SLOWDIVE - SOUVLAKI

 

A principios de los noventa, el shoegaze gozaba de respeto en el circuito musical, exponentes como My Bloody Valentine, Ride o Lush, editaban sus mejores discos, por su parte, Slowdive, había lanzado en 1991 su primera placa, Just For A Day, sin embargo, conforme la década avanzaba, el público cambió sus gustos, y para 1993, estaban en auge en los Estados Unidos, bandas como Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden, Alice In Chains, máximos exponentes del grunge y del otro lado del Atlántico, venía empujando el brit pop, situación que orilló a géneros como el shoegaze a quedar relegados y alejados de los focos, por lo que, para esos días se vivían los últimos momentos de gloria.

Slowdive publicó Souvlaki para muchos su magna obra y de las últimas producciones representativas del género. Por lo señalado anteriormente, las ventas no fueron las mejores para el disco, puesto que, el shoegaze se encontraba de salida, las críticas fueron mixtas en aquellos días, pero al paso del tiempo, se han unificado y han coincidido en la belleza y calidad de la placa.

La banda buscó para la producción del material al legendario Brian Eno (Devo, U2, James, etc.), pero el productor solo convivió unos días con la agrupación del cual se lograron dos canciones “Sing” y “Here She Comes”, posteriormente, declinó la invitación.

Algo que influyó en la grabación del disco fue la ruptura amorosa de Rachel Goswell y Neil Halstead ambos guitarras y voces, lo cual, se puede notar en algunas de las letras.

El sonido del álbum es melancólico, claro ejemplo, es “Alison”, cuya canción es la que abre y la que muestra lo que vendrá a lo largo de la producción, siendo éste, el tema más reconocido de la banda hasta la fecha.

Slowdive evoca a ambientes etéreos, donde las voces se compaginan y flotan por encima del ruido, las líneas del bajo y las baterías, Souvlaki, tiene un sabor a nostalgia, en donde la soledad, el frío y la distancia parecen ser las mejores compañías.

El grupo con este material dio varios pasos adelante, se consolidó y comenzó a dejar de lado, varias de sus influencias para la definición de su propio sonido, el dream pop, parece haberse desvanecido y el aumento de distorsión y saturación de guitarras, capas de sonido, y los efectos de voz son lo que predominan.

Souvlaki, a más de 30 años de su publicación, sigue intacto ante los estragos del tiempo, se mantiene fresco, y nos lleva a un momento de nuestras vidas donde la belleza emerge como luz dentro de toda la disonancia que se encuentra a nuestro alrededor. Un disco obligado para escuchar.

NIRVANA - IN UTERO

 

Nevermind (1991) significó para Nirvana muchas cosas, un éxito en el público y crítica, una rotación continua en canales de televisión y radios, así como el nombramiento de Kurt Cobain, líder de la generación X y del movimiento grunge, sin mencionar las ventas rotundas de millones de copias alrededor del mundo.

Todo lo anterior, devino al mismo tiempo en puntos negativos sobre todo para Cobain, tuvo decaídas con la droga, él y su esposa Courtney Love, tuvieron problemas durante el embarazo de su hija Frances (le dieron ese nombre debido a la admiración que sentía Kurt por Frances McKee, vocalista y guitarra de The Vaselines), problemas legales con el estado por la custodia de Frances, las notas amarillistas de la prensa, la depresión, los dolores estomacales que padecía y el lidiar con la fama repentina, todo esto fue volcado en la grabación de su siguiente placa.

In Utero (1993), fue el nombre con el que se bautizó al tercer material discográfico de la banda, el titulo fue tomado de un poema escrito por Courtney Love.

A pesar del enorme éxito que fue Nevermind, para Cobain, fue un disco sobre producido por Butch Vig (The Smashing Pumpkins, Garbage, Sonic Youth), para esta ocasión querían un disco menos pulido y sucio, comenzaron platicas con Jack Endino, productor de su primer álbum para esto recurrieron al productor de dos álbumes favoritos de Kurt, Surfer Rosa de Pixies (1988) y Pod de The Breeders (1990), Steve Albini (PJ Harvey, Slint), aunque al final de las grabaciones, el grupo no estuvo contento del todo con el producto y contrataron a Scott Litt (conocido por su trabajo en la etapa más prolífica de R.E.M.)para realizar unos cambios y remezclas para los sencillos “Heart Shaped Box” y “All Apologies”.

“Serve The Servants” inicia con una explosión musical que inmediatamente anuncia que este producto no será igual que el anterior, “Scentless Apprentice”, nos señala el lado más crudo y ruidoso de la agrupación, la letra fue inspirada en el libro “El Perfume” de Patrick Süskind, “Heart Shaped Box”, primer single y el único que cuenta con video oficial, dirigido por Anton Corbijn (U2, Depeche Mode, Travis, Johnny Cash, Metallica, Red Hot Chili Peppers).

“Rape Me”, canción censurada por Wal-Mart que evitó que se vendiera en sus estantes, incluso se fabricó una edición en el cual se le cambió el nombre por “Waif Me”, para su venta en dichas tiendas, fue lanzado al mercado como segundo sencillo en un split junto a “All Apologies”.

“Frances Farmer Will Have Her Revenge On Seattle”, una de las canciones que sigue un poco el método del Nevermind, pero experimenta con el noise, su lírica hace referencia a la actriz Frances Farmer, con la cual, Cobain sintió un poco de paralelismo con su vida, “Dumb” una de las dos canciones más suaves de la banda, con la cual, quisieron expresar otro lado artístico de Nirvana, casi en modo acústico es acompañada por un chelo, “Very Ape”, una canción rápida y corta con doble riff de guitarra y una batería espectacular por parte de Dave Grohl, posteriormente, el riff fue sampleado por The Prodigy en “Voodoo People” de su álbum Music For The Jilted Generation (1994).

Continúa con “Milk It”, tema potente, cercana al punk metal, lenta, aderezada con un poco de noise, acompañada de una voz desgarradora, de los más fuertes en el disco, “Pennyroyal Tea”, es la más melodiosa y la que más se acerca al trabajo anterior, una de las canciones más conocidas de la banda, esto porque se le dio mayor difusión, gracias a la inclusión en MTV Unplugged (1994), para el comienzo del fin se encuentran dos canciones ruidosas, “Radio Friendly Unit Shifter” y “Tourette’s”, la primera habla acerca de las canciones comerciales y la segunda es cortísima, rápida en la que Cobain, se dedicó a gritar, y por última, la antes mencionada “All Apologies”, el segundo tema tranquilo, en la que prácticamente, su autor de despidió de todos no sin antes disculparse y con el cierre a tres voces y el coro repetitivo de “All In All Is All We Are”, canción más pegada al pop, algo que Kurt quería hacer asemejando a los primeros sencillos de The Beatles.

En ediciones europeas y mexicana, se encuentra como track oculto a los 23 minutos 59 segundos después de “All Apologies”, “Gallons Of Rubbing Alcohol Flow Through The Strip”, no viene señalada en el listado de canciones.

Los temas tratados en este álbum, continúan siendo muy diversos, abordan el machismo, suicidio, aborto, desintegración familiar, divorcio, drogas, adicciones, lo que muchos críticos han llegado a considerar como situaciones personales que vivía en esa época Kurt Cobain.

In Utero, vendió menos que su antecesor, y eso era de esperarse debido a lo complejo y poco sencillo de abordar, es un documento importante sobre la década de los noventa, y una muestra del camino que tal vez hubiera seguido la banda, arropando sus cualidades artísticas y dejando de lado lo indicado por la industria musical.

Para muchos, In Utero es el mejor disco de Nirvana, para otros es el punto álgido de creatividad de la corta existencia de la banda, para otros es una buena continuación del Nevermind, sea cual sea la opinión, todas coinciden que es uno de los mejores álbumes del movimiento grunge y de la década de los noventa.

MAZZY STAR - SO TONIGHT THAT I MIGHT SEE

 

So Tonight That I Might See, es el segundo álbum de estudio de la banda californiana, Mazzy Star, lanzado en el año de 1993, con el cual, la agrupación ganó mucho reconocimiento por parte de la crítica especializada y género miles de fans alrededor del mundo.

Mazzy Star, fue formado por Hope Sandoval, (cantante y letrista) y David Roback, (multiinstrumentista y letrista), dichos miembros, en So Tonight…, terminan de forjar su sonido, para lo cual, utilizaron esa voz apacible y tranquila de Sandoval, la que nos remite al dream pop, pues parece que siempre susurra las melodías o que está en modo recitativo, con dejos de tristeza mientras se presenta de manera difuminada, además, conjugan a la perfección diversos géneros como el blues, pop, rock, psicodelia, country, folk, y se muestra la habilidad musical de Roback, ya que, el ambiente del disco, tiene una atmosfera densa, oscura, llena de feedbacks, riffs y slides de guitarra, que le dan ese sello único y distinguible a la banda.

Si bien, lo presentado en su primera placa She Hangs Brightly (1990), enseña los caminos a seguir del grupo, aquí lo confirman y con creces lo superan, realizando joyas de canciones y a partir de este punto, su nombre se convertiría en leyenda.

“Fade Into You”, es el inicio del material, himno indiscutible de la banda, con la cual, muchos de nosotros conocimos al grupo, la carta de presentación para la mayoría de sus fans, fue lanzado como sencillo, teniendo una alta rotación en MTV, otorgándole gran popularidad a los californianos, y como consecuencia, altos posicionamientos en las listas de popularidad y grandes ventas, todo un clásico de la década de los noventa, la canción contó con dos videos uno dirigido por Kevin Kerslake, siendo la versión más conocida, y otro, uno más sencillo grabado en tonos monocromáticos.

El álbum no tiene desperdicio alguno, en sus 52 minutos de duración, tiene grandes composiciones como la perfecta “Mary Of Silence”, el cover de Love, “Five String Serenade”, la que resulta ser, una bella canción, con sus arreglos sutiles de cuerdas, “Bells Ring” y “Into Dust”, maravillas envueltas en un halo misterioso y melancólico, “She’s My Baby”, canción más fuerte y directa, y, el magnífico cierre del álbum con el tema que le da nombre al disco, "So Tonight That I Might See", inmerso en una psicodelia, cuya duración de siete minutos nos mete en un trance hipnótico arrullados por esa voz de ensueño de Hope. El sonido de este material es melancólico, pero nunca es deprimente.

Este álbum dejó el listón muy alto para la banda, posteriormente, sacaron un irregular Among My Swan (1996), se desintegraron y se reunieron en 2010, lanzando el increíble Seasons Of Your Day (2013) y un EP Still (2018), durante su última reunión, el dúo dio conciertos esporádicos, siendo el último a la fecha, antes de la muerte por cáncer en 2020 de David Roback, el que realizaron en la Ciudad de México en 2019, con motivo del Festival Nrmal.

El legado de Mazzy Star, permanece intacto y con el tiempo ha generado mayores adeptos, a más de treinta años de su creación, su influencia es tan grande en la actualidad, que su sonido se permea en bandas de gran reconocimiento de las últimas décadas como The XX y Beach House.

So Tonight That I Might See, es uno de los puntos más altos de la trayectoria de la agrupación, es un álbum mágico, misterioso, encantador, con una voz angelical, que hipnotiza, sacada de nuestros sueños más profundos, So Tonight…, nos atrapa y nos enamora del sonido inigualable de Mazzy Star, con cada escucha, un clásico noventero y de la música contemporánea.

THE BREEDERS - LAST SPLASH

 

The Breeders nació como un proyecto alterno de Kim Deal, ex bajista de Pixies, derivado de la inquietud por expresar todas sus ideas musicales, ahora en la guitarra principal, y que obviamente no podía hacer en su banda madre, para 1990, lanzó junto a Tanya Donelly, integrante de Throwing Muses (guitarra), Britt Walford (batería), Josephine Wiggs (bajo) y Carrie Bradley (violín), su álbum debut Pod, el cual tuvo un recibimiento aceptable.

Para 1993, Pixies, se había desintegrado y The Breeders se convirtió en la banda principal para Kim, en la cual, hizo unos cambios de alineación, Donelly se alejó del proyecto para enfocarse en su nueva banda Belly y reclutó a su gemela Kelley Deal en la guitarra de apoyo, la incorporación de Jim MacPherson en lugar de Walford en la batería y la separación de tiempo completo de Bradley, para conformar su alineación más exitosa y regular de su carrera.

Last Splash, es una explosión fresca de ideas, en el que convergen muchos estilos, punk, pop, rock, garage, hard rock, country, folk, surf, experimental y se hacen notar las influencias de la líder desde Blondie, The Beatles, Sonic Youth y por supuesto, Pixies, pero todo esto plasmado, lo convierte en un disco sencillo, melódico, cautivante, completamente disfrutable, con grandes canciones y que, por mucho, superan a su primer intento.

En plena libertad creativa, Kim, se hizo cargo de la producción y nos brindó grandes y entrañables hits como “No Aloha”, “Saints”, “Divine Hammer”, que fueron sencillos del disco, también, se incluye la canción más conocida y popular de la banda “Cannonball”, un clásico de la agrupación y de la década, fue un éxito en toda la extensión de la palabra, les permitió vender miles de discos e incluso andar de gira con Nirvana, dicho video tuvo muchísima rotación en MTV, y colocó a la banda entre lo más popular del rock alternativo de aquellos días, el video para este tema, fue dirigido por Spike Jonze y por Kim Gordon, bajista de Sonic Youth, (también realizaron el video de “Divine Hammer”), y que a la postre, Kim Deal, le regresó el favor, participando en las vocales y en la aparición del video de "Little Trouble Girl" del disco Washing Machine (1995) de Sonic Youth.

También, se incluyen grandes joyas como “Invisible Man” y “Do You Love Me Now?”, ésta última, es una hermosa melodía con una letra un tanto doliente, considerada como una de las mejores composiciones de la banda; temas instrumentales muy emocionantes como “Roi”, que es toda una experimentación sónica, la frenética “Flipside” y, “S.O.S.”, con un sonido directo del garage, fue sampleada por The Prodigy, en su canción “Firestarter”, perteneciente a su álbum de 1997, The Fat Of The Land, asimismo, “I Just Wanna Get Along” para su disco Invaders Must Die de 2009; “Drivin’ On 9”, cover de la banda folk Ed’s Redeeming Qualities, tema excelso y elegido para encaminarnos al final del álbum, en el cual, el violín se lleva la parte principal de los arreglos, dicho instrumento fue grabado por Carrie Bradley, haciendo un tema inolvidable de este formidable material.

Después del rotundo éxito de Last Splash, The Breeders, no fue lo mismo, tuvieron problemas relacionados con las drogas, con la justicia, y cada uno de los integrantes se enfocó en sus propios proyectos, se separaron durante años, han sacado discos, pero ninguno como este.

Durante 2013, dieron una gira con motivo de la celebración de los 20 años del lanzamiento de este material, lanzando una edición especial, en el que se incluyen, lados B, demos y canciones grabadas en vivo de aquella época, incluso, llegaron a pisar México en el Festival Corona Capital de ese año, tocando el disco entero de inicio a fin.

Last Splash, es un disco memorable de los noventa, que, a sus casi 30 años, suena bien, es interesante, y es punto a visitar para cualquier melómano.

FOBIA - LECHE

 

Para 1993, Fobia lanzó su disco más arriesgado, después de tener un éxito relativo con sus dos primeros álbumes, Fobia (1990) y Mundo Feliz (1991), la banda creó lo que a la fecha es su disco más sólido y contundente, Leche, en su lanzamiento fue ignorado tanto por la crítica como por el público, y debido a sus bajas ventas, solamente se lanzó un sencillo, el controvertido “Los Cibernoides”, asimismo, fue el último disco en el que participó Gabriel Kuri (baterista original).

Fobia siempre fue acusado de no seguir un patrón de ciertas características que “debían” tener los rockeros mexicanos, ya que su líder Leonardo De Lozanne, era un tipo galán, con una voz educada, las letras de Francisco Huidobro, siempre fueron inteligentes, llenas de imágenes y divertidas, la banda exploraba sonidos muy diferentes a sus contemporáneos (Caifanes, Café Tacvba, Maldita Vecindad, Santa Sabina, Neón), y su imagen fue criticada hasta el cansancio, tachándolos de banda fresa, lo cual, el tiempo se encargó de poner en el lugar adecuado a la banda, a su música y en especial a este disco, puesto que, poco a poco, se fue convirtiendo en material de culto, y su contenido fue querido por los fans de la agrupación.

El grupo se pasea por diversos géneros desde la apertura de “Plástico”, con flautas y música andina explotando con riffs poderosos; pasando por la mencionada “Los Cibernoides” una canción intencionadamente pop, que cuestionaba a los grupos poperos producidos por Televisa; llegando al funk y cachondeo de “Fiebre”, inspirada en las películas porno de los 70’s; el hard rock de “No Me Amenaces”; atravesando por el bossanova de “Miel Del Escorpión”, canción amada por los seguidores del grupo; “Perra Policía” con su homenaje al rap metal noventero; llegando a la psicodelia de “Regrésame A Júpiter”, tema que a la misma banda sorprendió en su momento, porque el público la pedía en sus conciertos y que hoy en día, es parte de la columna vertebral de sus presentaciones; “Maten Al DJ”, con sus obvias referencias a la música disco, que te invita a echar desmadre y a pasarla bien, todo con scratcheos incluidos; y para terminar, “Tu Me Asustas”, pieza sublime, hermosa y una letra encantadoramente poética, haciendo guiños a “A Day In The Life” de The Beatles, y concluye con la divertida “Jonathan”, cuyo tema está cargado de sexualidad y doble sentido.

Leche, es uno de los pilares del rock mexicano, mediante el cual, la banda se ganó el respeto de propios y extraños, por la calidad musical, que entregaron en esta producción discográfica, vanguardista, adelantado a su tiempo, simplemente es su obra maestra.

PEARL JAM - VS

Después del éxito tardío que obtuvieron con su grandioso álbum debut Ten, Pearl Jam, estaba obligado a entregar un material de una mayor calidad sonora y que superara las ventas de su antecesor. Ante esta presión la respuesta del grupo fue alejarse totalmente del sonido del Ten y entregaron un disco consistente, maduro, pero más crudo y agresivo.

Vs rápidamente se convirtió en todo un éxito comercial, si tomamos en cuenta que el apoyo televisivo y radial fue casi nulo por parte de la banda, ya que se negaron a realizar videoclips o a escoger sencillos que ayudaran a la promoción del mismo; sin embargo fue bien acogido por la prensa especializada y por los fans.

Aquí se encuentran grandes clásicos como "Animal", "Rearviewmirror", "Go" e incluso nos brindan baladas potentes como "Daughter"; "Elderly Woman Behind The Counter In A Small Town" es un todo un himno generacional. Este es un punto muy alto en la carrera de Pearl Jam, las letras de Eddie Vedder empiezan a realizar tanto críticas sociales como políticas, y así lo muestran en "Glorified G", "Blood" y  "Rats". El disco lo produjo Brendan O'Brien que se convertiría en su productor de cabecera por varios años más.

Este disco definió la trayectoria de la banda, sin alcanzar la grandeza musical de su debut, pero otorgando un material sumamente intenso y digno de escuchar.

THE SMASHING PUMPKINS – SIAMESE DREAM

Después del relativo éxito de su álbum debut Gish de 1991, The Smashing Pumpkins tomó por asalto al mainstream y calló la boca de todos sus detractores quienes los habían catalogado como simples imitadores del movimiento grunge de aquellos años, y entregaron uno de los discos de rock contemporáneos mejor logrados de todos los tiempos.

A pesar de todos los problemas que enfrentó la banda durante la grabación del disco, tanto la adicción al alcohol y drogas de parte de Jimmy Chamberlin (batería), como la separación de la pareja James Iha y D’arcy (guitarra y bajo respectivamente), y las depresiones de Billy Corgan (guitarra y voz), se reunieron nuevamente con Butch Vig, quien en su historial ya tenía en 1993, producciones altamente exitosas como el Nevermind de Nirvana y Dirty de Sonic Youth, e incluso grabó el primer disco de la banda, y realizó uno de los discos más importantes de la década.

Con una influencia muy notoria de Sonic Youth, The Smashing Pumpkins continuó su camino con Siamese Dream, con letras sumamente introspectivas, un sonido fuerte que hace recordar al goth rock o al progresivo, la banda mostró que tenía calidad tanto musical como líricamente hablando, convirtiéndolos en una banda de culto, incluso son de las pocas bandas de hard rock que utilizan instrumentos de cuerda convirtiendo a “Disarm” y “Space Boy” en unas estupendas bellas piezas sinfónicas.

Los sencillos que se desprendieron del álbum, inmediatamente se hicieron himnos de la generación X, “Today”, “Rocket” y “Cherub Rock”, los cuales fueron éxitos rotundos al tener una alta exposición tanto en los canales de videos como en las radios internacionales; canciones como “Quiet” y “Geek U.S.A” tienen capas de guitarras y feed backs, un tanto al estilo de My Bloody Valentine, esto cortesía de Corgan y Butch Vig.

Siamese Dream, hizo que el mundo se fijara en The Smashing Pumpkins, gracias a la innegable calidad de álbum y de la banda, que se alejó de todo tipo de estereotipos haciendo de este álbum uno de los más exitosos, finos y sin duda piedras angulares de la década de los 90’s, siendo toda una inspiración para las generaciones venideras.

DEPECHE MODE – SONGS OF FAITH AND DEVOTION

Para lograr este álbum, Depeche Mode se encontró en medio de un torbellino de incertidumbres, ya que fue la etapa mas difícil del grupo, puesto que Dave Gahan se había ido a vivir a Estados Unidos y lo hacia como todo un “rockstar”, envuelto en problemas de drogas, además de ser influenciado por el estilo del sonido grunge; Martin Gore se desentendía cada vez mas del grupo, enfocándose en sus proyectos solistas; Andrew Fletcher y Alan Wilder tenían conflictos entre sí, siendo este ultimo, quien cargo todo el peso de aquellos problemas y posteriormente renunciaría a la banda, y por si todo esto fuera poco, tenían los focos, la atención y la presión de superar su exitoso álbum Violator, pero Depeche Mode consiguió reflejar todo esto en uno de sus mejores trabajos.

Songs Of Faith And Devotion, marca un cambio radical en el sonido del grupo, se incluyen guitarras fuertes y estridentes como en “I Feel You”, además de involucrarse mas en el rock, esto debido a que en aquellos días, el sonido americano del grunge dominaba la escena musical, también las letras son muy introspectivas “Walking In My Shoes”, “In Your Room” son ejemplos claros; un tema muy dominante en este material es el religioso “Judas” y “Condemnation”, este ultimo incluso se ayuda de coros góspel, haciéndolo un tema sumamente acústico y dejando en segundo termino a la electrónica.

En ese momento, Depeche Mode adquirió una imagen y sonidos totalmente obscuros, haciéndonos olvidar por completo su imagen suave y pop de sus inicios en la década de los 80’s, y que en su ultimo álbum Violator de 1990, ya comenzaba a cambiar gracias al gran Anton Corbijn.

Songs Of Faith And Devotion, es uno de los álbumes indispensables de DM, salió en el momento oportuno para que la generación X, adoptara a una banda que siendo electrónica, se pudiera identificar con el sentir de la juventud de los 90’s y le dio larga vida a una banda legendaria.

BJÖRK – DEBUT

El titulo de este álbum, es irónico ya que Björk en 1993, ya contaba con amplia experiencia, lanzando su primer álbum solista en 1977 a la edad de 11 años, y durante la década de los 80’s formó parte de esa gran banda de culto “The Sugarcubes”, por lo tanto, para este disco comenzó a experimentar como nunca antes, logrando uno de los mejores discos de la historia.

Björk explora en Debut, diversos paisajes sónicos y las atmósferas creadas gracias a la ayuda del productor Nellee Hooper son únicas, además que, el territorio musical es tan diverso y basto, que va y viene entre la música electrónica, pop, sonidos orientales, dance, house, trip hop y un sinfín de géneros que a pesar ser tan amplio, logra crear y establecer un inigualable sello, puesto que su voz e inteligencia ayudan para tal diversificación, auxiliándose en una amplia variedad de instrumentos ya sean de viento, secciones de cuerdas, percusiones, entre otros tantos que le dan ese toque de único a Debut.

Este es el trabajo más bello de Björk, consiguiendo canciones tan románticas como “Like Someone In Love”, que a ritmo de arpa expresa sus más profundos sentimientos, o por ejemplo, “The Anchor Song”, muestra las cualidades de la cantante islandesa para crear ambientes con su voz solitaria en medio del océano; también aquí se incluyen canciones icónicas como “Venus As A Boy”, incluida en el soundtrack de la película de Luc Besson, The Proffesional, en la que participa en la instrumentación el productor de ascendencia hindú, Talvin Singh y, “Big Time Sensuality”, sin mencionar las que pueden ser himnos en las pistas de baile como “There’s More To Life Than This” y “Violently Happy” o las hermosas “One Day” y “Come to Me”, en las que nuevamente destacan las contribuciones de Singh.

Y a partir de ese momento, Björk no solo se concentró en hacer música de altísima calidad, sino que en el mundo de los videos, también sorprendió utilizando a grandes directores para su promoción como lo son Stéphane Sednaoui, Sophie Muller, Jean-Baptiste Mondino y el genial Michel Gondry.

De este álbum, se puede hablar muchísimo, pero es cierto que en su momento sorprendió al mundo y hoy en día sigue estando tan fresco y vigente, como en el lejano año de 1993; además que esta placa anunciaba que habría demasiado que ofrecer y explorar en el futuro de parte de la islandesa.

NOTA: Las primeras ediciones del disco contienen 11 canciones, posteriormente se agregó como Bonus Track “Play Dead”, que formó parte de la banda sonora de The Young Americans.

THE CRANBERRIES – EVERYBODY ELSE IS DOING IT, SO WHY CAN’T WE?

Cuando The Cranberries, llego a la escena musical, el mundo estaba viviendo la explosión del grunge, las guitarras estridentes y letras depresivas, dominaban el mercado, pero Dolores O’Riordan y compañía, hicieron las cosas diferentes con una imagen muy fresca, algo muy irónico para el titulo de su álbum debut.

El sonido de Everybody Else... coquetea entre el rock suave y el pop, pero manteniendo una estructura muy interesante en el disco, esto se lo deben al gran productor Stephen Street, quien había trabajado anteriormente con Morrissey, y es quien ordena las ideas de los integrantes para lograr esa línea tranquila y bien cuidada sin caer en el aburrimiento.

En este álbum, se encuentran dos de las canciones más recordadas y famosas de The Cranberries, “Linger” y “Dreams”, esta última fue un éxito mundial y la canción más comercial del grupo.

“I Still Do”, es la canción perfecta para abrir el álbum, es esplendorosa, con un ritmo abrasivo y notas tan elegantes y precisas que dan pie, para el resto del disco; la voz de Dolores se cuido tanto en esta producción que las melodías parecen hechas para ser cantadas solamente por ella, tal como “Sunday” o “Pretty”, además se hacen acompañar por sonidos tradicionales irlandeses, que le da un toque sofisticado, sin mencionar el sonido acústico que provoca instantes tan etéreos que pareciera un mundo de sueños.

Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We?, es un gran álbum, es uno de los momentos cumbres de la carrera de The Cranberries, simplemente es único e irrepetible, y sumamente recomendable.

SUEDE – SUEDE

En 1993, apareció el álbum debut de Suede, quienes desde el principio atrajeron la atención del público y de la crítica, debido a su imagen y letras, que estaban declaradas abiertamente a la ambigüedad, a la androginia, claramente influenciados por David Bowie y The Smiths.

Este un álbum perfecto, gracias a la lírica de la magnífica combinación de Brett Anderson y Bernard Butler, el primero dándole una imagen al grupo de sensualidad, delineadamente sexy, con un tono de voz totalmente andrógino pero bien definido; y el segundo dándole un toque de glam y punk con ganchos controlados, definiendo así, el estilo del grupo.

Suede con este disco ganó una gran reputación, ya que fué uno de los primeros grupos de la nueva ola de música inglesa, que traía de nuevo a la década de los 90, el sonido de bandas clásicas, desarrollando un estilo propio.

“So Young”, es una gran canción digna de ser la tarjeta de presentación del álbum homónimo de la banda; los sencillos “The Drowners” y “Metal Mickey”, solo reforzaban las ideas que presentaba Suede, llenos de letras inquietantes para ser tan hermosas melodías; la casi teatral y dolorosa “Pantomime Horse”, se oye esplendorosa debido a la voz de Anderson; canciones como “Sleeping Pills”, muestran el lado sensible de Suede; y para cerrar el disco se encuentra “The Next Life”, la cual a pesar de ser muy triste, es una de las mejores canciones del disco y del grupo.

El disco obtuvo en 1993, el Mercury Prize, el premio más importante en la música en Inglaterra.

Este es uno de los mejores discos ingleses de todos los tiempos, debido a su excelente composición, a su música sincera y profunda; un clásico instantáneo, que inspiró a muchos de su generación.