THE CHEMICAL BROTHERS - DIG YOUR OWN HOLE

 

En 1995, el dúo británico The Chemical Brothers lanzó su primer álbum Exit Planet Dust, el cual, fue un éxito en ambos lados del Atlántico, ayudaron a acuñar el término big beat, cuya definición representaba fiesta a mediados de la década.

Dos años después, llegó la consagración con uno de los discos más emblemáticos del dúo, el gran Dig Your Own Hole, producido por ellos mismos, en el cual, pondrían la vara aún más alta, demostrando que The Chemical Brothers se renovaría a cada momento de su carrera.

El disco abre con una de las canciones más representativas no solo de The Chemical Brothers y de la década de los noventa, sino de la música electrónica, “Block Rockin’ Beats”, explosión musical que suena tan fresca como la primera vez, fue el segundo sencillo de la placa, simbólico en su carrera es el video producido y realizado por Dom & Nic, en el que vemos a una chica dentro de un club dance.

“Elektrobank”, tercer sencillo del álbum, cuya batería y vocales se quedan pegados en la cabeza, el video dirigido por Spike Jonze, y protagonizado por una joven Sofia Coppola, realizando gimnasia artística.

El sencillo principal fue “Setting Sun”, primer sencillo, publicado previamente al lanzamiento del disco, sin duda, es una de las piezas más recordadas del género, cuenta con colaboración de Noel Gallagher (Oasis), haciendo un gran homenaje a “Tomorrow Never Knows” de The Beatles, el video promocional nuevamente fue realizado por Dom & Nic, y es uno de los más memorables de la década, en cada uno de los videos, como es tradición, Tom Rowlands y Ed Simons, hacen cameos.

Como último single, fue “The Private Psychedelic Reel”, fue lanzado de manera limitada, y elegida para cerrar el material, aquí cuentan con la colaboración de Jonathan Donahue (Mercury Rev) en el clarinete, es un viaje alucinante y psicodélico de más de 9 minutos de duración.

El resto de la producción no tiene desperdicio alguno, es joya tras joya, “Piku”, hip hop psicodélico, el techno rock de la pieza que da nombre al disco, “Dig Your Own Hole”, “It Doesn’t Matter”, es un tema con una base repetitiva pero nunca aburrida, sello de la casa, “Don’t Stop The Rock”, “Get Up On It Like This”, cuya base es más funky que las demás, “Lost In The K-Hole”, disco funk con una extraordinaria producción de bajos, todas mantienen al espectador en un nivel alto de energía y baile, no hay que omitir, “Where Do I Begin”, en la que participa la cantante Beth Orton, y es la que nos permite ir aterrizando de este gran trip, es la penúltima canción, es un tema relativamente tranquilo en comparación al resto del material, pero que en ningún momento demerita su calidad.

Dig Your Own Hole, está integrado y armado como si fuera una sola pieza no hay descanso entre canciones, va una detrás de otra, es un disco perfecto, no se le ve falla por ningún lado, es un determinante en la carrera de The Chemical Brothers y de la electrónica en general, terminó por conquistar a las masas, un clásico en toda la extensión de la palabra.

BJÖRK - HOMOGENIC

 

Después de dos álbumes importantes para la década de los 90’s, Debut (1993) y Post (1995), Björk presentó en 1997 su tercer álbum llamado Homogenic.

En sus dos primeros materiales discográficos, Björk jugó con varios géneros como el trip hop, house, sonidos orientales, jungle, electrónica, y con todo aquel instrumento y género que se le ocurrió saliendo muy bien librada de aquellos intentos, para este disco, Björk, recurrió a sonidos que capturó en su tierra natal, Islandia, es decir, grabó en una zona volcánica, todos esos sonidos naturales y con ayuda de programadores los transformó en sonidos electrónicos combinando con arreglos de cuerdas, algo muy diferente e innovador para la época, puesto que conjuntó la vanguardia con lo tradicional.

Lo anterior, se ve reflejado desde el diseño de la portada, creada por el diseñador Alexander McQueen, quien elaboró una estilizada geisha ciborg, un retrato perfecto antiguo y moderno, elegante con una simetría entre los colores elegidos, asimismo, la música dejó de ser ecléctica y se enfocó en sonidos electrónicos fríos con la calidez de las cuerdas.

En su momento, Homogenic no fue bien recibido por la crítica que simplemente no entendía el paso que la artista había dado, ni por su público que veían como la islandesa se alejaba notoriamente de lo brindado en sus primeros años como solista, lo cual se reflejó en las bajas ventas del disco, sin embargo, se lograron colocar cinco sencillos en las listas los cuales fueron:

“Jóga”, primer single del álbum, la cual, es una de las más emblemáticas de la cantante, y es todo un homenaje a Islandia, el video promocional fue dirigido por Michel Gondry, es una animación computarizada de los paisajes de Islandia, “Bacherolette”, fue elegido como segundo sencillo, contiene una imponente sección de cuerdas y una sutil base electrónica, el video fue dirigido también por Gondry, el cual, es uno de los clips más recordados del autor y la cantante, es una obra de arte surrealista, “Hunter”, tercer single, cuya base electrónica coquetea con el jungle y el trip hop, donde brillan los violines y el acordeón, el drama y la atmosfera tétrica hacen una de las mejores canciones de esa etapa de Björk, el video dirigido por Paul White, presenta a la cantante y su transformación en un oso polar, “Alarm Call”, es la canción más accesible del disco, el video fue dirigido por Alexander McQueen, refleja belleza y tranquilidad, con Björk acostada flotando sobre un río adentrado en la selva, y por último, “All Is Full Of Love”, quinto sencillo, cuyo video fue dirigido por Chris Cunningham, que cuenta la historia del ensamblado de dos robots quienes se besan apasionadamente.

El resto de las canciones que contiene el material son: “Unravel”, considerada por Thom Yorke, cantante y líder de Radiohead como su canción favorita, “All Neon Like”, “5 Years”, “Immature” y “Pluto”, esta última es una bestialidad, con referencia al industrial, techno, house experimental, y cuyas distorsiones de la voz y la base musical, hacen una experiencia sonora, una pieza arriesgada de Björk, la canción le debe mucho a la influencia de Aphex Twin, con quien salió de gira durante el tour de Post.

Después de este trabajo, Björk, se movió a terrenos más experimentales, donde tuvo cabida su creatividad y libertad artística, es cierto, que durante ese tiempo perdió muchos seguidores, quedándose con los más fieles, Homogenic, es el último álbum de una tríada perfecta, completada por Debut y Post, su etapa más comercial y accesible.

Homogenic fue un paso arriesgado, pero bien logrado, que le dio cierre a una primera etapa prolífica de la artista, es un álbum vanguardista que si bien, en un inicio no fue bien recibido, poco a poco se fue valorando siendo considerado como uno de los mejores álbumes tanto de la artista como de los últimos 30 años.

SPAWN: THE ALBUM

 

En 1997, salió en los cines la película Spawn, basada en un comic creado por Todd McFarlane, dicho filme fue vapuleado por la crítica, ninguneado por los fans y en lo general, se puede decir, que es una película muy mala, con un guion pésimo, los personajes son caricaturescos, las actuaciones son deficientes, los efectos especiales son horribles y a más de un cuarto de siglo de su salida, no ha envejecido nada bien, hoy en día, se ve peor de cuando salió, sin embargo, no todo es malo en cuanto a su aportación cinematográfica, dejo cosas buenas a su paso, como el soundtrack que la acompañó.

Spawn, fue de las primeras películas realizadas basadas en un comic cuando aún ese subgénero fílmico estaba en pañales y no gozaba ni con la credibilidad ni con la audiencia que actualmente goza, fue un proyecto arriesgado aún más por el personaje, protagonizado por un tipo afroamericano, lo cual, en aquellos días, se pueden contar pocos, dentro del subgénero, en películas como The Meteor Man (1993), Steel (1997) y Blade (1998), este último gozó de mayor aceptación, todos ellos son la base para llevar a la pantalla grande, el comic de Black Panther (2018).

La creación de Todd McFarlane Entertainment, encargada de la producción de la película a través de su creador, McFarlane, quien ya era conocido en el mundo de los cómics, por su trabajo en The Amazing Spider-Man, y por supuesto por su obra, Spawn, entre su trabajo más conocido fue la elaboración y grabación de videos musicales como “Do The Evolution” de Pearl Jam para su disco Yield de 1998 y “Freak On A Leash” de Korn para el álbum Follow The Leader del mismo año.

El soundtrack de la película se puede decir que es lo más rescatable de ese proyecto, aunque, aun suele dividir opiniones entre los fans, debido a la mezcla de rock y electrónica, el álbum estuvo producido por Happy Walters, quien previamente experimentó con la combinación de géneros (alternativo y hip hop) para el soundtrack de Judgement Night (1993) y posteriormente para Blade II (2002) que andaba entre el rock y hip hop, siendo Spawn: The Album, el segundo de esa trilogía.

Los grupos que aparecen son diversos y referentes de los géneros del rock y metal como Slayer y Metallica, o artistas como Tom Morello (guitarrista de Rage Against The Machine), Henry Rollins, se incluyen artistas que gozaban de mucha popularidad en aquellos días como Marilyn Manson, o quienes comenzaban a brillar como Incubus, Korn y Filter.

Del lado electrónico estaban actos legendarios como Orbital, The Prodigy, The Dust Brothers, Moby, Atari Teenage Riot e igual quienes comenzaban a formar una carrera en la industria como The Crystal Method, Goldie, Roni Size, Sneaker Pimps, agrupaciones que estaban a la vanguardia entre el techno, trip hop, drum ‘n’ bass y jungle.

La encargada de abrir el álbum, es “(Can't You) Trip Like I Do”, reescrita de la original “Trip Like I Do” del disco debut Vegas (1997) de The Crystal Method pero en esta versión se adiciona la participación de Filter, siendo el segundo y último sencillo del disco.

Como primer sencillo y uno de los highlights es "Long Hard Road Out of Hell", en el que participa Marilyn Manson y con los coros de la vocalista de Sneaker Pimps, Kelli Ali, aunque ellos no estuvieron de acuerdo con el producto final, se le considera uno de los mejores tracks de Manson, y una transición entre la era del Antichrist Superstar (1996) y Mechanical Animals (1998), el video fue dirigido por Matthew Rolston, quien ha trabajado con Madonna, Morrissey, Foo Fighters, Garbage, Jewel, Natalie Imbruglia, Sheryl Crow, entre otros, es uno de los más recordados de la carrera de Manson.

De los temas más destacados se encuentran “One Man Army”, que conserva la esencia de sus participantes, Tom Morello y The Prodigy, el sonido que traía la agrupación con su disco, The Fat Of The Land (1997), “No Remorse (I Wanna Die” de Slayer y Atari Teenage Riot, es el ejemplo de la combinación perfecta de los géneros, se muestra toda la furia, velocidad y enojo de cada una de las bandas.

Spawn: The Album, es uno de los mejores soundtracks de la década de los noventa, una experimentación en la combinación de rock y electrónica, que sale bien librado y que nos entregó piezas musicales dignas de ser escuchadas, un álbum estupendo para una película tan mala.

GUSGUS - POLYDISTORTION

 

Dentro de la prolífica escena electrónica surgida en la década de los noventa, apareció un colectivo islandés, GusGus, el cual, estaba formado por artistas de diferentes artes, había cineastas, bailarines, cantantes, músicos, artistas visuales, que conformaron uno de los actos más interesantes, longevos y vanguardistas hasta nuestros días.

El colectivo nació entre grandes actos de la década y diversos en el género electrónico, como The Prodigy, The Chemical Brothers, The Orb, Orbital, Underworld, Daft Punk, en sus variantes como la IDM, (Intelligent Dance Music), como Aphex Twin, o el apogeo del trip hop, y sus bases electrónicos como Massive Attack, Portishead, Tricky, o bien, en sus ramificaciones más pop, como Everything But The Girl, entre otros tantos, sin duda, con actos tan trascendentales, era difícil, colarse entre ellos, con su estilo único, GusGus lo logró, creando una personalidad y características propias.

La fusión musical del colectivo navega entre la música pop electrónica con bases etéreas, experimentaciones sonoras mezclando el techno, el IDM [Intelligent Dance Music], dance, downtempo, así como otros géneros como el funk, pop, psicodelia e inclusive jazz y sus gustos por la música de los 70 y 80’s.

GusGus, lanzó en 1997, su segunda placa de estudio denominada Polydistortion, la primera en ser proyectada a nivel mundial, a través de la disquera 4AD (conocida por tener protegidos como Pixies, The Breeders, Cocteau Twins, The Throwing Muses), ya que su primer intento, solo se publicó en su natal, Islandia.

La primera canción “Oh”, nos da una introducción al álbum, con un ritmo calmo, para después recibirnos con “Gun”, donde comienza a brotar el sonido del colectivo, el frío en sus melodías desde este punto se hace presente, y un ritmo con percusiones y sintetizadores muy sofisticado, para después terminar de sumergirnos con “Believe”, y su homenaje a Kool And The Gang, con su distinguible e hipnotizante sampleo de "Jungle Jazz", posteriormente viene, “Polyesterday”, uno de los temas más conocidos del álbum, con una melodía sumamente cuidada, una canción exquisita, su sampleo de New Heavenly Blue, pone la base rítmica, y dentro de esa suavidad es inevitable, sentirse cautivados, “Barry”, es la siguiente canción, cuyo título hace homenaje a Barry White, cantante norteamericano, que es influencia para el colectivo, las últimas tres canciones mencionadas fueron sencillos del disco.

La frialdad de los sintetizadores, regresa con “Cold Breath ‘79”, que mezcla el pop, con un poco de IDM, y techno dance, “Why?”, es una balada con una deliciosa melodía y tintes de jazz, interpretada magistralmente por Emiliana Torrini, “Remembrance”, nos manda a las gélidas tierras de los integrantes, se queda entre el IDM, techno minimalista y una voz intrigante, que simula desaparecer entre una fina cortina de percusiones electrónicas.

Para el final del álbum, nos encontramos con “Is Jesus Your Pal?”, la voz nuevamente a cargo de Torrini, en este punto, todo es frío, la interpretación y la música es como si el personaje se estuviera ahogando o congelándose, las texturas son finas, crean una atmosfera desoladora y sombría, hay que mencionar que dicha canción es un cover de Slowblow, un dúo islandés, creado a principios de los noventa, luego llega la canción más techno del disco “Purple”, sin duda la más bailable del material, y sus sampleos a “Funky Drummer” de James Brown y “Sly One” de Marina Van-Rooy, hacen de esta, una de las joyas de Polydistortion.

“Polybackwards”, es la encargada de cerrar el álbum, es una canción experimental, al puro estilo de Aphex Twin, y que da el cierre con broche de oro al material, es la cereza del pastel.

Polydistortion, material de un colectivo de artistas, que, a 26 años de ser lanzado, no ha perdido su vigencia, suenan tan actuales y vanguardistas como en aquel lejano 1997, una placa accesible e introductoria a diversas ramificaciones del género, un clásico instantáneo, una exquisitez en toda la extensión de la palabra.

FOO FIGHTERS -THE COLOUR AND THE SHAPE

 

A la muerte repentina de Kurt Cobain, líder de Nirvana, la banda desaparecería y el resto de los integrantes tendrían una difícil decisión por hacer, dejar de lado su vida artística o continuar con ella bajo la sombra de aquella banda sumamente importante para una generación, en lo que respecta a Krist Novoselic, continuó pero de manera intermitente y de cierto modo alejado de los escenarios, y en cuanto a Dave Grohl, materializó y pulió viejas canciones que tenía guardadas en la época de Nirvana, se encerró en un estudio y posteriormente las lanzó bajo el pseudónimo de Foo Fighters, la mayoría de la composición y los instrumentos fueron concebidos y tocados por él.

El primer disco de la banda, es considerado muchas veces como un proyecto solista, fue lanzado en 1995, Dave, lo estuvo repartiendo en cassettes en los conciertos que daba, y poco a poco fue generando adeptos y buena recepción hasta su lanzamiento, para el cual fue bien recibido, formando una reputación y conformando una banda para girar, pero aun así era conocido como el proyecto solista del baterista de Nirvana.

Para la composición de este segundo material, Grohl, dio un paso definitivo para el futuro de la banda, conformando a Foo Fighters con Nate Mendel en el bajo, William Goldsmith en la batería y Pat Smear en la guitarra rítmica, a este último ya lo conocía por haber trabajado con él, en la última época de Nirvana, así con esta alineación comenzaron las grabaciones ahora sí como una banda, bajo la producción de Gil Norton, conocido por su trabajo con Echo And The Bunnymen (Echo And The Bunnymen, 1987), James (Gold Mother, 1990 y James, 1991) y Pixies (Doolittle, 1989, Bossanova, 1990, Trompe Le Monde, 1991).

Durante la grabación tuvo problemas con Goldsmith, porque Grohl, regrabó la batería de varias canciones dejando su participación en lo mínimo para lo cual, renunció a la banda, y Dave, terminó llamando a Taylor Hawkins, quien en aquellos días era el baterista de Alanis Morissette, asimismo, durante la promoción tuvo roces con Pat Smear, y se alejó de la banda, entrando Franz Stahl, quien estuvo hasta el siguiente LP.

El divorcio de Grohl con Jennifer Youngblood produjo un sinfín de emociones que son plasmadas en el álbum, de ahí que las canciones van una lenta una rápida, simulando los altibajos en emociones que tenía el líder de la banda.

El disco abre con una canción lo-fi “Doll”, una melodía tranquila que termina abruptamente, continua uno de sus grandes clásicos, “Monkey Wrench”, una canción rápida, furiosa con dejos de punk, y con un grito fenomenal de parte de Grohl, una de las favoritas de los fans.

También contiene, “My Hero”, otros de los grandes éxitos de la banda, y su video promocional, inolvidable, en el cual, un héroe anónimo, rescata varias cosas de una casa incendiada, mientras Foo Fighters, toca en ella, el video fue dirigido por Grohl, así como el de “Monkey Wrench”.

Una de las mejores canciones de la década, “Everlong”, con su reconocible intro de guitarra, es la favorita de muchos, incluso de David Letterman, y a la fecha es la que usan para cerrar sus conciertos, en una balada mid tempo, rockera, nostálgica, triste, y uno de los highlights de la banda, el video fue dirigido por Michel Gondry.

El álbum contiene canciones que son diferentes para la banda en su concepción pero que encajan a la perfección en él, como “Enough Space” o “See You”, balada corta con dejos de country en acústico, que, a decir, no le gustaba a la banda, pero era favorita de Grohl.

“Walking After You”, es una balada que tuvo su video promocional, y que fue regrabada por la banda, para ser incluida en el soundtrack de The X-Files: Fight The Future, por eso las versiones en cada disco son diferentes.

En fin, The Colour And The Shape, es el mejor disco creado por la banda, es un parteaguas en su carrera, un emblemático de la década y gracias a esta producción, Dave Grohl se sacudió por completo la sombra de Nirvana, comenzando una carrera prolífica hasta nuestros días y liderando una de las bandas de rock más grandes de las últimas décadas.

RONI SIZE - NEW FORMS

 

Emergido de la escena Bristol, ciudad inglesa conocida mundialmente por el movimiento trip hop, encabezado por Portishead, Massive Attack y Tricky, el productor musical Ryan Owen Granville Williams, mejor conocido como Roni Size, elaboró con la colaboración del colectivo Reprazent, un álbum esencial de la música electrónica, y un pilar en el género drum ‘n’ bass, su primer disco New Forms.

El colectivo Reprazent está formado por Roni Size, quien se encarga de las composiciones y programación, DJ Krust, enfocado y orientado hacia las cuerdas, DJ Suv, cuyos sonidos de ciencia ficción, le aportaban un toque alienígena a la escena, DJ Die, quien contribuía con sus habilidades en la técnica del cut-ups, scratches y líneas de bajo, así también, se encontraban Onalee en las voces, Dynamite MC y el rapero Bahamadia.

El drum ‘n’ bass, nació de los raves de los años 90, cuyo estilo se caracteriza por los ritmos rápidos, con graves pesados y sintetizadores, nutridos de elementos y ritmos jamaiquinos y del reggae, en donde se acelera el ritmo convirtiéndolo en casi tribal, de ahí, emerge otro género muy parecido a este, el denominado jungle, algunos de los artistas y productores más conocidos del movimiento, son Apollo 440, Photek y Goldie.

La combinación de ritmos provenientes del dub, funk, jazz, soul, hip hop, crean una producción basta en sonidos y matices, cuyo interés va creciendo conforme el oyente se mete cada vez al ambiente del material, así mismo, es un puente, ya que el género permanecía en el underground, y gracias a este material, llegó a un público más amplio, puesto que, suavizó la agresividad del jungle, haciéndolo más comercial.

En canciones como “New Form”, brillan tanto la voz como la composición de la extraordinaria cantante Onalee, la producción discográfica contiene canciones emblemáticas del género como la extraordinaria, “Brown Paper Bag”, y su frenético ritmo, sencillos como “Watching Windows”, “Heroes” y “Share The Fall”, ayudaron a empujar tanto al material como al género en cuanto a popularidad.

En “Share The Fall”, Size, samplea la voz de Róisín Murphy, cantante y líder de Moloko, y en “Destination”, utiliza y samplea la canción “Each And Every One” de Everything But The Girl.

Sin dejar de mencionar, grandes joyas como “Trust Me”, “Beatbox”, donde siguieron patrones de batería pero utilizando sus propias voces, “Digital”, y su sonido atmosférico emergido de alguna historia de ciencia ficción, la apertura que se hace con “Railings” o “Matter Of Fact”, con su repetitivo breakbeat, demuestran el nivel de calidad con el cual, el colectivo contaba en aquellos días, y lo que les hizo estar a la altura de álbumes tan importantes en la electrónica y convertirse en pionero y pilar del drum ‘n’ bass, junto con el fascinante Timeless de Goldie.

En el año de su lanzamiento (1997), compitieron y ganaron el prestigioso Mercury Prize, pasando por encima de álbumes tan importantes en la industria como Ok Computer de Radiohead, Dig Your Own Hole de The Chemical Brothers, Vanishing Point de Primal Scream, Coming Up de Suede, The Fat Of The Land de The Prodigy, de actos emergentes como Trailer Park de Beth Orton y de una cuestionada nominación, pero popular debido al fenómeno mundial que fueron Spice Girls con Spice.

El álbum ha tenido diferentes ediciones y lanzamientos, el original fue lanzado en un doble disco, posteriormente, se redujo a un CD, en 2008, se lanzó en una edición especial, para festejar los 20 años, y fue editado en 4 discos, con remixes.

Roni Size, realizó una carrera en solitario y nunca pudo destacar más allá de esta obra maestra, sus producciones siguientes no estuvieron a la altura. Este es su momento cumbre.

New Forms, es un álbum recomendado y referente de la música electrónica. El material sigue siendo de actualidad, es una pieza y parada obligatoria para cualquier fan de la música electrónica.

CONTROL MACHETE - MUCHO BARATO

 

Control Machete fue una de esas bandas que surgen muy de vez en cuando, dejando un gran legado, son muy populares y desaparecen, el trio regiomontano, fue de las pioneras de la “avanzada regia” movimiento musical de finales de los noventa en la que se abarcaron diferentes géneros y nacieron bandas importantes para el rock nacional, como Zurdok, Kinky, Plastilina Mosh, Jumbo, entre las principales cabezas de ese movimiento.

Mucho Barato, tuvo un impacto tremendo en 1997, en la juventud mexicana, haciendo mancuerna con otro discazo ¿Dónde Jugarán Las Niñas? de Molotov, son grandes clásicos de esa generación, por todos lados se podían escuchar los temas de esos discos, y cantar o corear a los jóvenes a pesar de la prohibición de su venta o de las letras “inapropiadas”.

El álbum es un acomodo de ideas, sonidos, sampleos, influencias, géneros, llevado a cabo con gran maestría, todos ellos conviven y fluyen de manera natural, rock, hip hop, rap, metal, norteño, diálogos, y todo aquello, que rodeaba al trío se hace presente, mediante letras duras y directas, pero con coros pegadizos que hoy en día nos hacen mover la cabeza.

A la agrupación se le consideró como una copia de Cypress Hill, pero en español, esta ha sido una mala comparación, porque cada uno tiene un estilo propio, tal vez, dicha situación se derivó por el trabajo con el productor Jason Roberts conocido por sus colaboraciones con Guns ‘N Roses, y sobre todo por los mencionados Cypress Hill y Delinquent Habits, de quienes la experiencia adquirida con estos dos, se vio reflejado en la banda regiomontana.

El sencillo, “Comprendes Mendes?” fue un éxito apabullante, y un himno de guerra para aquella generación, tuvo un impacto notorio tanto en México como en América Latina, y cuyo video fue de los más pedidos y rotados en MTV, ya que muchos jóvenes se identificaban con la actitud, postura, imagen y letras de la banda, puesto que, sentían que por primera vez una banda en español, se dedicaba a hacer rimas y exponer su entorno, en situaciones difíciles o de esparcimiento.

Canciones como “Cheve” y “Andamos Armados”, se convirtieron rápidamente en clásicos instantáneos, su letra llamaba a la fiesta, al desmadre; “Así Son Mis Días”, es una lírica más cruda, reflejo de las calles, de la vida de barrio, un tanto sombría, tomando elementos de la vieja escuela del hip hop.

Letras contestarías como “Marioneta” y “Únete Pueblo”, invitan al pueblo mexicano a hacer unión, a sacudirse y hacer un levantamiento en contra de todo aquello que nos aqueja como sociedad.

El disco está muy bien seccionado, a lo largo, podemos encontrar temas que funcionan como encore o de transición como “Las Fabulosas I” y “Las Fabulosas II”, con sonidos propios de tugurios o table dance, “Madugada Encore” y “La Copa De Dama”, son resultados del buen manejo de las tornamesas por parte de Toy Selectah.

Los sampleos se ejecutan de manera precisa, elegidos de grupos de música regional como Límite en “Te Aprovechas Del Límite”, canción casi instrumental y experimental o bien, en la apertura de la obra con la canción homónima de la agrupación “Control Machete”, en el que el elemento abridor es de un tema en vivo de Bronco.

“Humanos Mexicanos”, con referencias obvias a Rage Against The Machine, sin apropiarse de su estilo, y definiendo uno propio, con canciones como ésta y “Mexican Curios”, que navegan entre el rock y el metal, se ganaron el respeto de la escena rockera.

La lirica controvertida es uno de los elementos del grupo, como en “La Lupita”, en la que cuenta la historia de la exnovia del personaje principal, que lo abandona, o el cree que ella lo hace, para irse al otro lado (Estados Unidos), pero ahora, Lupita ha cambiado de vida y gustos para ser lesbiana, y el enojo, furia, rabia, irracionalidad y frustración del actor, se ven plasmadas en la canción, algo a destacar son sus sampleos muy reconocibles.

La producción contiene colaboraciones diversas como Maurizio Terracina (Zurdok, Vaquero) en “Mexican Curios” y “Humanos Mexicanos”, Gil Cerezo (Kinky), en ésta última, en “Cheve” y “Únete Pueblo”, así como de Chetes (Zurdok) en la mencionada “Mexican…”.

Es un disco redondo, en donde la voz profunda y grave de Fermín IV, la fuerza de Pato Machete, hacen un complemento excelso de voces, donde se distinguen cada uno, y a su vez, ambos tienen sus momentos únicos y de brillo, esto permite darle forma a cada una de las composiciones y el excelente oído y precisión de las bases, sampleos y música por parte de Toy Selectah, hicieron de Control Machete, uno de los grupos contemporáneos más interesantes de la escena del rock nacional y uno de los pioneros y más influyentes en el género.

Mucho Barato, es el álbum debut de una banda transgresora, que su influencia se ve permeada en la escena hip hopera y rapera de Latinoamérica, y que cada vez, crece más, es una pena que el grupo se disolvió unos años después, no sin antes alcanzar el reconocimiento y manteniendo la calidad en sus producciones, esta es su obra maestra y uno de los mejores discos producidos en México de todos los tiempos.

CORNERSHOP - WHEN I WAS BORN FOR THE 7TH TIME

 

El nombre de la banda de Inglaterra, Cornershop, surgió de los estereotipos establecidos cuando personas originarias o con ascendencia hindú se establecen en la isla británica y algunos de ellos emprendieron negocios, tal cual el nombre lo dice, dicha imagen es hasta cierto punto racista o despectivo, e incluso si nos vamos más allá se puede ver reflejado en el personaje Apu, de la serie televisiva The Simpsons.

Los integrantes de la banda procedentes de Leicester y Wolverhampton, con orígenes hindúes, hicieron una mezcla de hip hop, funk, electrónica, pop, brit pop, trip hop, rap, complementados con scratches y sonidos tradicionales hindúes, tal vez, su estilo no sea vanguardista, pero si es una propuesta original, ya que sus influencias están plasmadas en sus composiciones y pueden ir desde The Beach Boys a The Beatles, así como todo lo recibido de las grandes urbes, y no por apropiación cultural, sino que, sus referencias son directas de aquella cultura tanto en las palabras, costumbres, imágenes y sonidos con los cuales crecieron y estaban envueltos y mantienen cierta relación.

El mundo conoció a la banda británica, derivado al remix que Norman Cook a.k.a. Fatboy Slim, realizó de su sencillo, “Brimful Of Asha”, inicialmente dicha canción, se lanzó como promocional en 1997, sin embargo, pasó desapercibida por muchos de nosotros, hasta que se produjo este remix, y catapultó a la banda a la estratósfera, el tema original que se incluye en When I Was Born For The 7th Time, es pegadizo, pero un poco más lento, comparándolo con el track más exitoso, aparte de tener el sello distintivo del DJ, es más pegajoso y bailable, esta canción es un tributo a la celebridad y cantante hindú Asha Bhosle.

El disco es todo una explosión musical, incluye instrumentos de cuerdas como en la mencionada “Brimful Of Asha”, o contiene temas instrumentales muy interesantes como “Chocolat”, “Butter The Soul”, donde relucen las inspiraciones del scratcheo y electrónica y “What Is Happening”, en esta última conviven a la perfección el modernismo (scratcheo, electrónica), con percusiones orientales, o la alucinante “It’s Indian Tobacco My Friend”, en el que, el trip hop, hace su arribo, temas que son cantados en hindú como “We’re In Your Corner” o el intro de “Brimful…” en idioma panyabí (lengua indoeuropea), así como la multiculturalidad en la utilización de instrumentos como la guitarra, teclados y batería en conjunto con el dholak, tanpura o el sitar, cuyo instrumentos musicales son tradicionales de la India.

Las experimentaciones sónicas se hacen presentes en piezas como “Coming Up” y “When The Lights Appears Boy”. La fama de este álbum es tal, que algunas de sus canciones fueron utilizadas para comerciales como “Good Shit”, para campaña publicitaria de Target, y el nombre fue cambiado por “Good Stuff” o, “Candyman”, y sus versos rapeados, usada por Nike, la bella canción “Good To Be On The Road Back Home”, con la participación de Paul Frazer, quien, en algún momento fue vocalista de Faith No More.

El cierre del disco lo hace un magnífico cover a “Norwegian Wood (This Bird Has Flown)” de The Beatles, cuya influencia está permeada en la cultura británica por ser de las primeras agrupaciones que acercó y mezcló los sonidos occidentales y orientales, esta pieza puede ser tomada como un tributo al Fab Four, y como dato adicional está cantada en hindú, lo que, le da un toque distintivo.

El material discográfico fue producido por el cantante y líder Tjinder Singh, en su totalidad, ayudado por Dan The Automator en “Sleep On The Left Side”, “Good Shit” y “Candyman”.

When I Was Born For The 7th Time, es toda una experiencia musical, muy disfrutable, es una lástima que, muchas personas solo conozcan a Cornershop, por una sola canción, e incluso que sean considerados como One Hit Wonders, tal situación, es desmentida a la perfección por este álbum, donde se notan las habilidades, influencias, y la mezcla de diferentes sonidos, que formaron una personalidad propia y un estilo único. Es un gran álbum de los noventa.

JULIETA VENEGAS - AQUÍ

 

Aquí de 1997, es el primer material discográfico como solista de Julieta Venegas, antes de este lanzamiento era conocida como compositora del gran hit “Pobre De Ti” de Tijuana No!, de cuya agrupación fue integrante, después de esa etapa, viajó a la Ciudad de México para formar otros grupos de los que, realmente no sucedió nada interesante, sin embargo, fue formando relaciones con miembros de otras bandas, y que, posteriormente le ayudarían a la realización del citado disco.

Julieta es una artista multiinstrumentista y desde su primer disco, mostró sus habilidades dándole un toque único a su estilo, como el uso del acordeón, lo cual, es un elemento a destacar, en su sencillo y muy conocida canción “De Mis Pasos”, en aquellos días, no era común que alguien incluyera dicho instrumento en géneros como el rock, siempre ha sido vinculado con la música popular folclórica y norteña de México, sin embargo, este detalle le abrió el camino para su reconocimiento.

A sus 27 años, la cantautora escribió letras personales y la puso a la par de artistas como Ely Guerra, cuya carrera se empezaba a forjar, o Cecilia Toussaint, que ya era reconocida en el círculo musical mexicano, sus canciones hablaban de muchas cosas y expresaban su sentir como mujer acerca del pasado, de experiencias humanas, de dudas existenciales, introspección, nostalgia, tristeza, fragilidad humana, melancolía, relaciones amorosas fallidas, asimismo, levantó la voz en forma de protesta e inconformidad con diferentes situaciones, como en “Con Su Propia Voz”, en la cual, no se siente identificada con sus representantes políticos y sociales, “Andamos Huyendo”, que habla sobre la marginación de las personas desprotegidas, “Sabiéndose De Los Descalzos”, sobre las raíces étnicas, en ésta última, su enojo lo expresa con palmadas y a capela, el sencillo “Como Sé”, definió el estilo musical de la tijuanense y sentó precedentes en la escena musical nacional junto a “De Mis Pasos” debido a la combinación del rock, pop y folk.

El piano es un instrumento recurrente a lo largo del disco, y le impregna fuerza a su protesta, a su expresión, a su propuesta, la instrumentación utilizada es intensa, lo cual, le ayuda a la cantante a tener una amplia gama de sonidos, además, su voz es reconocible, característica e inconfundible, facilita la transición de los temas en sus altos y bajos.

Además, su imagen era algo muy fresco dentro de la escena rockera mexicana, puesto que, sus piercings en la nariz y su look gótico, sus vestidos en conjunto con botas de carga, más la combinación de géneros, le dieron un distintivo entre sus contemporáneos, también sus fans se sintieron identificados con la cantante, y esto, la distinguió durante sus primeros años como solista.

El disco contiene a músicos invitados como Patricio Iglesias de Santa Sabina y, a Joselo y Enrique Rangel de Café Tacvba, dicho de paso, la relación entablada con esta banda, influyó para que la mancuerna formada por Gustavo Santaolalla y Anibal Kerpel, productores de cabecera de los de Ciudad Satélite, tuvieran interés en trabajar con la tijuanense y se ocuparan de la producción y mezcla de este material.

Desde este punto, Julieta Venegas formó su personalidad propia, continuó su rumbo, aunque esta faceta de la mexicana nunca se repetiría en producciones posteriores, quien decidió abandonar las melodías complejas y con crítica, y cambiarlas tiempo después por un pop elaborado, con el que ganó fama y reconocimiento mundial, siendo inspiración para una camada importante de artistas femeninas, abriendo y aplanando el camino para exponentes como Natalia Lafourcade, Carla Morrison, Ximena Sariñana, entre muchas otras, cantantes, compositoras y solistas femeninas.

Aquí, es uno de los álbumes más importantes en la historia del rock nacional, ayudó a la fusión de distintos géneros, nos dio la oportunidad de conocer a una gran artista y a una de las más sobresalientes de los últimos tiempos, y sobretodo, la posicionó como uno de los íconos del rock mexicano.

PRODIGY - THE FAT OF THE LAND

 

The Fat Of The Land, tercera producción de la banda británica The Prodigy, es una explosión sonora, además de ser un gran exponente del popular big beat junto a The Chemical Brothers y pieza fundamental dentro de la música electrónica de la década de los noventa.

The Prodigy tenía cierta popularidad en la escena rave y eran respetados por el público y la crítica, pero con este álbum decidieron ir más, para empezar, es el primer disco donde el bailarín Keith Flint, tomó de lleno las vocales, lo cual fue un gran acierto, ya que le imprimió toda la fuerza y energía para que la banda cambiara el rumbo, ya que, no solo los seguidores de la electrónica se impactaron por el cambio, sino que aficionados al rock comenzaron a ponerles atención, puesto que, su imagen inspirada en el punk, le ayudó a impregnar una actitud dura, directa e incendiaria al grupo, además, a partir de aquí, el grupo comenzaba a dejar de lado la palabra “The” y se presentaban como Prodigy, y su logo ahora característico (la hormiga), surgió en este momento.

La imagen de la banda fue reforzada por los videos de los sencillos dirigidos por Walter Stern, “Firestarter” y “Breathe”, quien supo sacar el lado oscuro y rabioso, así como el polémico video de “Smack My Bitch Up” dirigido por Jonas Åkerlund, quien presentaba, a un individuo en primera persona viviendo al extremo y en forma decadente, dicha canción y video fueron censurados en su momento, y siempre ha estado rodeado de polémica, tachándole de misoginia.

La producción del líder, Liam Howlett es acertada, debido a que, le inyectó el tempo necesario a las canciones, otorgándoles fuerza a cada una de ellas, y sin dejar respiro durante los 56 minutos de duración del disco, además, utilizó samples con gran precisión como en la mencionada “Smack My Bitch Up” con “Bulls On Parade” de Rage Against The Machine, el mega famoso riff de “Firestarter” surgido de “S.O.S.” de The Breeders o en “Funky Shit” con sample de “Root Down” de Beastie Boys, también hace un cover de “Fuel My Fire” de L7; y no conformes con todo lo anterior, cuenta con invitados como Saffron frontman de Republica para aportar su voz, en la última canción citada, o Crispian Mills de Kula Shaker, quien creó las letras y puso su característica voz a “Narayan”.

Este es un pilar esencial para entender la evolución de la electrónica, siendo muy apreciado por el público y la crítica especializada, es un álbum energético de gran calidad musical con una actitud vertiginosa, además que, 25 años después de su lanzamiento no ha envejecido, convirtiéndose en una pieza atemporal.

MOLOTOV - ¿DÓNDE JUGARÁN LAS NIÑAS?

 

En la década de los 90’s, México contaba con varios exponentes en el rock, solo por mencionar algunos Maldita Vecindad, Fobia, Caifanes, Café Tacvba, quienes con muchas otras bandas formaron una paleta de sonidos única dentro de la escena latinoamericana, sin embargo, aún faltaba el toque más polémico e irreverente del rock nacional y los encargados de eso, sería Molotov.

En aquellos años, en específico 1997 (año en el que salió la presente producción), no era común que en los medios de comunicación se pronunciaran palabras altisonantes, en cuestiones de política el partido preponderante era el PRI, no había una apertura total en críticas hacia el Gobierno en turno, en fin, entre otras situaciones, era un México hasta cierto punto un poco diferente al que conocemos, pero este disco ¿Dónde Jugarán Las Niñas? (parodiando el nombre al famoso disco de Maná ¿Dónde Jugarán Los Niños?), rompió esquemas pero el camino no fue tan fácil ni aun teniendo de productor al gurú del Rock Latinoamericano, Gustavo Santaolalla, incluso, su distribución fue prohibida, a tal grado, que las empresas dedicadas a la venta de discos, no lo tenían en su catálogo, debido a la polémica portada del álbum o por el contenido de sus líricas, aparte de no contar con una promoción radial debido al lenguaje utilizado y a las críticas políticas y sociales, y cuando se llegaba a transmitir alguna canción, se realizaba con su debida censura, o en horarios nocturnos o de madrugada, asimismo, ocurría con la programación en canales de video, pero al final, su aceptación creció exponencialmente, ganó miles de escuchas, jóvenes que se identificaban con las letras y con su música, y rápidamente se convirtió en un disco tan popular que toda una generación lo adoptó y creció con él.

Molotov era algo muy fresco para el rock mexicano, herederos del sonido de Red Hot Chili Peppers, Rage Against The Machine y Beastie Boys y ese doble bajo que pocas veces se ve en una banda, y le imprime un sello poderoso, fuerte y estruendoso, esto va muy acorde con sus letras que son muy intensas, corrosivas, ácidas, como se demuestra en el primer track “Que No Haga Bobo Jacobo”, crítica directa a los medios de comunicación entonces dominado por dos televisoras, desde los primeros acordes nos damos cuenta que será un disco de mucha potencia, además se preocupaban por los problemas sociales expresado en canciones como “Voto Latino”, el himno inmediato de “Gimme Tha Power” que es una dura crítica a la política mexicana o al consumismo y al problema de alimentación de la población mexicana en “Cerdo”, aun así, son divertidos, canciones como “Molotov Cocktail Party” y “Más Vale Cholo” lo demuestran, “Puto” nos invita al desmadre, “Chinga Tu Madre” es un reclamo a todos y todas aquellas que nos acosan y que de alguna forma nos queremos librar de ellos, las siempre controversiales “Porqué No Te Haces Para Allá?... Al más Allá!” y “Quitate Que Ma’sturbas (Perra Arrabalera)”, enseñan el enojo por una ruptura emocional, “Matate Tete” llena de odio, coraje, energía con un sonido pesado basado en el Hard Rock, como pocas bandas en español se habían atrevido a tocar, uno de los puntos importantes de la banda es la inclusión de Randy Ebright, quien ayuda a forjar el sonido de la banda, puesto que rima y canta en inglés y español o juega con el pocho creando canciones como “Use It Or Lose It” en el cual la escuela del Hip-Hop y Rap, se hace presente, algo importante a resaltar es que cualquier miembro de la banda participa como vocalista en las canciones del disco haciendo que el estilo de Molotov sea inigualable.

La banda y el disco siempre han sido catalogados como misóginos, homofóbicos, discriminatorios, entre otros adjetivos, pero si analizamos su lírica, son críticos mordaces de los problemas sociales y de los acontecimientos políticos, pero lo reflejan con un carácter irreverente, fuerte, transgresor, utilizando palabras en doble sentido, groserías, albures, en pocas palabras picardía mexicana que, combinada con el vocabulario pocho y música contundente hacen un disco único, convirtiéndolos en piedra angular del rock nacional y dejando como legado esta producción como una de las más importantes no solo de la década ni del rock mexicano, sino del latinoamericano, puesto que gracias a ellos, muchas bandas se atrevieron a copiar, imitar o inspirarse en esta producción para expresar lo que pensaban y vivían.

Hoy casi a 25 años de su lanzamiento, sigue creando ámpula e incomodidad, sin embargo, no se puede negar que dejó huella, marcó a toda una generación y que sigue estando tan fresco como en aquel lejano 1997.

DAFT PUNK - HOMEWORK

 

Hablar de Daft Punk y de su primer disco Homework, es difícil, puesto que, en primera instancia es un dúo que cambió la escena electrónica para siempre, y en segunda, es un disco que muy pocos logran hacer de manera correcta y que no salgan mal librados en el intento, debido a la conjunción de diferentes géneros como el techno, house, acid, rock, disco, funk, pop, etc.

A partir de que uno escucha los primeros cortes del disco “Daftendirekt” y “Wdpk 83.7”, sabes que algo diferente está por ocurrir, ya que a partir del corte tres, te llevan directamente a la pista de baile sin parar durante los más de 60 minutos de duración del disco.

Esta placa contiene clásicos no sólo de Daft Punk o de la electrónica, sino de la música en general, como “Da Funk” o la hipnótica “Around The World”. Apoyados de directores de videos musicales como Michel Gondry o Spike Jonze, brindaron imágenes, hoy imborrables para diferentes generaciones como “Revolution 909”, “Fresh”, “Burnin’” y las ya mencionadas “Da Funk” o “Around The World”.

El dúo francés hace homenaje a muchas de las grandes influencias que contribuyeron a forjar su sonido, lo cual se ve reflejado, mediante “Teachers”, o bien, la utilización de las diferentes velocidades de los beats como en “Rollin’ & Scratchin’” o “Rock ‘n Roll”, asimismo, demuestran que a pesar de la edad con la que contaban los dos miembros, eso no los limitaba en el conocimiento de canciones, bandas y géneros musicales, sobre todo por la aplicación y utilización de sampleos que son escuchados a través de los diferentes tracks que conforman al disco.

Para entender la evolución de la música electrónica, a como la conocemos hoy en día, es necesario y obligatorio hacer una parada para escuchar Homework, porque con él se entenderá la importancia de un género a veces renegado y otras mal utilizado por las masas, y a la par celebrado por muchos, así también es forzoso su escucha para comprender los cambios y aportaciones que realizó a la música en general y su influencia en músicos, bandas y DJ’s a través de las generaciones.

Con Homework inicia la leyenda de Daft Punk, aquí es donde el dúo francés comienza a cobrar vida y en años posteriores seguirían invadiendo al mundo con grandes himnos, siendo reconocidos por músicos, la crítica y el público.

THE VERVE – URBAN HYMNS

The Verve antes de este disco, ya eran considerados como una gran banda y Richard Ashcroft como uno de los compositores ingleses más queridos de su generación, siendo una influencia muy grande para sus contemporáneos británicos como Noel Gallagher de Oasis, pero por diversas circunstancias no eran tan conocidos como ellos querían.

En 1997, entregaron el mejor álbum de su carrera, con influencias de psicodelia y rock clásico, fue lo que definió el sonido de Urban Hymns.

Para abrir, este maravilloso disco esta “Bitter Sweet Symphony”, que sin duda se convirtió inmediatamente en un clásico instantáneo, dio a conocer a la banda por todo el mundo, aparte de tener un excelente video y aunque esta canción tuvo problemas legales después de su lanzamiento, ya que tomó prestado, una parte de “The Last Time”, una canción que pertenece a The Rolling Stones, siendo una de las causas de la separación del grupo.

Algo que distingue este álbum, es que utiliza en las baladas, una sección de cuerdas como en “Sonnet” o “The Drugs Don’t Work”, que remarca en los puntos culminantes, las melodías escritas por Ashcroft, y llenan de sentimentalismo a las canciones.

“The Rolling People”, es una canción fuerte, con un ritmo poderoso de una inmensa calidad; “Catching The Butterfly”, captura la psicodelia que a The Verve, tanto le gustaba explorar, convirtiéndola en una de las canciones más exquisitas del álbum; “Lucky Man”, fue otro de los sencillos de Urban Hymns, la cual es una canción alegre y muy optimista.

Este es un gran disco, uno de los mejores álbumes ingleses de la historia, y el álbum que The Verve necesitaba y el disco que al Brit Pop le faltaba.