audacia su música en una de las escenas más importantes del filme;

-Y finalmente, para la cortina de créditos finales “Closet Romantic” de Damon Albarn.

El éxito que tuvo entre el público y la crítica, se reflejó en los millones de discos vendidos por el mundo, fue todo un fenómeno tanto la película como el soundtrack, tal fue así, que, al año siguiente el soundtrack tuvo un Vol. 2, el cual fue un compilado de canciones que no se incluyeron en el primer volumen y de otras que son remixes de las que sí aparecieron, o que, de acuerdo a los creadores, debieron presentarse en el filme, para esto, es importante señalar que, esa segunda parte no tuvo ni la relevancia ni el éxito como el primero.

Asimismo, la película tuvo su secuela en el año de 2017, llamada T2: Trainspotting, 21 años después del lanzamiento de la original, siendo una continuación directa de la primera película y no así, del libro Porno, también de Irvine Welsch, que es la segunda parte directa de la novela.

Este disco es una excelente colección de canciones, siendo un testimonio de la época y es uno de los mejores soundtracks de todos los tiempos, que se creó para acompañar a una película esencial y pilar de los noventa.

BECK - ODELAY

 

Muchos calificaban a Beck como one hit wonder, después de su apabullante éxito “Loser”, pero sin que nosotros supiéramos, ese hit, solo sería la punta del iceberg dentro de su carrera, el cantante apostó por contratar a The Dust Brothers (Beastie Boys), quienes le dieron forma y sentido a todas las ideas que traía en su cabeza, lo cual, brindó un clásico instantáneo, no solo de los noventas sino de la música en general.

Escuchar Odelay, es como si se detonara una bomba de cientos de sonidos, como si todos los géneros conocidos se mezclaran en una licuadora y ese fuera el resultado, suena a todo y a nada a la vez, se amalgaman todo tipo de géneros, ritmos y estilos como el folk, rock, pop, country, rap, hip-hop, garage, grunge, electro, noise, lounge, bossanova y muchos sampleos, que hacen un disco perfecto y único e inclasificable.

En una sola canción se pueden encontrar diferentes sonidos como “Derelict”, o bien, flotar en diferentes grados sónicos desde el más tranquilo hasta el más estridente como “The New Pollution”, Beck, nos enseñó que era capaz de hacer grandes canciones que serían un gran éxito como la última mencionada, o como “Devil’s Haircut”, “Where It’s At” y “Jack-Ass”, sencillos desprendidos de esta producción discográfica o bien, explorar nuevos territorios y experimentar con ellos como “Novocane”, y siempre salir triunfante.

A partir de este álbum, la carrera de Beck cambió por completo, se mantuvo en el mainstream, se quitó la etiqueta de one hit wonder, se ganó el estatus de genio, exploró diferentes terrenos haciendo lo que más le gusta y manteniéndose vigente a la fecha. 

La huella que dejó Odelay es innegable y hoy, un cuarto de siglo después de su lanzamiento es tan fresco, innovador, raro y único que no podemos ser indiferentes ante él.

THE CARDIGANS - FIRST BAND ON THE MOON

Producido por Tore Johansson, en este álbum The Cardigans muestra una evolución en su sonido, si bien en sus discos Emmerdale (1994) y Life (1995), se había mostrado como un grupo que hacía canciones muy amenas y disfrutables, con una imagen de niños tiernos, aquí deciden cambiarla por completo, arriesgando a modificar tanto su música como sus letras. 

Aquí Peter Svensson (guitarrista) y Nina Persson (vocalista), se hacen cargo de la lírica, y se nota la presencia de la líder, puesto que, ahora expone sus emociones y sus altibajos en el amor, se muestra melancólica y deja de lado la niña dulce de sus anteriores producciones, empiezan a arriesgarse con canciones como “Been It”, donde la desilusión y el amor no correspondido se hacen presentes y donde se pregunta qué rol desempeñó para su expareja, en “Heartbreaker” se muestra como una dama fría y calculadora. 

“Lovefool” es la melodía más famosa y conocida del grupo, con su base en la música disco, y sus coros que se quedaron en la conciencia colectiva siendo fácilmente identificable, la hacen una canción de pop perfecta, gracias a ella, la producción tuvo un reconocimiento mundial debido a que, también se incluyó en el soundtrack de la película de Romeo + Juliet, dirigida por Baz Luhrmann. 

La alegría se refleja en “Happy Meal II”, en la cual, la protagonista está lista y prepara todo para su gran amor, quiere que todo sea perfecto para el encuentro con su pareja, la emoción que desprende es muy contagiosa, aunque el disco también pasa por su lado oscuro en “Step On Me”, donde la tristeza es tan grande, que al personaje no le importa que el amor la deje en el olvido y aunque la pisotee, ella estará presente para que su pareja pueda continuar, uno de los episodios más sobresalientes de la producción, es la vertiginosa “Never Recover”. 

En fin, la década de los noventa, se destacó por tener muchas bandas con vocalistas femeninas al frente, las cuales le dieron un toque de frescura a lo presentado durante esos años, puesto que, muchos estaban enfrascados en tratar de decir que era mejor, si el rock producido en Estados Unidos y comandados por el grunge o el de Inglaterra con el Brit Pop de frente, en esos huecos aparecieron bandas y discos inolvidables como estos. 

La banda siempre supo hacer canciones pop pegadizas y memorables y este es el claro ejemplo de cuando un grupo le da vuelta a su sonido y lo logra, en este caso, el resultado fueron un puñado de canciones de pop perfectas y sofisticadas, alejadas de pretensiones, sumamente reconocibles y de gran calidad.

KULA SHAKER – K

A plena mitad de los años 90, surgió una banda inglesa, que tomó influencias del rock de los 60's y 70's, así como su psicodelia, los ritmos de la guitarra e incluso el órgano tan característico de las bandas de rock de aquellos años, siendo sus referencias más directas The Beatles y Jimi Hendrix, esa banda fue Kula Shaker.

Empapados en la cultura india, estos ingleses mostraron en sus canciones, ambientes llenos de espiritualidad y misticismo, como en “Govinda” y “Tattva”, tal como el cuarteto de Liverpool (The Beatles), lo realizó en su momento.

Las canciones contienen cítaras hindúes, rock clásico y melodías pegajosas, como la potentemente rockera “Hey Dude”, en la cual se encierra el sonido característico de la banda e incluso cuenta con canciones instrumentales, mostrando las habilidades de los integrantes como en “Magic Theatre” y “Sleeping Jiva”; “Grateful When You’re Dead/Jerry Was There”, en su primera parte, es una reminiscencia clara de Deep Purple, simplemente una de las canciones más fuertes y rockeras del álbum; “Star All Over”, es la canción más bella y romántica del disco, mostrando el lado sensible de Crispian Mills (vocalista y compositor del grupo).

Las melodías funcionan muy bien entre sí, a pesar de las referencias inmediatas de la banda, lograron combinar en los años 90, un conjunto de canciones muy respetables, dándole el nombre a un nuevo subgénero de “Neo-Psicodelia”.

K, es uno de los álbumes ingleses más importantes de aquella generación británica de mediados de los 90's, y un álbum disfrutable de principio a fin.