NO DOUBT - TRAGIC KINGDOM

 

A lo largo de la década de los noventa hubo bastante presencia femenina en la escena musical, sobretodo en la denominada alternativa, ya sea como solistas, Alanis Morissette, Fiona Apple, por mencionar algunas o encabezando alguna banda como The Cranberries, Garbage, etc., entre esa camada se encontraba No Doubt, con Gwen Stefani al frente del grupo, en 1995, lanzó su tercera placa el multireconocido, Tragic Kingdom.

Con sus primeras producciones, no tuvieron el éxito ni las ventas que la banda y la discográfica querían, sin embargo, todo cambió para este disco, hubo muchas circunstancias que modificaron el rumbo de su estilo y el destino de No Doubt, entre ellas, el disco fue lanzado por una compañía internacional, Interscope Records; Eric Stefani (tecladista), era la mente maestra detrás de la agrupación, así como, su letrista y productor, pero se alejó en el inicio de las grabaciones del disco y se enfocó en su trabajo en “The Simpsons”; Gwen Stefani, tomó el cargo de las letras, pero ella y Tony Kanal (bajista), terminaron su relación sentimental de 7 años, lo que influyó directamente en la lírica y estilo de la banda.

Sin dejar de lado sus raíces ska, abordaron diversos géneros como: funk, pop, dancehall, disco, rock, balada italiana, punk, alternativo, new wave, reggae, incluyeron instrumentos hasta el momento nuevos para su sonido como la citara, el violonchelo, y continuaron con el uso de trompetas, saxofón, trombón, la mezcla de todo esto, hicieron que se creara un nuevo y definitorio estilo para la banda.

Todo lo anterior, se escucha en retrospectiva, suficiente para obtener el éxito inmediato, sin embargo, casi un año después de su lanzamiento, el disco comenzó a llamar la atención del público, con el sencillo “Don’t Speak”, a partir de este punto, no hubo vuelta atrás para el grupo, las ventas se dispararon y los críticos lo reseñaron de manera positiva.

Fue tan increíble el éxito del disco que hasta en 1998, se lanzó el último single, “Hey You” y con él, fueron otros seis, “Just A Girl”, declaración femenina muy ad hoc con la época, y se unió a las mujeres que levantaban la voz, “Spiderwebs”, canción que abre el material, y en el que se nota inmediatamente el nuevo sonido de No Doubt, la letra es un tanto oscura, ya que habla de un acosador, “Excuse Me Mr.”, con toda la base ska, nos remite a sus inicios, “Sunday Morning”, una canción en sonido divertida, pero que habla sobre el término de la relación Stefani y Kanal, “Happy Now”, con guiños al new wave, y la mencionada “Don’t Speak”, una clásica instantánea del grupo y de la década, infaltable en su repertorio.

La otra mitad del álbum, tiene grandes canciones como “The Climb”, balada in crescendo, en la cual, se explota la voz de Gwen, “End It On This”, otra balada bien elaborada e intensa, con dejos de rock alternativo, “Sixteen”, navega entre el rock y reggae, también se encuentran “Different People”, “You Can Do It” y “World Go’ Round”, para finalizar la obra, está la que le da el nombre al disco “Tragic Kingdom”, composición de Eric Stefani, la cual comienza con sonidos de abordaje a un avión y termina con un planeado y desastroso desorden; en honor a Eric, se permitió incluir sus créditos como compositor y se le invitó a que participara en las fotos del booklet desde la portada como al interior de él, aunque, ya no estuviera en la banda.

La portada es un homenaje a Orange County, el lugar en el que crecieron por eso se utiliza a lo largo del empaque a la naranja que es el símbolo del lugar, incluso el guiño, se presenta en el video de “Don’t Speak” y el nombre del disco es una referencia a Disneyland.

De los sencillos emitidos, solamente 5 tuvieron videos musicales, “Just A Girl”, dirigido por Mark Kohr (Primus, Alanis Morissette, Green Day, A Perfect Circle, Shakira, Tori Amos), “Spiderwebs” por Marcus Nispel (Faith No More, Bush), “Excuse Me Mr.”, “Sunday Morning” y “Don’t Speak” por Sophie Muller (Blur, Shakira, Garbage, Coldplay, The Cardigans, Sinead O’Connor, Björk, Hole, Jeff Buckley, PJ Harvey, Manic Street Preachers, etc.).

Tragic Kingdom, se convirtió en un parteaguas en la carrera de No Doubt, y en un clásico de los noventas, Gwen Stefani, fue el estandarte de muchas mujeres de aquellos días y todo un símbolo para MTV, es un gran álbum y fue lanzado en el momento justo, aprovechando el cambio generacional y musical de la década.

MAD SEASON - ABOVE

 

Mad Season, fue una banda conformada por varios elementos de grupos de la escena de Seattle, a la cual, se le denominó como supergrupo, dichos integrantes fueron Mike McCready (guitarra) de Pearl Jam, Layne Staley (cantante) de Alice In Chains, Barrett Martin (batería) de Screaming Trees, y el bajista John Baker Saunders, y por sus filas pasaron Mark Lanegan (cantante y coros) de Screaming Trees y Queens Of The Stone Age, Chris Cornell (vocales) de Soundgarden, Duff McKagan (bajo) de Guns N’ Roses, Matt Cameron (batería) de Soundgarden y Pearl Jam y Skerik (saxofón y percusiones), una alineación envidiable.

Para el único disco grabado de la banda Above, estuvieron los primeros cuatro integrantes antes mencionados más la colaboración de Lanegan en cinco canciones y Skerik en dos temas, los demás fueron incluidos en posteriores reuniones, derivados de los fallecimientos de Staley y Saunders.

Above, es un álbum lleno de riffs, sentimientos, oscuridad, furia, calma, estructuras musicales bien armadas, y se nota que cada una de las canciones salieron de la improvisación, asimismo, es notoria la participación de cada uno de los integrantes, todos los instrumentos, melodías y voces, brillan con luz propia, sin opacar al otro, el virtuosismo de cada uno de los miembros está presente en uno de sus mejores momentos, se escuchan inspirados, fuertes y lo más importante, que tanto el álbum como la banda, tienen personalidad propia a pesar de que los proyectos principales de sus integrantes son grandiosos, no se escucha como ninguno de ellos (Pearl Jam, Alice In Chains y Screaming Trees).

Abarcan muchos géneros que van desde el grunge, hard rock, folk, blues sin perderse en el camino, es un rock melodioso, con estructura rítmica bien definida y uno de los mejores trabajos interpretativos de Layne Staley.

La voz de Staley, en este álbum, destaca por sí sola, no deja de lado la oscuridad de su banda madre, sin embargo, la profundiza y brinda una paleta de tonalidades difíciles de igualar, le da un sello distintivo y característico al proyecto.

La elaboración y composición del disco fue realizado en momentos de espontaneidad, los miembros se dieron la libertad creativa de ir plasmando sus ideas, McCready y Saunders se conocieron en rehabilitación y al regresar a Seattle formaron la banda invitando a Martin, y posteriormente, a Staley, quien también pasaba por un proceso de sobriedad y desintoxicación, lo que facilitó la lluvia de ideas y el jameo, lo que condujo a que el material se compusiera en unas pocas semanas.

El disco inesperadamente fue un éxito de ventas, lanzando al mercado tres sencillos, “Long Gone Day”, “I Don’t Know Anything”, ambos fueron singles para radio y la canción más conocida de la banda y principal sencillo, “River Of Deceit”, cuyo video es el único en la historia la agrupación, fue dirigido por Josh Taft, conocido por su trabajo con Pearl Jam, Stone Temple Pilots, Cypress Hill, Alice In Chains, Mother Love Bone, entre otros.

Above fue producido por Brett Eliason, quien estuvo en la mezcla de álbumes de Pearl Jam, (Vs., 1993 y Vitalogy, 1994), así como del álbum homónimo de Temple Of The Dog y en el soundtrack de Singles (1992).

La portada de la placa, fue una creación de Layne Staley, en la que quedó inmortalizado, tomada de una fotografía, en la que aparece junto a la que fue su novia, Demri Lara Parrot, quien lamentablemente falleció en 1996, por una inflamación del corazón producida por el consumo de drogas.

Above, es una maravilla del rock de los noventa, y una afirmación del virtuosismo y talento de cada uno de sus integrantes, en un momento de lucidez, y alejados de la sombra de sus bandas origen, es un gran legado, que hoy a casi 30 años de su lanzamiento, se escucha fresco, sin duda, un gran clásico de aquella década.

ELASTICA - ELASTICA

 

En 1995, cuando Elastica lanzó su álbum debut homónimo, fue una gran excepción a los géneros dominantes en aquellos días, estaba lejos del brit pop, porque mientras Suede, enfatizaba su sonido en el glam, Oasis en el rock clásico, Blur en su eclecticismo musical, Pulp en letras centradas en la diferencia de clases sociales, Elastica, se encontraba ahí, haciendo canciones más enfocadas en el punk, garage, pop, sin embargo, tampoco encajaban con lo que se producía del otro lado del Atlántico, no sonaban a nada parecido con el grunge, tampoco conectaban con el movimiento riot grrl, ni tampoco se les podía comparar con bandas lideradas por mujeres como Hole, ni siquiera vestían igual, es más a Justine Frischmann, no le agradaban dichas actitudes, y también se encontraban lejos de sus similares como Sleeper o Republica, ni siquiera con Alanis Morissette o Tori Amos, por mencionar algunas.

Su sonido era un poco más sucio con canciones rápidas y efectivas, con ganchos pegadizos tipo The Talking Heads o Blondie, tomando un poco de Weezer, y sus letras hablaban de groupies, sexo y relaciones co-dependientes, una absoluta libertad es la que refleja este álbum, la banda tenía un sonido único y propio, sonaban a todo y a nada a la vez.

La prensa británica quedó fascinada con el álbum incluso antes de su lanzamiento, con los sencillos “Stutter” y “Line Up”, promocionados con más de un año antes del debut de estudio, Justine Frischmann, tuvo a inicios de la banda una relación con Brett Anderson, líder de Suede, y eso llevó a que indagaran en su vida personal, poniendo el alto el nombre de su banda, incluso una de las canciones que compusieron juntos se incluye en este disco, la cual es “See That Animal”.

Una vez terminada la relación con Anderson, la prensa se enfrascó ahora en su nueva pareja, y no era para menos, si era Damon Albarn, cantante y líder de la entonces sumamente popular banda Blur, incluso les pusieron el apodo de la “Primera Pareja del Britpop”, cuando se realizaron las grabaciones del álbum, y teniendo esa relación, Damon Albarn es acreditado por tocar los teclados, bajo el seudónimo de Dan Abnormal, dicha participación fue en las canciones “Car Song”, “Indian Song” y “Waking Up”.

Los riffs sencillos, la música melodiosa y pegadiza, así como la imagen andrógina de Frischmann, impulsaron la carrera fugaz de la banda, en canciones como “S.O.F.T.”, suenan fuertes y toman elementos de Weezer, pero mantienen su propia personalidad, el tema “2:1”, un tanto oscuro y lento, llamó la atención de Danny Boyle, que decidió incluirla en una de las escenas del filme Trainspotting (1996) y agregarlo en su prestigioso soundtrack.

El álbum fue un éxito rotundo en el Reino Unido fue el debut vendido más rápido, quitándole el trono a Definitely Maybe de Oasis, logrado un año antes, asimismo, fue nominado al Mercury Prize de 1995, junto al Leftism de Leftfield, el mencionado Definitely Maybe de Oasis, To Bring You My Love de PJ Harvey, I Should Coco de Supergrass, Maxinquaye de Tricky, entre otros, todos maravillosos álbumes, perdiendo con el no menos fabuloso Dummy de Portishead.

El éxito se reflejó en el desprendimiento de cinco sencillos, los previamente lanzados “Stutter”, “Line Up”, “Connection”, así como “Waking Up” y “Car Song”, esta última con video dirigido por Spike Jonze, y sin dejar de mencionar que, “Connection”, es la canción más representativa de la banda, con un video emblemático, que a la fecha sigue rotando en los canales de música o bien, la canción aún es elegida para series o películas.

Elastica, es un gran álbum debut, que no se dejó eclipsar por sus contemporáneos, tiene vida y personalidad propia, es una joya dentro de la música, es una lástima, que la banda ya no existe, y que después de este álbum sacaron otro más, The Menace (2000), que no tuvo ni la mitad del impacto de este y que, entre otras causas, llevó a la posterior desintegración de la banda, pero nos dejaron una obra atemporal, que sigue sonando muy fresca y vigente.

PJ HARVEY - TO BRING YOU MY LOVE

 

PJ Harvey en 1995, lanzó al mercado su disco hasta esa fecha, el más comercial, y uno de los más queridos por el público y de los más elogiados por la prensa mundial.

To Bring You My Love, muestra a una artista completa, con una madurez musical, en plena forma y crecimiento artístico, en el que sus letras, reflejan su personalidad, creando personajes en cada una de ellas, y tal vez, refugiándose en esas letras duras, crudas, enigmáticas, llenas de sensualidad, sin dejar de lado, la rabia, la furia con la que la conocimos en los días de Dry (1992) y Rid Of Me (1993), pero en ese momento, convertida en una femme fatale.

El tercer disco de la artista inglesa, está sumamente influenciado por el blues, con sonidos oscuros, cautivadores, en donde el rango vocal de Harvey se hace presente a veces es seductora, en otras grita con desesperación, en otras es penetrante y oscura, es dura y directa, no abandona el sonido rockero de su guitarra, pero abre su abanico musical con la inclusión de teclados con gestos de teatralidad y con metáforas e imágenes percibidas en sus letras, exponiéndose en cada momento, mostrando su fragilidad y a la vez, se fortalece como mujer.

La evolución entre cada trabajo de Polly Jean Harvey, es notable, en sus dos primeros intentos, tenían esa carga punk, rockera, lo-fi, con guitarras sucias, lastimosas y rasposas, pero ahora, en este punto, suena refinada sus pasos son más calculados y su sonido es más pulido.

Su imagen cambió, dejó de lado su sencillez en el maquillaje, prácticamente nulo en sus primeros años y asumió una actitud de por sí desafiante, pero ahora remarcada por el exceso de maquillaje en los ojos y los labios rojos, incluso, este es, oficialmente el primer disco lanzado como solista, anteriormente, lo hacía con otros músicos, pero eran presentados como trío.

Es la primera colaboración de John Parish, amigo suyo, desde sus primeros intentos en la escena, y que, a partir de aquí, sería su colaborador inseparable, también en la producción, contó con Flood, quien había trabajado en álbumes tan importantes como The Joshua Tree (1987) y Achtung Baby! (1991) de U2, Pretty Hate Machine (1989) y The Downward Spiral (1994) de Nine Inch Nails, Violator (1990) y Songs Of Faith And Devotion (1993) de Depeche Mode.

Con solo 10 canciones y 43 minutos de duración, PJ Harvey, nos mostró la mutación que ella solo podía realizar de un disco a otro, canción tras canción, se escucha fuerte, oscura, intensa, experimental, para muestra, la encargada de abrir el material, la que da título al disco “To Bring You My Love”, una canción oscura, cuyo riff nos hipnotiza, nos cautiva, es un track minimalista, la línea inicial de la letra hace referencia a “Sure’nuff ‘n’ Yes I Do” de Captain Beefheart.

“Meet Ze Monsta”, es un tema teatral, lleno de guitarras, el cual tiene reminiscencias industriales, la cantante asume otro rol, no parece la PJ Harvey, que habíamos conocido, es diferente cambia con cada tema.

“Working For The Man”, tiene una batería seductora, teclados oscuros que logran un ambiente misterioso y un bajo profundo, mientras las letras metafóricas, nos llevan a una mujer buscando un amante, buscando lo que ella desea, destaca la voz por su sonido fúnebre oscuro, deseoso.

“C’Mon Billy”, es uno de los sencillos del álbum, casi acústica, una letra desesperada en el que una mujer rompe con su pareja, y con el deseo que el hombre, conozca a su hijo, pero sabemos que ese solo es el pretexto para que el regrese, el canto es intenso, lastimoso, con una tristeza absoluta, representa la ausencia e imposibilidad del regreso del ser amado. Uno de los temas mejor logrados en la carrera de la cantante.

“Teclo”, una canción minimalista, desborda pasión, emociones, muy blusera, donde la guitarra domina, los solos son profundos, con un paisaje oscuro, aquí el protagonista pide que le manden de nuevo a su amor, inspirada por Teclo, personaje interpretado por Charles Bronson en la película The Guns From Saint Sebastian, destaca la utilización del cencerro por parte de la cantante.

“Long Snake Moan”, es la canción más rockera del álbum, después del bajón que nos da con el track anterior, aquí explota, las guitarras saturadas se hacen presentes, es un éxtasis emocional, una voz potente, rabiosa; el título de la canción hace referencia a “Black Snake Moan” de Blind Lemon Jefferson, cantante y guitarrista de blues de los años 20’s.

“Down By The Water”, el sencillo que encabezó el lanzamiento del material, tal vez, el más exitoso en la carrera de la inglesa, con este track, ganó reconocimiento y exposición debido a la alta rotación que recibió en MTV, incluso el video dirigido por su siempre colaboradora Maria Mochnacz, apareció en un capítulo del show Beavis & Butthead, la letra es oscura, cuyo tema es centrado en el ahogamiento que realiza una mujer a su hija y aún más si le sumamos ese murmullo tenebroso al final de la canción, que hace referencia a la canción folk “Salty Dog Blue” de Lead Belly.

“I Think I’m A Mother”, nuevamente toma influencia de Captain Beefheart, y a su tema “Dropout Boogie”, es una canción minimalista, en la que, casi se percibe la voz de PJ Harvey, es un lo-fi hipnótico, oscuro, Harvey, asume otro rol y sus vocales se agravan y profundizan, mientras el sonido de la batería se mantiene a lo largo del track.

En “Send His Love To Me”, PJ Harvey, pide desesperadamente el amor de su pareja, con tintes religiosos, aunque es gracioso, porque ella nunca ha estado apegada a lo divino, canción folk con gran manejo de voces, acompañamiento de cuerdas y una guitarra acústica le dan forma al penúltimo track del álbum. Tercer y último sencillo del material.

“The Dancer”, es un maravilloso cierre, con una estructura folk, una batería downtempo, mientras la melodía crece conforme al órgano, aquí la teatralidad de la voz se hace más presente que en los tracks anteriores, el dramatismo que le imprime es impresionante, y el solo de guitarra en modo fuzz es increíble.

To Bring You My Love, tercer material de la artista inglesa, fue reconocido y nominado al Mercury Prize de 1995, compitiendo con grandes clásicos como el debut de Elastica, Leftism de Leftfield, Definitely Maybe de Oasis, I Should Coco de Supergrass, Maxinquaye de Tricky y por el ganador de ese año, Dummy de Portishead.

Este material es una piedra angular para PJ Harvey, es el más exitoso comercialmente hablando y sin duda alguna, un clásico de la década, fuente de inspiración para muchos artistas y bandas, un álbum redondo, completo y arriesgado.

LEFTFIELD - LEFTISM

 

El dúo conformado por Neil Barnes y Paul Daley, conocido en el mundo musical como Leftfield, entregaron en 1995, una obra maestra de la música electrónica, Leftism, un disco que fue una piedra angular de los noventa y un indispensable para cualquier escucha del propio género.

Leftism, es pieza y parte fundamental para el electro, que se estaba quedando estancada a mediados de la década con las abundantes propuestas del dance, techno y house, pero el dúo inglés llevó a la música un paso más allá, junto con actos como The Chemical Brothers, Orbital, The Prodigy y Underworld, y discos como, In Dust We Trust (1995), Orbital 2 o The Brown Album (1993), Music For The Jilted Generation (1994) y Dubnobasswithmyheadman (1994), respectivamente, fueron los pioneros de la escena en sacar álbumes completos y no solo singles, como se hacía en aquellos días, además, que aportaron y le dieron una mayor seriedad, empuje y popularidad al género.

El álbum fue un compilado de nuevas canciones y de otras previamente lanzadas en años anteriores, éstas recibieron un nuevo tratamiento, sonando distintas a las originales, tal es el caso de “Song Of Life” y “Open Up”.

Para la última canción citada, fue invitado a colaborar en las voces John Lydon a.k.a. Johnny Rotten (integrante y líder de Sex Pistols y Public Image Limited), la letra fue escrita por él y es uno de los highlights de Leftfield, así también, decidieron incluir vocales de artistas que no tuvieran nada que ver con la escena, cosa que era, algo distinto en aquella década, así que invitaron a talentos del reggae como Danny Red en “Inspection Check One”, Earl Sixteen en “Release The Presure” y Lemn Sissay en “21st Century Poem”, además de Toni Halliday de la banda Curve en “Original”, esta última debido a que, Neil Barnes, era fan del grupo londinense y es una de las mejores canciones jamás realizadas tanto por el grupo como por actos de electrónica.

El disco fue un total éxito en ventas, fue aclamado mundialmente y adoptado por los clubes, lo que lo convirtió en uno de los más populares de las pistas de baile, asimismo, la crítica alabó el trabajo del grupo y lo posicionó como un clásico instantáneo del género, además, logró colocar cinco sencillos, las mencionadas “Song Of Life”, “Open Up”, “Original”, “Release The Pressure” y “Afro-Left”.

Algo a destacar de esta producción, es que los DJs, combinan sonidos del dub, trance, ambient, house, reggae, incluyen sonidos tribales, percusiones nativas de África e instrumentos innovadores en esa época como el birimbao; tracks como “Melt”, nos mete a un ambiente espacial y nos remite a una sus composiciones, “A Final Hit”, incluida un año después en el soundtrack de Trainspotting de Danny Boyle, además de haber colaborado con dicho director en la banda sonora de su primera película Shallow Grave de 1994.

El disco abre lentamente, con un poco de ambient, con la mencionada “Release The Pressure”, y después de unos momentos, comienza el frenesí, a partir de este punto, nunca bajan la intensidad; podemos encontrar grandes canciones como “Storm 3000”, con influencias de beats estilo jungle, o “Song Of Life”, que es una maravilla, también comienza lento, pero la canción va creciendo de a poco, evoluciona, se desarrolla, nos mete en un trance del que no podemos despertar, hasta que explota en un progressive house, este track, es la joya de la corona.

Todos los temas incluidos son de alta calidad, son inmensos, te ponen a bailar, e incluso con la que se encarga de cerrar el viaje “21st Century Poem”, es una composición que navega en el chill out, pero nunca pierde intensidad, e incluye un track oculto al finalizar el tema.

Leftism, es transgresor, único en su especie, es un álbum definitorio, contundente, sólido, clásico y referente de la música electrónica, un infaltable para los amantes de la música, es un álbum lleno de energía y baile, que hoy, a más de 25 años de su existencia sigue vigente y atemporal y es uno de los mejores discos de todos los tiempos.

TRICKY - MAXINQUAYE

 

Maxinquaye, es una de las obras mejor logradas en la historia de la música, uno de los discos perfectos y redondos que han existido, un álbum influyente para diversos artistas y un obvio referente de la década de los noventa.

El título del disco es, en homenaje a la madre de Adrian Thaws, conocido como Tricky, cuyo nombre estaba compuesto Maxine Quaye, y que se suicidó cuando él tenía cuatro años.

El primer álbum de Tricky, productor, artista, rapero, compositor originario de Bristol, Inglaterra, cuna del colectivo artístico, The Wild Bunch del cual formó parte, y del movimiento denominado Trip Hop, y de grupos como Massive Attack, Portishead y el DJ Roni Size, es una mezcla de distintos géneros, como el ambient, soul, dub, reggae, electrónica, rock, hip-hop y funk, en el que los sonidos misteriosos, profundos, salvajes y perturbadores se conjuntan de manera precisa, aunado a los sampleos exactos y realizados de manera casi quirúrgica, crean un estilo único lleno de claroscuros, en el que las voces angelicales y dulces femeninas hacen contraste con las vocales oscuras de Tricky, dicho sea de paso, la presencia femenil tiene un gran peso en esta producción.

Tricky colaboró en el gran álbum debut de Massive Attack (Blue Lines), aportando letras y voces, en aquel tiempo realizó por su cuenta la canción “Aftermath” que incluye como cantante a Martina Topley-Bird, e intentó que se tomara en cuenta para el álbum, pero este tema fue descartado por la agrupación para la conformación del disco, situación que provocó que Tricky buscara una disquera que ayudara con su lanzamiento y carrera solista, lo cual, logró y metió la canción como parte de su primera producción, en la que se notan, los elementos que distinguirían lo musicalmente producido por el artista.

“Overcome”, es un gran track, el que da inicio a este viaje, es oscura y claustrofóbica, la presentación idónea para el artista y la introducción perfecta al clima de este trabajo, esta canción es una regrabación y su propia versión de la canción de Massive Attack “Karmacoma” del álbum de 1994, Protection, en el que, Tricky aportó voces; “Black Steel”, es un cover a una canción de Public Enemy “Black Steel In The Hour Of Chaos”, del álbum de 1988, It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back, es una canción en el que se sustituye el downtempo original por guitarras y batería poderosas, en el que Martina es la protagonista, haciendo uno de los temas más sobresalientes en la carrera del británico y desmarcándose por completo de la original.

“Hell Is Around The Corner”, es una canción lenta, la voz profunda, misteriosa y tenebrosa de Tricky, contradice a la sutil y suave voz de Martina, aquí samplea, “Ike’s Rap II” de Isaac Hayes, que un año antes fue utilizada por el grupo Portishead en su sencillo “Sour Times” de su álbum debut Dummy.

Entre todos estos sampleos y ambientes generados por el artista, también incluye uno raro, tipo homenaje a The Smashing Pumpkins, aunque a palabras de Tricky, es una banda que no le gusta, pero aun así decidió samplear su canción “Suffer” del álbum Gish de 1991, en el track “Pumpkin”, además, cuenta con la colaboración de la cantante Alison Goldfrapp, quien le pone toda su sensualidad, en el dialogo a dueto con Tricky, ejecutado en la composición.

El funk y soul están en “Abbaon Fat Track”, grandes canciones como “Brand New You’re Retro”, sampleando a Public Enemy y Michael Jackson, y “Suffocated Love”, que se puede decir de “Strugglin’” con los sonidos de un arma cargándose y ese ruido, hipnótico pero perturbador, mientras las voces se escuchan profundas y desesperadas, sino es que asfixiantes, todo esto, es ejemplo, de lo que compone a este discazo, y muestran la habilidad para crear ambientes y el conocimiento musical del cantante.

El disco fue un gran éxito, produjo cinco sencillos a lo largo de su promoción, las mencionadas, “Aftermath”, “Ponderosa”, “Overcome”, “Black Steel” y “Pumpkin”, además, atrajo las miradas de los críticos, y alabaron la elaboración de cada uno de los tracks, también fue seleccionado para competir por el Mercury Prize de 1995, entre los contendientes estaban grandes discos como el álbum debut homónimo de Elastica, Leftism de Leftfield, Definitely Maybe de Oasis, To Bring You My Love de PJ Harvey, I Should Coco de Supergrass y Dummy de Portishead, sucumbiendo con este último.

Contó en la producción con Howie B, conocido por sus trabajos en Post (1995) y Homogenic (1997) de Björk, Walking Wounded (1996) de Everything But The Girl, Pop (1997) de U2, entre otros, y de Mark Saunders, quien trabajó como ingeniero con David Bowie, y en los álbumes Mixed Up (1990) y Wish (1992) de The Cure.

Maxinquaye, es un álbum único en su género, adelantado a su época, innovador, creativo, poderoso, parte de ese trío que, especialistas musicales señalan como pilares del trip-hop, los antes señalados, Dummy (1994) de Portishead y Blue Lines (1991) de Massive Attack. Es un disco indispensable en la colección y un imperdible para entender la evolución de la música contemporánea.

SUPERGRASS - I SHOULD COCO

 

I Should Coco, lanzado en 1995 (año prolífico musicalmente), en medio del auge del brit pop, fue el disco más exitoso de Supergrass, comercialmente hablando, adorado por la crítica y uno de los clásicos de la década de los noventa.

Las influencias de la banda son notorias como T. Rex, The Buzzcocks, The Sex Pistols, The Kinks, The Clash, Madness, su estilo fue muy fresco y renovador del sonido brit pop, muy popular en aquellos días y totalmente opuesto a las propuestas de las cabezas de aquel movimiento (Oasis, Blur, Suede, Pulp, The Verve, Elastica), eran los más jóvenes de aquella camada y tuvieron la desfachatez de tomar la rebeldía, juventud y energía de sus influencias, siendo arriesgado su movimiento pero eso los colocó en lo alto de los gustos de los fans y de la crítica especializada.

El disco comienza de manera frenética, energizante y vertiginosa con “I’d Like To Know”, y no para ni da tregua alguna hasta la canción número 8 con “Sitting Up Straight”, a partir de “She’s So Loose” hasta con la conclusión de la obra con “Time To Go”, se escucha otra banda, una muy madura, en cuestión de letras y música, a pesar de la edad con la que contaban sus integrantes, Gaz Coombes, vocalista y guitarrista (19), Danny Goffey, baterista (21) y Mick Quinn, bajista (26), además son el antecedente directo de Arctic Monkeys.

La agrupación se da lujo de explorar diversos sonidos como el punk con “I’d Like To Know”, son graciosos en “Caught By The Fuzz”, que incluso con este tema remiten indudablemente a The Monkeys, coquetean con el pop con “Alright”, sus notas iniciales con los teclados, hacen un intro inolvidable y reconocible para toda una generación, himno indiscutible de la banda y de la década de los noventa, siendo su canción más conocida y popular, y la que les abrió las puertas tanto en el mercado británico como americano, además juegan con el hard rock con “Lenny”, e incluso, alteran sus voces y regalan un tema semi-acústico con “We’re Not Supposed To”, toman y se apropian de  los sonidos de los setenta y nos brinda una de las más grandes joyas del material “Time”, tienen reminiscencias de The Beatles en “Sofa (Of My Lethargy)”, siendo la canción más larga del álbum (6:18), de las propositivas y arriesgadas, sumergiendo en la segunda parte en una épica instrumental, mientras nos preparan para la despedida con el cierre del disco “Time To Go”.

Después de este material, Supergrass, maduró su sonido, aunque con sus producciones posteriores no tuvieron la popularidad como en este punto, la crítica los siguió adorando y alabando hasta su desintegración en 2010.

I Should Coco, es un disco recomendable e interesante, fundamental para cualquier escucha, que ayuda a comprender el sonido noventero, Supergrass es la banda que le hacía falta al brit pop, aunque no necesariamente sonaban como aquel movimiento, ambos (banda y disco) son indispensables y clásicos para la década y la música británica.

I Should Coco, es una producción discográfica completamente redonda, abrazadora, digerible, accesible, divertida, de innegable calidad, y que 27 años después de su lanzamiento, seguimos disfrutando y sintiéndonos eternamente jóvenes al escucharlo.

LOS TRES - LA ESPADA Y LA PARED

 

Con este disco “La Espada & La Pared”, la banda chilena Los Tres, fue reconocida en su país y aclamada por los críticos y el público a nivel internacional, brindándoles gran popularidad y el merecido reconocimiento por el virtuosismo de crear grandes composiciones. Si bien, en Latinoamérica, bandas chilenas como La Ley y los Prisioneros, eran conocidos, sobretodo, éstos últimos dejando una huella importante en la música en español, ninguno tuvo un impacto tan grande como Los Tres, tanto en sus antecesores y contemporáneos, además de ser influencia de las nuevas generaciones, un claro ejemplo de esto, Café Tacvba, banda mexicana, les realizó un homenaje en el 2002 con su EP titulado Vale Callampa, en el cual se incluyen dos temas “Déjate Caer” y “Tírate”, del álbum del cual estamos hablando.

En su debut homónimo de 1991, la banda había explorado distintos sonidos, y empezaban a asomar lo que vendría años después; para su segunda producción Se Remata El Siglo de 1993, jugaron con las guitarras distorsionadas y a la imagen grunge de la época, impuesto por su disquera, dichas placas no son malas, son muy distantes entre sí, pero sirvieron de base para “La Espada & La Pared”.

En esta placa abordan una amplia gama de géneros, funk, jazz, rock, pop, country, rockabilly, blues, aplicaron sus influencias andinas, entre muchos otros, Álvaro Henríquez juega mucho con las palabras, ejemplo “Hojas De Té”. En esta producción la banda retoma lo mostrado en su primer disco pero alcanzando una madurez impresionante, esto le ayuda a las letras, puesto que, abordan temas muy difíciles de tratar como el suicidio en “Déjate Caer”, incluso esta canción ha sido catalogada como una de las mejores logradas para el rock latinoamericano; el aborto, en “Te Desheredo” canción triste y llena de melancolía; el rompimiento emocional “Me Rompió El Corazón” donde el protagonista se lleva la peor parte, es sumamente triste y desgarradora; el sexo, “Dos En Uno”, que se hace muy intensa con aquellas guitarras aprendidas de su segunda producción; la frustración del amor y toma de decisiones de la pareja “Tírate”. A lo largo del disco, uno se topa con diferentes emociones y ritmos, la bella “Moizefala” que nos remite a aquel amor lleno de ilusión; la inclasificable “La Espada & La Pared” que le da título a la placa, que a primera escucha tiene un ritmo vertiginoso y parece tener muchas ideas sueltas pero atadas en una sola melodía dividida en dos partes o bien, dos canciones integradas como una sola; para el cierre del material, hay dos covers, la bien lograda “Tu Cariño Se Me Va” de Buddy Richard, que mantiene la esencia de la original pero le plasman un enojo, por lo que fue y la imposibilidad de evitar lo inevitable; y, “All Tomorrow’s Parties”, que dan un cierre épico al material.

A partir de este punto, la carrera de Los Tres, se transformó por completo, lograron gran madurez lírica y musical, les otorgó gran reconocimiento y popularidad, y a la fecha es el álbum más exitoso de la banda, siendo un punto álgido dentro de la música chilena que los encumbró en el Olimpo del rock latinoamericano.

RADIOHEAD – THE BENDS

Después de Pablo Honey y su famoso sencillo “Creep”, Radiohead estaba condenado a ser un grupo One Hit Wonder, pero gracias a la calidad de los integrantes y a la lirica y pasión de su vocalista Thom Yorke, la banda pudo avanzar y entregar un sonido totalmente diferente a su debut, de mayor complejidad y mostrando lo que vendría a ser en un futuro Radiohead.

The Bends, es una obra épica del rock contemporáneo y surgió en medio de la explosión del Britpop y de bandas como Oasis, Blur, Pulp, Supergrass, etc., pero a excepción de este movimiento, Radiohead siguió fiel a sus influencias americanas, puesto que el álbum esta repleto de capas de sonidos, guitarras distorsionadas y ruido, cuyo estilo jamás seria idéntico en ninguno de sus álbumes posteriores, además crea un ambiente melancólico gracias a la estupenda voz de Yorke, manteniendo un toque pop y accesible sin perder el sonido estridente.

El álbum esta plagado de himnos como “High and Dry”, “Fake Plastic Trees”, “Just”, “My Iron Lung”, “Street Spirit (Fade Out)”, entre otras tantas magnificas canciones como la apertura “Planet Telex” o la hermosa “Black Star”.

Gracias a The Bends, Radiohead comenzó a grabar su nombre en letras de oro dentro del mundo del rock, es una excelente transición de su álbum debut a lo que vendría después, y este es un disco que con cada escucha, suena mejor, se le encuentran mayores detalles y se aprecia mucho mejor.

PULP – DIFFERENT CLASS

Pulp estuvo durante muchos años en la oscuridad musical, hasta que en 1994 lanzó su álbum His N’ Hers, el cual fue todo un hit y los coloco en el panorama, pero nadie esperaba que con este material Different Class de 1995, el grupo se fuera hasta la estratosfera, ganando premios por donde quiera, y recibiendo criticas favorables con este quinto álbum.

Sin duda alguna, este es un álbum clásico de la música de los 90’s e incluso uno de los mejores discos de todos los tiempos, en su momento fue premiado por el tan aclamado Mercury Prize en 1996, ganándole al maravilloso (What’s the Story) Morning Glory? de Oasis y gracias a esto Pulp se posiciono a mitad de la década de los 90’s como una de las bandas más respetadas.

Lo que hace grande a este álbum es la complejidad de su realización, ya que en el territorio sonoro explora muchos y diversos estilos, yendo desde lo teatral hasta la música disco, atravesando por el rock y llegando al pop, además se amalgamo con las letras tan excelsas de su líder y cantante Jarvis Cocker, puesto que en ellas toca dos temas muy importantes y bien desarrollados como lo son el sexo y las clases sociales, un ejemplo claro es “Common People”, que es acerca de una chica griega rica que quiere comportarse como “la gente común” inspirada en una compañera de estudios del compositor; además Jarvis nos lleva de la mano a sus mas profundos miedos y obsesiones como “Underwear” y la bella “I Spy” respectivamente, narrando situaciones, momentos y experiencias del cantante con detalladas descripciones, bien llevados al ritmo que se le imprime a cada una de las canciones. Aquí también se encuentra uno de sus grandes éxitos “Disco 2000”, que contiene un riff de “Gloria” de Laura Branigan y letra tan increíble que llega a ser sincera y tal vez hasta nostálgica.

Different Class, salió en el momento más oportuno, en la cumbre del llamado Brit Pop, dominado por Blur, Oasis y Suede. El disco es una maravilla, tan genial que hoy en día sigue siendo actual y se puede notar la atemporalidad de este gran trabajo.

ALANIS MORISSETTE – JAGGED LITTLE PILL

Con este disco de 1995, Jagged Little Pill, Alanis Morissette se convirtió en todo un fenómeno mundial a la corta edad de 19 años, además que llegó a ser la cabeza de la segunda oleada de mujeres rockeras entre ellas, Fiona Apple, Meredith Brooks, Tracy Bonham, continuando con una década donde las mujeres tuvieron una mayor exposición dentro de la música.

Alanis Morissette, para este disco tuvo el apoyo directo de Madonna, ya que fue su compañía discográfica Maverick Records, quien firmó a la cantante, además que tuvo como músicos invitados a Flea (bajista de Red Hot Chili Peppers) y a Dave Navarro (guitarrista de Jane’s Addiction y Red Hot Chili Peppers), en la controversial canción y primer sencillo del album “You Oughta Know”, la cual tuvo una gran exposición en MTV.

El éxito de Alanis y la calidad del disco, se deben a la autenticidad de la cantante en sus letras, llenas de rabia, de inseguridades, desamores y frustraciones, identificables con cualquier ser humano a esa edad, pero sus líricas fueron bien llevadas por Glen Ballard (productor), donde pudo conjurar a todos los demonios de la canadiense, a través de guitarras grunge y un sonido completamente rockero pero que coquetea y encaja perfectamente dentro de los terrenos del pop.

Aquí se incluye una de sus mejores canciones, “Ironic”, también fueron sencillos “You Learn”, “Head Over Feet”, “Hand In My Pocket” y “All I Really Want”. Después de este álbum, Alanis jamás volvería a tener otro disco tan exitoso y formidable como su debut.

Este es sin duda, un álbum que puede disparar críticas muy diversas, debido al contenido que presenta y tal vez, no será uno de los pilares de los 90’s, pero es uno de los mas representativos de la década.

GOLDIE – TIMELESS

En 1995, Goldie editó su álbum debut llamado Timeless, el cual inmediatamente se convirtió en piedra angular del Jungle y del Drum N’ Bass, tomando Goldie, el nombre de “creador” del género.

El disco está lleno de loops, sonidos sucios, y beats, que poco a poco van desapareciendo o aparecen de acuerdo como la música lo vaya necesitando, eso sin mencionar las vocales femeninas sensuales, que son rodeadas en una atmósfera ambiental.

Goldie supo mezclar a la perfección las baterías potentes y una línea de bajo que delinea el sonido característico e inconfundible del género, marcando así una evolución natural de la música electrónica, ya que llevó el sonido techno a otros niveles, marcando a toda una generación, poniéndola en ritmos fuera de espacio y tiempo.

Abriendo el disco se encuentra “Timeless”, homónima de la producción, con una duración de 21 minutos, sin duda, es un todo un himno de las pistas de baile y el primero del Jungle y Drum N’ Bass, puesto que con su enorme duración se muestra la habilidad de Goldie, para realizar mezclas perfectas sin caer en ningún momento, manteniendo un ritmo hipnótico y en ciertos momentos nos hace viajar por los pasajes más oscuros de su mente.

Otras canciones interesantes del álbum son: “State Of Mind”, que adopta un estilo de R & B, la bella “Angel”, que destaca por sus vocales femeninas o la poderosa “Kemistry”, que es una de las canciones más impactantes del disco.

Timeless es toda una joya, marcó los pasos a seguir dentro de la música electrónica, creando un género y un estilo, que posteriormente se fue adaptando y evolucionando hasta llegar al sonido que actualmente conocemos.