U2- ACHTUNG BABY

 

U2 siempre ha sido una banda que al mismo nivel puede ser amada u odiada, así como ha conseguido miles de fans alrededor del mundo los ha perdido, también, es cierto, que la música que ha lanzado en últimas fechas no ha sido relevante para nadie, y han sido catalogados por pretenciosos, sobre todo, su vocalista Bono, pero no podemos dejar de lado, que U2, es una banda importante en la historia de la música y que en algún momento, tuvieron las alabanzas de la crítica y todos ponían atención a sus pasos, el punto más alto de su carrera se llama Achtung Baby.

La trayectoria de la banda irlandesa podría estar dividida en tres etapas, la primera, el pre The Joshua Tree (1987), la cual, se caracteriza por el sonido post punk y letras combativas y de denuncia social; la segunda, contada a partir de The Joshua Tree y toda la década de la noventa, es decir Rumble And Hum (1988), y los lanzamientos de Achtung Baby (1991), Zooropa (1993) y Pop (1997), su etapa más prolífica, experimental, popular y con toda la atención; y por último, a partir del disco All That You Can’t Leave Behind (2000), en el que volvieron a cambiar su sonido, pero dejaron de ser importantes para muchas personas.

Después de la extensa y exitosa gira de la promoción de The Joshua Tree, la banda quiso comenzar de cero, si bien, para ese punto ya eran un grupo que llenaba estadios, no se sentían satisfechos con la música que tocaban, y eso, que se acercaron en Rumble And Hum, a la música negra y a la americana, para tratar de llenarse de ideas o nuevos bríos, y para lograr un cambio de estilo, que ni ellos sabían a donde se dirigían llamaron a personas cercanas a la banda para que les ayudaran a direccionarse, en la producción se encontraban Daniel Lanois, Brian Eno, Steve Lillywhite y en la mezcla Flood.

Es conocido, que las grabaciones fueron muy problemáticas para el grupo, incluso se pensó en la separación debido a las diferencias creativas, sin embargo, al pasar el tiempo, las aportaciones y direcciones distintas de los miembros de la banda, así como, la producción del álbum, materializó lo que para muchos es la obra magna de U2, Achtung Baby, cuyo nombre fue tomado de los diálogos de la película de The Producers (1967) de Mel Brooks.

Tal como querían la banda comenzó un nuevo sonido, empezaron de cero e incorporaron todas aquellas influencias que en aquellos días traían, es notorio, el cambio de las letras, aquí son introspectivos, son más sexuales, se enfrentan al desamor y a la soledad, y el sonido es nutrido por géneros como el industrial, shoegaze, el sonido Madchester que en esos días, eran sumamente popular, integran elementos dance, electrónica, krautrock, pop, hip hop, funky y agregan mayor distorsión en las guitarras y la voz de Bono encuentra matices que hasta ese momento no había logrado.

Achtung Baby fue un hit comercial se desprendieron cinco sencillos, “The Fly”, “Mysterious Ways”, “One”, “Even Better Than The Real Thing” y “Who’s Gonna Ride Your Wild Horses”, pero parece un disco de éxitos porque existen canciones que son clásicos de la banda o favoritas de los fans, o que incluso, son constantes en los conciertos de la banda como “Zoo Station”, “So Cruel”, “Until The End Of The World”, o el combo que cierra el disco “Tryin’ To Throw Your Arms Around The World”, “Ultraviolet (Light My Way)”, “Acrobat” y “Love Is Blindness”, todas son reconocidas.

Los videos producidos en esta etapa le dieron una presencia importante a la banda tanto en MTV como en otros canales de difusión y algunos son de los más recordados de la época como “The Fly”, fue dirigido por Jon Klein y Ritchie Smyth, en el que mostraron la nueva imagen de la banda; “Mysterious Ways” dirigido por Stéphane Sednaoui; “One” y sus tres versiones dirigidos por Anton Corbijn, Mark Pellington y Phil Joanou, este último también dirigió "Who's Gonna Ride Your Wild Horses" y "Even Better Than the Real Thing" dirigido por Kevin Godley.

Con este álbum, U2, dio la bienvenida a una nueva década, capturando a una generación distinta, enamorando a los críticos y haciendo lo que muchos de sus contemporáneos de los ochenta no pudieron, refrescar su imagen y sonido.

Achtung Baby, es una piedra angular no solo de la década de los noventa, sino de la música moderna, ese eclecticismo, y las ganas de trascender permitieron realizar una obra perenne, y hoy después de 34 años de su lanzamiento se escucha sumamente fresca, vigente y atemporal.

SOUNDGARDEN - BADMOTORFINGER

 

El año de 1991, fue el momento de consagración de una escena que venía empujando fuertemente y lo obtuvo gracias, a tremendos discos como “Ten” de Pearl Jam, y su estilo influenciado directamente por el rock clásico, Nirvana con “Nevermind”, álbum que se llevó las ventas y los reflectores, caracterizados por el rock universitario y el punk, y el que dio el impulso final y definitorio al rock de los 90’s y por supuesto, Soundgarden lanzaría el álbum que lo puso en el mapa, el maravilloso “Badmotorfinger”, con su sonido tomado de Black Sabbath y Led Zeppelin.

Con la salida del bajista Hiro Yamamoto, entró al grupo Ben Sheperd, quien aportó de manera importante y crucial tanto a las letras como al sonido y a la composición del grupo, su aportación es notable, el cuarteto se muestra a lo largo del disco en su mejor forma, se escuchan sólidos y cada uno de los instrumentos brilla por sí solo, inclusive la voz de Chris Cornell, es de lo más destacado puede alcanzar niveles agudos altos como decir cosas en un bajo tono, Kim Thayil y sus múltiples riffs le impregnan un sonido apocalíptico a cada una de las canciones y por último, pero no menos importante, Matt Cameron, el baterista que le da toda la fuerza a la melodía, parece un pulpo frente a su instrumento y la precisión con la que lo toca es algo sumamente notable.

El álbum abre con intro que va de menos a más de manera oscura, y que mejor iniciar que con “Rusty Cage”, extraordinaria y potente canción, que posteriormente, Johnny Cash, le haría un cover con sonido country, sigue “Outshined”, un poco más lenta que la primera, pero no pierde su fuerza, una de las clásicas de la banda, sigue “Slaves & Bulldozers”, una canción impactante, brutal que refleja de manera fiel, lo que atravesaba el grupo de manera creativa y para continuar está “Jesus Christ Pose”, prohibida en su momento en la rotación de MTV, por sus imágenes que fueron consideradas anticristianas, cuando la letra habla y critica a las estrellas de rock de aquella época, primero por querer ser el centro de atención y posteriormente, ya que lo obtienen, no les gusta serlo, estas cuatro canciones, son golpes directos a la cabeza, no dan tregua, un excelente inicio de disco.

El grupo posteriormente juega con otros géneros como el punk, en temas como “Face Pollution” y “Drawing Flies”, ésta última se da el lujo de incluir un saxofón que la hace distintiva al resto de las composiciones, en “Searching With My Good Eye Closed”, coquetean con el space rock y la psicodelia, inclusive practican con el heavy metal, en “Room A Thousand Years Wide”.

El resto de las canciones “Somewhere”, “Mind Riot”, “Holy Water”, mantienen la intensidad mostrada durante el disco, “New Damage”, una canción oscura, lenta, pesada y un ambiente denso es la encargada de cerrar esta gran obra.

Los sencillos que se desprendieron del álbum, fueron “Jesus Christ Pose”, “Rusty Cage” cuyos videos fueron dirigidos por Eric Zimmerman y finalmente “Outshined” que fue dirigido por Matt Mahurin.

Terry Date fue el productor del disco quien ha trabajado en álbumes de Pantera, Screaming Trees, Mother Love Bone, Limp Bizkit, Deftones, Incubus, etc.

Badmotorfinger es un álbum fundamental del rock noventero, gran representante no solo de la banda sino de la escena de la que emergió, y es el preámbulo para lo que vendría tres años después con “Superunknown”, que es el disco más exitoso comercialmente de Soundgarden y el más accesible, sin embargo, este material, es el de mayor poderío, crudeza, el más oscuro y directo de la agrupación, el que convirtió a Soundgarden en una banda de culto, todo un clásico de la década.

ORBITAL - ORBITAL II (THE BROWN ALBUM)

 

1991, fue el año del lanzamiento de su homónima y primera producción o también conocido como The Green Album, del dúo inglés, Orbital, conformado por los hermanos Phil y Paul Hartnoll, el cual, tuvo éxitos radiales como “Belfast” o “Chimes”, ahora clásicos de la música electrónica, sorprendiendo a propios y extraños preparando el camino para lo que vendría después.

Para 1993, el dueto editó la que sería considerada su obra maestra, el también homónimo, Orbital, pero para distinguirlo de la primera placa se le conoce como Orbital II (The Brown Album), en el que, dieron un paso sumamente importante, cimentando el género para actos que posteriormente gozarían de gran popularidad en la década como The Prodigy.

La música contenida en este álbum, es inclasificable, bailable, compleja, hipnótica, cálida y con obvias referencias a Kraftwerk, los especialistas en diversas ocasiones, han tratado de etiquetar el sonido de Orbital con referentes del género del big beat como The Chemical Brothers o Fatboy Slim, tal vez, esto se originó porque en algún momento cerraron y compartieron escenario con los primeros en el mítico Glastonbury, sin embargo, lo único que comparten entre todos, es la nacionalidad.

También, se les encasillaba dentro de la escena del Intelligent Dance Music o IDM, lo que permitió que se codearan con proyectos experimentales de la electrónica como Boards Of Canada, Autechre o Aphex Twin, este último salió de gira con Orbital, después del lanzamiento del disco.

A pesar de todo lo señalado anteriormente, Orbital navegó entre el house, techno, drum n’ bass, ambient, y en sus composiciones sorprendían con los cambios de ritmo, dentro de la misma melodía, utilizaban samples, y construían ambientes.

El álbum comenzaba exactamente de la misma forma que su primera placa con el sample de “The Theory Of The Möbius” de Star Trek, en el track “Time Becomes”, puede que sea una broma de los ingleses, pero es interesante su utilización.

Los tracks 3-5, son “Lush 3-1”, “Lush 3-2” y “Impact (The Earth Is Burning”, conforman un viaje alucinante de más de 21 minutos de duración, unidas entre sí, es toda una aventura sónica, fue el segundo single del disco.

"Halcyon + On + On", primer sencillo y quizá la pieza más icónica del dueto, contiene samples de la voz de Kirsty Hawkshaw tomada de la canción "It's A Fine Day" de Opus III y “Leave It” de Yes, gran composición del ambient techno, a la par de “A Huge Ever Growing Pulsating Brain That Rules From The Centre Of The Ultraworld”, contenida en el álbum de The Orb, Adventure Beyond The Ultraworld (1991), además ha sido incluida en soundtracks de diversas películas como Mortal Kombat (1995), Hackers (1995) y Mean Girls (2004).

Orbital II (The Brown Album), es un disco que después de más de tres décadas de su edición, se mantiene vigente, intacto, es un referente de la música electrónica en general, cuya influencia es notoria en la actualidad, un álbum que una vez que lo ponemos nos lleva a otro espacio entre momentos de euforia, introspección y psicodelia, sin dejar de lado su complejidad, sin duda alguna, uno de los mejores álbumes de todos los tiempos.

MY BLOODY VALENTINE - LOVELESS

 

1991 fue un año importante y decisivo para la industria musical, se editaron discos hoy clásicos de la música contemporánea, diversos géneros surgieron o se popularizaron, por mencionar algunos, grunge con Nirvana (Nevermind), Pearl Jam (Ten), Temple Of The Dog (homónimo), el metal tuvo un nuevo empuje con Metallica (Black Album), alternativo con Red Hot Chili Peppers (Blood Sugar Sex Magik), Primus (Sailing The Seas Of Cheese), R.E.M. (Out Of Time) y Primal Scream (Screamadelica), hard rock con Guns N’ Roses (Use Your Illusion I y II) y rock clásico con Lenny Kravitz (Mama Said), trip hop comenzó su explosión con Massive Attack (Blue Lines), electrónica inició su camino exitoso durante la década con The Orb (Adventures Beyond The Ultraworld), post rock con Slint (Spiderland) e incluso el rock latinoamericano alzaba la mano con obras como El Circo de Maldita Vecindad Y Los Hijos Del Quinto Patio y uno más forjaba su efímero pero profundo paso, shoegaze, con su obra maestra, Loveless de My Bloody Valentine.

La banda conformada por Colm Ó Cíosóig (batería), Debbie Googe (bajo), Bilinda Butcher (guitarras y vocales) y su líder Kevin Shields (guitarras y vocales), tardaron más de dos años en la grabación de este emblemático disco.

Mucho se ha contado acerca de la producción y grabación del material, se dice que pasaron por más de una decena de estudios de grabación, así como de ingenieros de sonido, y rebasando el presupuesto hasta las nubes, hasta que llegó Alan Moulder (The Jesus And Mary Chain, Ride, Lush, Nine Inch Nails, The Smashing Pumpkins, U2, A Perfect Circle, Yeah Yeah Yeahs, Arctic Monkeys, etc), quien supo entender e interpretar las ideas de Shields, dando forma a la obra, se llegó a mencionar que Kevin Shields fue el único que tocó los instrumentos para la grabación del disco, excluyendo a todos, excepto a Butcher que participó en las voces y letras de algunas canciones, también se manejó que debido a las altas cuentas de los estudios de grabación, la disquera Creation, se fue a la bancarrota, así como Loveless, fue el culpable que la banda se desintegrara al poco tiempo de su lanzamiento, entre otras tantas cosas que se rumoraron alrededor de su concepción.

My Bloody Valentine fue comparado desde sus inicios con bandas como The Jesus And Mary Chain, Spacemen 3, Sonic Youth, pero gracias a Loveless dieron un paso firme, el cual forjaron un sonido único y distinguible tanto de los grupos mencionados como de sus contemporáneos como Ride, Slowdive y Lush, cabezas principales del movimiento shoegaze.

Loveless está formado por experimentos sonoros, ruidos producidos por la distorsión de las guitarras, tiene muros y muros de sonido construidos con una base sencilla de batería, algunos efectos electrónicos, guitarras que destrozan todo a su paso, voces etéreas que difícilmente se logran percibir como si trataran de salir de las capas de sonido y eso le ayuda a coquetear con el pop, innegable influencia del dream pop (Cocteau Twins), a veces en solitario, la voz susurrante de Bilinda Butcher, en otras a dúo con Shields, a lo largo del material, se escuchan los sampleos de los sampleos, es decir, se grabaron las guitarras o las baterías, y se samplearon y ocuparon una y otra vez, sobre la misma pista que es difícil distinguirlas entre sí.

La experimentación sónica está presente en cada una de las canciones que integran el álbum, el ejemplo perfecto es “Touched”, noise en su máxima expresión, parece un interludio al inicio del álbum, o bien, “Loomer” o “To Here Knows When”, que a lo lejos se percibe la voz de Bilinda.

Como anteriormente se mencionó una de las cualidades de la producción es el acercamiento al pop, ejemplo “When You Sleep”, que tiene una estructura netamente pop, atrapada entre las distorsiones de las guitarras, o “What You Want”, en la que predomina la repetición y distorsión, en ella cantan Butcher y Shields, pero la voz de él se encima sobre los coros de ella.

Los sencillos fueron “Soon”, previamente lanzado en el EP Gilder, “To Here Knows When”, antes de Loveless formó parte del EP Tremolo, “Only Shallow”, único single directo del álbum, y como sencillo promocional “When You Sleep”.

La recepción por parte de la crítica fue prácticamente unánime, al considerarlo un álbum transgresor, definitorio para la época y ha sido influencia por muchas bandas alrededor del mundo, ha sido catalogado por especialistas en innumerables ocasiones entre los discos más importantes y mejores de todos los tiempos, comercialmente tuvo una mejor acogida por Europa, que si bien, nunca estuvo en el top 10, si fue más cálida en comparación al público de los Estados Unidos, que en aquellos días tenían una fascinación y amor por el grunge, debido a que, Loveless, tuvo la buena o mala fortuna de salir al mercado dos meses después del inusitado éxito del Nevermind de Nirvana, lo cual, le ganó con el paso del tiempo el estatus de culto por sus malas ventas, grandes críticas y por la desintegración de la banda.

Loveless, es un álbum difícil de acceder, en un principio sino se está acostumbrado a las distorsiones, pero una vez, manejado esto, se puede disfrutar de los sonidos plasmados por sus creadores, y entender el porqué es un álbum tan importante en la música de los últimos 30 años.

33 años después de su lanzamiento, esta obra maestra, conserva su carácter de innovador y fresco, su leyenda crece cada vez más y más, y que, sin duda, al día de hoy, es un clásico y toda una referencia e influencia, que debe ser escuchado una y otra vez, en repetidas ocasiones.

SAINT ETIENNE - FOXBASE ALPHA

 

El nacimiento de Saint Etienne se dio en el puente entre el cambio de década entre los 80’s y 90’s, en Inglaterra, había muchos géneros, estilos y grupos que destacaban, por ejemplo, se encontraban veteranos del synthpop como Depeche Mode, Pet Shop Boys o New Order, The Cure, banda consagrada se encontraba en una etapa de suma creatividad; en el indie pop había nombres como Everything But The Girl y The Sundays; el movimiento Madchester tenía sus mejores tiempos con The Stone Roses, Happy Mondays, The Charlatans; el dream pop estaba representado por Cocteau Twins; My Bloody Valentine, Lush, Ride y Slowdive, venían empujando al shoegaze; mientras que actos como Massive Attack, Paul Oakenfold, The Orb, Orbital y Primal Scream, creaban joyas maestras y llevaban la escena del underground al mainstream.

El nombre Saint Etienne fue tomado de un equipo de futbol de la liga francesa y en un principio fue un dúo de apasionados de la música conformado por Bob Stanley y Pete Wiggs, quienes se alejaron totalmente de los movimientos de aquellos días y utilizaron sampleos y bases del house, dance, dub, techno, rock, soul, pop y lo endulzaron con voces femeninas, que, dicho sea de paso, al principio se pensó en llevar varias cantantes femeninas hasta que se presentó Sarah Cracknell y puso su voz a “Nothing Can Stop Us”, y se quedó con el puesto de manera permanente, convirtiéndose en un trío.

Como primer single se lanzó “Only Love Can Break Your Heart”, cover de Neil Young, es una libre adaptación, la cual elimina por completo la melancolía y le imprime un sello dance cuyo brillo se llevó con gran éxito a las pistas de baile, es importante señalar, que la voz es de Moira Lambert.

“Kiss And Make Up” fue el segundo sencillo de la agrupación, cover de la banda The Field Mice, las vocales contaban con la participación de la cantante de Nueva Zelanda, Donna Savage, aunque posteriormente, ya con la inclusión de Cracknell, se regrabó el tema para incluirla en posteriores ediciones del álbum, como la americana, incluso en esta versión se agrega “People Get Real”, para completar las quince canciones que la componen en vez de las trece que salieron para la versión inglesa.

El estilo de Foxbase Alpha es un pop sofisticado que nos remite inmediatamente a lo catchy de los años 60 y 70’s, con unas voces femeninas susurrantes y canciones finamente producidas.

El eclecticismo es muy definido, tiene piezas instrumentales como “Stoned To Say The Least”, una canción que llama la atención por su ambiente y atmósfera alucinógena o “Like The Swallow”, con un aura misteriosa que navega en el ambient, un verdadero pasaje sonoro, “Spring”, una balada dulcemente elegante, suave, simplemente deslumbrante; los interludios como “Wilson” y “Etienne Gonna Die”, elaboradas con sampleos, esta última toma diálogos de la película de 1987, House Of Games o “This Is Radio Etienne”, encargada de abrir el disco, ocupa sampleos de una transmisión de radio que le da introducción al futbol francés y que es el perfecto preludio para uno de los grandes hits del disco, la ya mencionada “Only Love Can Break Your Heart”; también se encuentran grandes canciones como “Carnt Sleep”, apoyado en el bajo dub y empujado por el enamoramiento, una melodía suave; “She’s The One”, con lírica que lleva al enojo por los celos de una relación con un fino y contagiante sampleo de “I’m In a Different World” de Four Tops.

El amor por Londres de parte de la banda se hace presente en todo el álbum, en títulos como “London Belongs To Me” o en “Girl VII” que menciona varios puntos aleatorios de la capital inglesa.

Celina Nash es la modelo que sale en la portada del álbum, incluso en el disco posterior So Tough de 1993, ella fue quien presentó a Sarah Cracknell con Bob Stanley y Pete Wiggs, mientras fue novia de Stanley formaron un grupo llamado Golden con la colaboración de Jarvis Cocker de Pulp, incluso su hermana Sophie Nash, aparece en el video “Babies” de Pulp.

Foxbase Alpha y Saint Etienne fueron muy importantes para la música inglesa de los años noventa fue el preámbulo para la posterior explosión del britpop, (Oasis, Blur, Suede, Pulp, Supergrass, Elastica, etc.) y uno de los discos y bandas mejor calificados de la época, es un disco singular y ecléctico, atemporal y simplemente muy agradable.

SLINT - SPIDERLAND

 

1991 fue el año más importante para la música alternativa, debido a que, se lanzaron álbumes importantes como Screamadelica de Primal Scream, Nevermind de Nirvana, Ten de Pearl Jam, Badmotorfinger de Soundgarden, Achtung Baby! de U2, Use Your Illusion I & II de Guns N’ Roses, Blood Sugar Sex Magik de Red Hot Chili Peppers, The Black Album de Metallica, Blue Lines de Massive Attack, Loveless de My Bloody Valentine, Out Of Time de R.E.M., Adventures Beyond The Ultraworld de The Orb, Mama Said de Lenny Kravitz, El Circo de Maldita Vecindad, Sailing The Seas Of Cheese de Primus, y entre todas estas grandes obras, se encuentra Spiderland de Slint.

En su momento, el álbum no tuvo la difusión en los medios debido a que la banda se desintegró antes del lanzamiento, consecuencia de las estresantes sesiones de grabación, fue producido por Brian Paulson, conocido por realizar sesiones crudas prácticamente en directo, hecho que funciona a la perfección, en Spiderland.

Slint, tiene sus influencias en The Velvet Underground, Gang Of Four, o en géneros como post punk, pero es considerado como un álbum seminal debido a la gran influencia que dejó en muchas bandas como Mogwai, Explosions In The Sky, Godspeed You! Black Emperor, Austin TV, continúan con el legado del math rock y sobretodo se les atribuye la creación del post rock.

El sonido del disco es crudo, oscuro, es casi instrumental, no se guía en lo absoluto por lo convencional, contiene pasajes complejos, intensos, las vocales son desgarradoras, no existen los solos de guitarra, los instrumentos se acompañan y desembocan en melodías bien construidas que evocan al math rock, cada movimiento está calculado, la ejecución es impecable, los susurros y las voces habladas nos provocan cierto temor, conviven armoniosamente el ruido y la distorsión con la tranquilidad, esa paz inquietante de no saber qué es lo que está por ocurrir.

Aquí existe una pregunta, ¿Cómo es que un disco que todos ignoraron llegó a ser uno de los más influyentes de todos los tiempos?, la respuesta se debe a que Steve Albini, reconocido productor por trabajos con Pixies (Surfer Rosa); PJ Harvey (Rid Of Me), The Breeders (Pod), produjo el primer álbum de Slint, y gracias a una reseña favorable que realizó acerca del disco en la revista Melody Maker, señalando que sería “parteaguas para las generaciones venideras”, el disco ganó la fama de estatus de culto.

Spiderland solo cuenta con 6 canciones y la totalidad de duración llega a los 40 minutos, el track abridor es “Breadcrumb Trail”, que nos cuenta la experiencia de una persona en una feria que se encuentra a una adivina, la siguiente es “Nosferatu Man”, inspirada en la película emblema del expresionismo alemán Nosferatu, es una canción en la que todo llega a una tensión y de repente todo explota como si se tratara de una banda de metal, finalizando con feedback, la tercera es “Don, Aman”, nos narra la historia de Don, que se encuentra afuera de un bar apabullado por la ansiedad en el que describe que tiene problemas para convivir con las personas y lo abrumador que es para él, aquí predomina la distorsión, “Washer”, es una carta de despedida de la pareja, es íntima, tiene un clímax ruidoso y es la canción más larga del material con sus nueve minutos de duración, “For Dinner…”, siempre nos mantiene a la expectativa, resalta el estilo único de la batería de parte de Britt Walford y para cerrar la obra se encuentra “Good Morning, Captain”, esta canción se hace presente en el soundtrack de la película Kids de Larry Clark, narra la experiencia de un capitán cuya embarcación ha naufragado y toda la tripulación parece haber perecido en el incidente, y al parecer está en sus últimos momentos de vida, todo estalla al final con guitarras distorsionadas de David Pajo, el bajo omnipresente de Todd Brashear y los gritos angustiosos de Brian McMahan.

Es una injusticia que muchos no pongan este disco a la altura de Revolver de The Beatles o The Dark Side Of The Moon de Pink Floyd, pero el tiempo ha sabido darle el lugar que se merece, un estatus de culto, y una vigencia que parece nunca perderá, Spiderland, es considerado como uno de los álbumes mejor logrados y más influyentes de todos los tiempos, Slint nos brindó una obra perenne.

THE ORB - ADVENTURES BEYOND THE ULTRAWORLD

 

The Orb, es uno de los actos más importantes en la historia de la música electrónica, pioneros de la sampledelia, influencia de actos como DJ Shadow o Boards Of Canada, su trabajo, tomó lecciones de lo elaborado por Kraftwerk o Brian Eno, siendo un grupo de vital importancia para los noventa y para el género.

Su sonido es difícil de catalogar, aquí convergen el acid house, techno, industrial, dub, ambient, psicodelia, y sobretodo resalta la utilización de sampleos, que en aquellos días (principios de los noventa), era algo nuevo en la escena, la técnica utilizada en el manejo de atmósferas, la manipulación de sonidos, y la incorporación de audio mediante el corte-pega, loops y estiramientos, así como la utilización tanto de canciones, ritmos, sonidos, o simplemente parte de entrevistas, hace una mezcla única y distinta a lo entonces producido.

The Orb nació por el Dr. Alex Patterson, al principio del proyecto se encontraba involucrado, Jimmy Cauty, una mitad del grupo The KLF, pero antes de iniciar las grabaciones de Adventures Beyond The Ultraworld, Cauty abandonó el grupo, y se integraron diferentes elementos como Martin “Youth” Glover (bajista de Killing Joke, banda de la que Patterson había sido roadie), quien años después sería productor de los álbumes Seven (1992) de James y Urban Hymns (1997) de The Verve, Kris Weston “Thrash”, Andy Falconer, Thomas Fehlmann y, Steve Hillage (guitarrista de Gong) y  Miquette Giraudy, todos ellos aportaron ideas para este primer disco del proyecto británico.

Entre los distintos samples que se pueden encontrar en la grabación están, “Lovin’ You” de Minnie Riperton, “Blackboard Jungle Dub” de Lee “Scratchy” Perry, “Europe Endless” de Kraftwerk, “Man With A Harmonica” de Ennio Morricone, así también, podemos hallar sonidos citadinos, ambientales y de la naturaleza como aves, extractos de sonidos de radios, voces en ruso, diálogos de películas como “Flash Gordon” o “Dr. Strangelove or: How I Learned To Stop Worrying And Love The Bomb”, o bien, sonidos tomados de la NASA (grabaciones del aterrizaje del Apollo 11), incluso, partes de entrevistas de The Sex Pistols o de Ricki Lee Jones, esta última con demanda incluida por parte de la artista por derechos de autor, y que se incluye en una de las canciones más reconocidas de The Orb, “Little Fluffy Clouds”, que también es la encargada de abrir el material.

Adventures Beyond The Ultraworld, es una obra extensa que aprovechó las bondades del recién salido Compact Disc (CD), para incluir tracks de larga duración, solo “Little Fluffy Clouds” dura pasados los cuatros minutos de ahí no bajan de ocho minutos y el más largo es “A Huge Ever Growing Pulsating Brain That Rules From The Centre Of The Ultraworld" con más de 18 minutos, esta canción es considerada como punto máximo de la carrera de The Orb.

Las diez canciones que conforman esta obra, duran alrededor de 1 hora con 50 minutos, y están divididas en dos partes, la primera denominada “Orbits” que lo integran los primeros cinco tracks, que se incluyen en el primer disco y la segunda parte se llama “Ultraworlds”, que representa el segundo disco y se integran con las otras cinco piezas, a su vez se encuentra dividido en cuatro secciones “Earth Orbit”, “Lunar Orbit”, “Ultraworld Probe” y “Ultraworld”.

Los sencillos extraídos para la promoción del álbum fueron “A Huge Ever Growing Pulsating Brain That Rules From The Centre Of The Ultraworld”, “Little Fluffy Clouds” y “Perpetual Dawn”, los dos primeros lanzados originalmente antes de la publicación del disco.

Adventures Beyond The Ultraworld, es un viaje hipnótico, cósmico, musical y sonoro, lleno de psicodelia, techno, house y sampleos, un pilar para la música electrónica y uno de los discos, mejor elaborados en la historia, simplemente es una maravilla.

RED HOT CHILI PEPPERS - BLOOD SUGAR SEX MAGIK

 

Blood Sugar Sex Magik, es la obra cumbre de Red Hot Chili Peppers, producida por Rick Rubin, gran productor reconocido hasta esos días por su trabajo en Licensed To Ill (1986) de Beastie Boys o Reign In Blood (1986) de Slayer.

El álbum fue lanzado al mercado en 1991, el año más importante para la música alternativa, ya que surgieron discos tan trascendentes para las generaciones siguientes y solo por mencionar algunos como: Screamadelica de Primal Scream, Ten de Peal Jam, Blue Lines de Massive Attack, Out Of Time de R.E.M., Badmotorfinger de Soundgarden, Achtung Baby! de U2, Metallica y su álbum homónimo (The Black Album), Loveless de My Bloody Valentine, el par de Use Your Illusion de Guns N’ Roses, entre otros muchos, tal vez, el más emblemático Nevermind de Nirvana, todos estos marcaron un antes y un después en la era moderna del rock, y Red Hot Chili Peppers no se quedó atrás con este fabuloso álbum.

Si bien, Red Hot, se formó en 1983, no recibían la atención masiva ni la crítica era tan buena con ellos, sin embargo, todo eso comenzó a cambiar gracias a su producción, Mother’s Milk (1989), producida por Michael Beinhorn (Korn, Hole, Soundgarden) y con temas como “Knock Me Down” o “Higher Ground”, cover de Stevie Wonder, tuvieron una mejor recepción y se gestaba el sonido Red Hot.

Con una alineación más sólida y después de varios cambios de integrantes, entre sus filas, pasaron el fallecido Hillel Slovak y Jack Irons (futuro baterista de Pearl Jam) y con el relativo éxito de Mother’s Milk, la banda buscó a Rubin y junto a Brendan O’Brien (Stone Temple Pilots, Pearl Jam, Rage Against The Machine) en la ingeniería y como músico invitado, ayudaron a crear su siguiente disco, en el cual, soltaron todas sus ideas y dieron rienda suelta a su creatividad.

El sonido manufacturado fue la mezcla de hard rock, funk, punk, pop, soul, rock, psicodelia, rap, aunado a letras explícitamente sexuales, con mucho humor, referencias a drogas y muerte, y a la lujuria, terminaron de formar su estilo y sellos característicos, el bajo brutal de Flea en cada una de las canciones con ese toque funk, los solos de John Frusciante, la batería incansable de Chad Smith, la energía y la voz en diferentes tonalidades de Anthony Kiedis, en conjuntos brindaron uno de los álbumes más emocionantes de la década.

Las influencias de la banda son innegables como el mencionado Stevie Wonder, pasando por James Brown, o Parliament/Funkadelic de George Clinton hasta Jimi Hendrix, todo esto, lo fusionaron y ayudaron en conjunto con agrupaciones como Faith No More o Rage Against The Machine, al auge de un sonido que se venía gestando a finales de los ochenta, el new metal, que fue sumamente popular al término de la década de los noventa y brindó popularidad a grupos como Korn, Limp Bizkit, entre otros muchos, hay que señalar que uno de los principales impulsores y visionarios de este género, fue Rick Rubin, ya que en el primer disco de Beastie Boys (Licensed To Ill), comienzan a asomarse esas fusiones, así como también fue el responsable de las consolas de la reversión de “Walk This Way” de Aerosmith con Run D.M.C., donde es notoria esa mezcla.

El álbum fue un éxito inmediato a tal grado que se lanzaron cinco singles para su promoción, varios de esos temas son clásicos de la banda, como “Give It Away”, la canción hasta ese entonces más conocida de la agrupación, y su multipremiado video en blanco y negro dirigido por Stéphane Sednaoui (Björk, The Smashing Pumpkins, Madonna, Massive Attack, U2), es un ícono de MTV, “Under The Bridge”, otro básico en su repertorio, basada en un poema escrito por Kiedis, mientras tuvo un momento bajo en su vida, en el cual narra la convivencia con drogadictos en Los Angeles, el video, otro clásico de los noventa, dirigido por el director independiente Gus Van Sant, autor de obras como Elephant, Drugstore Cowboy, My Own Private Idaho, quien por cierto, también fue fotógrafo y diseñador del booklet y arte del álbum, como tercer sencillo “Funky Monks”, que le da nombre al documental creado durante la grabación del álbum, y, cuyo video tuvo escenas del mismo, “Breaking The Girl”, una balada hermosa, en tono psicodélico y de las mejores composiciones de la agrupación, el video fue dirigido nuevamente por Stéphane Sednaoui, con un manejo de colores experimental y por último, se lanzó como último sencillo, “If You Have To Ask”.

El álbum contiene grandes momentos de la banda, que no fueron sencillos, pero que permanecen en el gusto de la audiencia, composiciones inmejorables como “I Could Have Lied”, compuesta por Kiedis, derivado del enamoramiento y relación fugaz con Sinead O’Connor, con un solo en guitarra acústica de Frusciante, considerado uno de sus mejores trabajos, “Blood Sugar Sex Magik”, es un alucinante, un hard rock fenomenal de la banda, en el cual, se puede ver el potencial de cada uno de sus integrantes, el viaje psicodélico sexual de “Sir Psycho Sexy”, canción hipnótica con base funky y la más larga del disco con 8:17 de duración, es una de las joyas ocultas de la producción, y que hoy en día siguen tocando en vivo, incluyen un tributo a Slovak con “My Lovely Man”, y para cerrar más de 70 minutos de locura y genialidad, realizan un cover de Robert Johnson con “They’re Red Hot”, una canción extraña, rara pero que encaja a la perfección con la idea de la producción.

Blood Sugar Sex Magik, es un punto de inflexión para la banda, a partir de aquí dejaron de ser teloneros y se convirtieron en una banda importante y emblemática de su generación, que con su disco Californication de 1999, terminaron por consolidar su carrera.

A más de 30 años de su lanzamiento, es una bocanada de aire fresco, adictivo desde su primera escucha, es uno de sus puntos más importantes y altos de la banda, un clásico de la década que ayudó a posicionar al rock alternativo, esta es su obra maestra, y que, para muchos, jamás lograrían alcanzar un punto tan alto en creatividad.

PRIMUS - SAILING THE SEAS OF CHEESE

 

Hablar de Primus siempre será complicado, suena a todo, no suena a nada, es una banda con un estilo único e inigualable, es difícil categorizarlos o definirlos dentro de un género, Primus es y siempre será Primus.

En su material de 1991, Sailing The Seas Of Cheese, el power trío conformado por Les Claypool (bajo), Larry LaLonde (guitarra) y Tim Alexander (batería), nos demuestran con gran maestría como definir el sonido de una agrupación, juntando todas sus influencias y plasmándolas en una obra irrepetible, sin aburrir, sin sonar pretenciosos y resaltando cada uno de los elementos que lo conforman sin opacar a ninguno.

En su música podemos encontrar notables influencias de Frank Zappa, Pink Floyd, Captain Beefheart, Faith No More, Rush, King Crimson, y géneros como rock experimental, metal, funk, rap, rock, jazz, progresivo, psicodelia, noise y rock clásico, todo esto, mezclado con letras absurdas, humorísticas como si fueran escritas por caricaturas, pero con una inteligencia mordaz realizando críticas sociales y políticas.

En cada una de las canciones se muestra el poderío de sus integrantes, la fina ejecución de cada uno, el bajo de locura, extravagante, bizarra y potente de Claypool, las guitarras chillantes, distorsionadas llenas de ruido de LaLonde y la precisa e incansable batería de Alexander, forman un conjunto sonoro maravilloso aunado a la extraña voz nasal de Les Claypool, que le da una distinción a la agrupación.

El disco tuvo tres sencillos “Jerry Was a Race Car Driver”, “Tommy The Cat” y “Those Damned Blue-Collar Tweekers", los dos primeros contaron con video promocional, y “Tommy…”, es el ejemplo claro del humor de la banda, parte del video fue realizada en cartoon, explicando la historia de la letra, como dato, la voz de Tommy The Cat, es de Tom Waits, así también participó en la grabación de baterías adicionales, Mike Bordin de Faith No More, en “Los Bastardos”, canción que le da cierre a la placa de estudio.

Sailing The Seas Of Cheese, contiene grandes temas como “Eleven”, una canción poderosa, y como otras composiciones en el álbum, se definen cada uno de los instrumentos mientras se ejecuta un fino jam, otras de las canciones que llaman la atención es “Fish On (Fisherman Chronicles, Chapter II)”, cuya duración la hace la más larga del material.

“Sgt. Baker”, nos sumerge por completo al sonido Primus, “American Life”, es la dura crítica que realiza Claypool al entonces gobierno de George Bush, y como hablar de “Is It Luck?”, el ejemplo más claro del humor característico de la agrupación, junto con ese rapeo denotan la majestuosa habilidad de Claypool, tanto en su instrumento como en la voz.

Sailing The Seas Of Cheese, no es un disco fácil de digerir, cuesta mucho en las primeras escuchas, más si uno no está acostumbrado a esos géneros o se va iniciando en la exploración musical, pero una vez que te engancha, no te suelta, esos riffs tanto del bajo como de la guitarra te encantan y la sonoridad de la batería te mantiene pasmado.

Es un álbum grandioso, redondo, uno de los álbumes que definieron a la década a unos meses de la explosión grunge, y que quedó encerrado en el término alternativo, tan popular en esa década, es un disco interesante por donde se le vea, una locura de principio a fin.

GUNS N’ ROSES - USE YOUR ILLUSION I, USE YOUR ILLUSION II

 

La carrera de Guns N’ Roses básicamente está basada por tres grandes discos, su álbum debut de 1987, Appetite For Destruction, simplemente, uno de los mejores álbumes de la historia, un disco emblemático de toda una generación y los otros dos, son los hermanos Use Your Illusion I y Use Your Illusion II, que los terminó por encumbrar y dejarlos en el estatus de leyenda.

La grabación de estos discos fue una de las más problemáticas que se conozcan, entre problemas de adicciones, con la justicia, entre los miembros, cambios de integrantes, aunado que Axl Rose, no se presentaba para hacer las tomas, caos dentro de la banda, llevaron a que el cantante tomara las riendas y el futuro de la banda, algo a destacar que, los miembros del grupo nunca trabajaron juntos para la realización del álbum.

Al convertirse en líder de la banda, Axl Rose, quería que Guns N’ Roses siguiera un camino similar al de Queen, navegar entre el progresivo, el rock y lo teatral, lo cual, parte se vería reflejado en enormes canciones como “November Rain”, una canción balada rock épica de una duración de nueve minutos, que se convirtió en un clásico instantáneo contemporáneo.

De los cambios más significativos en la banda durante esa época fue el despido del baterista Steven Adler por problemas de adicción a las drogas y la integración de Matt Sorum, baterista de The Cult, así como la inclusión de Dizzy Reed, amigo de Axl, que terminaría por definir el cambio de sonido que el líder buscaba.

Si bien, los discos no forman parte en su concepción como un solo álbum, juntos funcionan a la maravilla, mientras que, Use Your Illusion I, contiene el lado salvaje de la banda, por ejemplo: la abridora “Right Next Door To Hell” o “Don’t Damn Me”, Use Your Illusion II, se enfoca en canciones más tranquilas como “So Fine” o “Yesterdays”, este último fue uno de los tantos sencillos de ambos discos.

En total son 30 canciones incluidas con una duración que alcanza las 2 horas 30 minutos, y de las cuales, 14 fueron sencillos, las inolvidables “Don’t Cry”, “Live And Let Die”, la mencionada “November Rain”, “The Garden”, “Dead Horse” y “Garden Of Eden”, del Illusion I, mientras que del segundo se desprendieron, “You Could Be Mine”, “Knockin’ On Heaven’s Door”, “Yesterdays”, “Civil War”, “Estranged”, “14 Years”, “Pretty Tied Up” y “So Fine”, lo que refleja a la perfección que disco fue el más exitoso comercialmente.

Las influencias de Axl Rose, son notorias en canciones como la popular “November Rain”, es una ópera rock, que nos recuerda a Queen, por el uso del piano, y los arreglos y composición que giran en torno a él, así como a los cambios de tiempos, hacen homenaje con sus covers a Bob Dylan con “Knockin’ On Heaven’s Door” y a Paul McCartney con “Live And Let Die” en su época con The Wings, imprimiendo un sello único e inconfundible que a veces hacen olvidar a las canciones originales.

En el disco cuentan con la participación en las voces de artistas reconocidos en el medio, como el legendario Alice Cooper, que puso la voz y algunos versos en “The Garden”, junto a Shannon Hoon, amigo de Axl, vocalista y líder de Blind Melon, quien también aportó los coros en “Live And Let Die”, “You Ain’t The First” y “November Rain”. Asimismo, aparece en el video de “Don’t Cry”, esta canción cuenta con una segunda versión y letra alternativa en Use Your Illusion II.

El video de “Don’t Cry”, forma parte de la trilogía no oficial de videos de los álbumes que forman un concepto de película cinematográfica, junto a “November Rain” y “Estranged”, en ese orden, y en el que, la entonces novia de Axl, la modelo Stephanie Seymour, participa en el video promocional de la segunda canción.

Asimismo, estos álbumes marcaron la primera vez, en que otros miembros de la banda angelina, asumieron las vocales principales, por ejemplo, el guitarrista Izzy Stradlin cantó en “Dust N’ Bones“, “You Ain’t The First“, “Double Talkin’ Jive” y “14 Years“, mientras que el bajista Duff McKagan cantó en “So Fine“.

Alguno de los datos curiosos que involucran a estos álbumes, es que el tema “Knockin’ On Heaven’s Door” salió en la película Days Of Thunder de 1990, protagonizada por Tom Cruise y Nicole Kidman, un año antes del lanzamiento del álbum, también, “You Could Be Mine”, fue el tema principal de Terminator 2: Judgment Day, sin ser incluido en el soundtrack de la película, pero fue elegida personalmente por su estrella Arnold Schwarzenegger, para promoción del filme, realizando apariciones con su personaje de Terminator para el video.

Dentro de los temas incluidos, están los más largos en duración de su repertorio, como, “November Rain” de 9 minutos, “Civil War”, casi 8, “Breakdown”, 7:04, “Locomotive”, que ronda los 9, “Estranged”, que supera los 9, y “Coma”, que alcanza los 10 minutos, esta canción es una de las más interesantes escritas por la banda, basada en la supuesta muerte de Axl, que algún día leyó en el periódico.

Así como las baladas épicas se hacen presente, las experimentales como la que da cierre a los álbumes, “My World”, levantan la mano, o la que navega en el hard rock, rap, la frenética “Garden Of Eden”, los arreglos orquestales, el andar entre el punk, rock, hard rock, la influencia flamenca, convirtieron a este álbum en uno de los consentidos de la banda.

Las portadas de los álbumes, están inspiradas con unas obras del artista Mark Kostabi basadas en la “La escuela de Atenas”, que a su vez fueron llamadas: Use Your Illusion, por Paul Kostabi, hermano de Mark, con la cual Axl, quedó impresionado y le dio la idea para la portada y nombre de los discos, las diferencias entre ambas portadas son los colores, uno en tonos rojizos amarillos y el otro entre azul y negro.

Estos álbumes lograron que la banda estuviera de gira a lo largo de 3 años por todo el mundo y provocó la fractura del grupo, durante años, en los cuales Axl Rose, se hizo cargo y sacó material original sin los miembros fundadores o al menos pertenecientes a aquella exitosa época, y sin el éxito e impacto de sus antecesores.

Use Your Illusion I y II, son obras referentes de la banda y de los noventa, que a pesar de ser lanzadas en pleno crecimiento y apogeo del grunge (movimiento musical dominante de esa década), fueron bien recibidas por el público y los críticos, y hoy en día después de 30 años suenan tan contundentes como en aquel lejano año de 1991.

LENNY KRAVITZ - MAMA SAID

 

En 1991, Lenny Kravitz, tenía cierto reconocimiento en la industria musical, dos años antes había publicado su álbum debut, Let Love Rule (1989), en el que pudo plasmar, todo su gusto por el rock setentero, y su notoria influencia en su música, un año después escribió la letra de “Justify My Love”, un tema sumamente sexy, aunado a la imagen y a la voz de aquellos días de Madonna, fue todo un éxito, incluido en el primer álbum de grandes éxitos de la artista.

Por todo lo anterior, se podía esperar algo interesante de Kravitz, para su segundo material en estudio, y el resultado no fue decepcionante, Mama Said, es un disco muy bien producido y pulido, siguiendo la tónica de su primer intento, pero profundizando y ampliando la gama sonora, ayudado que el artista el multiinstrumentista, nos brindó el mejor material de su carrera.

Kravitz, explora sonidos conocidos por él, como el rock, soul, funk, pop, haciendo un disco placentero, que suena netamente como una banda de rock vintage pero con ese toque moderno de los noventa.

La composición de las letras del álbum es una catarsis para Lenny, pues en esos días, se vislumbraba el divorcio de su entonces esposa Lisa Bonet, y su entrega, amor y arrepentimiento, son expresadas en canciones como “It Ain’t Over ‘Til I’ts Over” o “Stand By My Woman”, así como la dedicada a su hija, ahora famosa cantante y actriz, Zöe Kravitz, “Flowers For Zöe”.

El disco cuenta con grandes colaboraciones como Sean Lennon, quien toca el piano en “All I Ever Wanted”, la sección de vientos The Phenix Horns de la banda Earth, Wind And Fire, (aquí seguimos notando su gusto por la música setentera), y Slash, integrante de Guns N’ Roses y quien toca la guitarra en el track 1, “Fields Of Joy”, que, a su vez, es un cover de New York Rock And Roll Ensemble, así como en uno de los grandes temas de la carrera de Lenny, “Always On The Run”, siendo el compositor de la música, y originalmente, Slash,  había compuesto la música para su banda, Guns N’ Roses, pero finalmente se la entregó a Kravitz, debido al gusto que tuvieron al encontrarse en una entrega de premios, y en una de esas pláticas, supieron que fueron compañeros de escuela.

Se lanzaron siete sencillos para promoción del disco, “What Goes Around Comes Around”, “Stop Draggin’ Around”, “What The Fuck Are We Saying”, las antes mencionadas, “Fields Of Joy”, “Stand By My Woman”, cuyo video fue dirigido por Lisa Bonet, “Always On The Run” y “It Ain’t Over ‘Til It’s Over”, estos dos últimos, grandes clásicos para él y la década, siendo los más exitosos.

Mama Said, le otorgó la fama mundial a Lenny Kravitz, lo colocó dentro los solistas más reconocidos a nivel mundial, y el álbum que lo llevó al mainstream, es un álbum redondo, exquisito para el oído, y la carta más fuerte dentro de la trayectoria del artista, uno de los mejores discos de los noventa.

TEMPLE OF THE DOG - TEMPLE OF THE DOG

Temple Of The Dog fue un proyecto a lo que hoy se le denomina “Supergrupo”, formado por un grupo de amigos, representativos de la música de una escena local, que, hasta ese momento, tenían un éxito relativo, pero eran unos desconocidos a nivel mundial. Dicho grupo, se creó por la inquietud de Chris Cornell, vocalista y guitarrista de Soundgarden, para rendirle tributo a su amigo y roommate, Andrew Wood, líder de la desaparecida banda Mother Love Bone, que apenas daba sus primeros pasos y que, a su vez, salió de las cenizas de Green River, lamentablemente Wood, falleció días después del lanzamiento de su álbum debut Apple en 1990.

Cornell, se encontraba de gira por Europa con Soundgarden, cuando se enteró de la terrible noticia, para esto escribió al inicio dos canciones “Say Hello To Heaven” y “Reach Down”, en honor a su amigo, que serían incluidas en un EP, y para su regreso a Estados Unidos, reclutó al baterista Matt Cameron, (futuro baterista de Pearl Jam), quien también tocaba en Soundgarden, asimismo, invitó a miembros de la extinta banda a Jeff Ament y Stone Gossard, y a su vez, integró a las filas a un viejo amigo suyo, Mike Mcready, y de última hora incluyeron a un entonces desconocido vocalista de California, Eddie Vedder, que había viajado a Seattle para realizar unas audiciones para la banda que apenas se conformaba, Mookie Blaylock, antecedente directo de Pearl Jam. Así fue como nació la banda y el disco homónimos, por cierto, dicho nombre fue sacado de las letras de la canción “Man Of Golden Words” de Mother Love Bone.

Chris Cornell escribió las letras del álbum y la mayor parte de la música, dichas ideas fueron ordenadas, dirigidas y producidas por Rick Parashar, futuro colaborador y productor de bandas como Alice In Chains y Blind Melon, el disco se grabó en quince días, y durante ese tiempo, se materializaron diez sorprendentes canciones, pues dicho por los propios miembros del proyecto, surgieron tantas ideas y creatividad, que no fueron suficientes las dos canciones iniciales proyectadas, sino que hubo tanta energía y buena química entre los integrantes, y de esa inventiva emergieron más canciones.

Un tímido Eddie Vedder participó como segundo vocalista en el hit “Hunger Strike” y en coros en “Pushin’ Forward Back”, “Your Savior” y “Four Walled World”, la primera canción señalada, es el éxito más conocido del disco, para el cual, se realizó un video promocional, grabado en un bosque de Seattle, y en donde destaca la potente voz del californiano.

Cornell, demuestra a lo largo del disco, todo su virtuosismo, ya que no sólo compuso la lírica y música, sino que, tocó diferentes instrumentos como la guitarra, la armónica y el banjo, además que, su voz se escucha energética, fuerte, voraz, potente, jugando en un amplio rango de tonos.

La música es una carta fuerte a favor de la agrupación, toman sus influencias del hard rock, metal, blues, juegan con sonidos electro acústicos, incorporan parte del jam que surgió de esa reunión, así también, incluyen parte del estilo funk que venían manejando con Mother Love Bone, y comienza a sonar el rock melódico que sería parte en un futuro cercano de Pearl Jam, pero lo más interesante, es que tiene un estilo propio y no se parece a nada de las tres bandas relacionadas a Temple Of The Dog, (Pearl Jam, Soundgarden y Mother Love Bone).

A pesar de que, este disco fue pensado como un tributo a Wood, tanta fue la creación y aportación de Chris Cornell, que decidió incluir temas relacionados a lo que vivía con su entonces esposa Susan Silver, quien era manager de Soundgarden y Alice In Chains, “Call Me A Dog”, en la que narra los problemas que tenía con su pareja.

“Times Of Trouble”, es una pieza semi-acústica, donde la voz y los arreglos son impresionantes, es el origen de “Footsteps”, de Pearl Jam, dicho tema se regrabó para la naciente banda, y, se incluyó como lado B, de “Jeremy”, la música para ambos temas fue compuesta por Stone Gossard.

En el momento de su lanzamiento, Temple Of The Dog, pasó desapercibido por el público, solamente vendió 70,000 copias en la Unión Americana, pero tuvo una gran acogida por la crítica, donde destacaron las habilidades de cada uno de los miembros, sin embargo, tuvo un éxito inesperado un año después, en 1992, con el inesperado éxito del Nevermind de Nirvana (1991), que mandó directamente al estrellato a la escena Seattle y consigo, a la cima del éxito y popularidad a discos como Ten de Pearl Jam (1991) y Badmotorfinger de Soundgarden (1991), asimismo, la inclusión de las dos bandas, así como de Mother Love Bone y su tema “Chloe Dancer/Crown Of Thorns”, en la banda sonora de la película Singles de Cameron Crowe de 1992, ayudó en la repercusión de las ventas del álbum, llegando a ser certificado platino y ganó el reconocimiento masivo.

Después de esta reunión de amigos, no hubo más grabaciones y sus presentaciones en vivo, fueron esporádicas y se dieron en algunas ocasiones, cuando las bandas madres coincidían en algún recinto o tour, sin embargo, para festejar los 25 años de su presentación, en 2016, todos los integrantes excepto Eddie Vedder, se reunieron e hicieron un re-lanzamiento de lujo con demos, que se quedaron en el tintero de aquellas sesiones y realizaron un pequeño tour, aunque, es sabido por todos, que esas fueron las últimas presentaciones, debido al deceso de Chris Cornell en 2017.

Sin ninguna presión de por medio, ni de la disquera ni del producto que saldría de aquella improvisación, y con la idea de solo rendir tributo a un amigo, Temple Of The Dog, es un álbum serio, de gran calidad, emotivo, intenso, emocionante y un testimonio del movimiento posteriormente denominado grunge, que marcaría a toda una generación, así como a la década de los noventa y fue el inicio de uno de los momentos más importantes de la historia de la música.