RIDE - NOWHERE

 

La banda inglesa Ride, publicó su álbum debut Nowhere (1990), para muchos considerado una de las piezas maestras y que terminaron por darle forma al movimiento shoegaze, junto a My Bloody Valentine, Slowdive y Lush.

El grupo conformado por Mark Gardener (vocales, guitarra), Andy Bell (vocales, guitarra, piano, harmónica), Steve Queralt (bajo) y Loz Colbert (batería) en este disco en particular y el único dentro del género shoegaze, se enfocó en la neopsicodelia y alternativo, a diferencia de sus contemporáneos, MBV con el sonido noise, Slowdive con el dream pop, y Lush armonía combinada con el dream pop.

La integración de cada uno de los integrantes es indiscutible, si bien, se encontraban en la escena los referentes del género antes mencionado, Ride, logró crear un sonido único y distinguible, y eso que se llegan a percibir sus influencias como Sonic Youth o Dinosaur Jr.

El disco desde su primer track, “Seagull”, captura al oyente, lo enamora, a pesar de sus guitarras y distorsiones, las cuales hay que mencionar nunca se sienten pesadas, sino que se complementan perfectamente con la armonía, letra y atmósfera creadas en el paisaje sónico de Nowhere.

La portada del álbum es la representación literal de lo propuesto por los ingleses, un mar lleno de distorsión, cuyas percusiones y riffs golpean en oleadas, así una y otra vez, son lo suficientemente ruidosos y agresivos, pero al mismo tiempo son armoniosos y digeribles, tal vez, en esto influyó la edad de los miembros al momento de producir el material, oscilaban entre los 18-20 años de edad.

La placa incluye canciones tan representativas de la agrupación y del shoegaze, como: “Dreams Burn Down”, el claro ejemplo de lo que es Nowhere, sumerge en un viaje sonoro emotivo y vibrante, es hipnótica, armoniosa y ruidosa, inmersa en la distorsión y las capas de guitarra, mientras el bajo es suave y duro a la vez, la batería da esos golpes contundentes de cambio de ritmo, así también contiene la canción más conocida de la agrupación, “Vapour Trail”, suave llena de efectos de pedales y distorsión, una de las mejores canciones creadas en los noventa, único sencillo del álbum, última canción del material y cuyo video fue dirigido por Kevin Kerslake (Sonic Youth, Soundgarden, Mazzy Star, Primus, Hole, The Smashing Pumpkins, Nirvana, Faith No More, Depeche Mode, Stone Temple Pilots, Red Hot Chili Peppers, Bush, etc), la influencia de esta canción y de la banda es notoria en la generación noventera.

Nowhere, originalmente se integraba por ocho canciones, pero al paso del tiempo y de las reediciones se agregaron algunos temas a veces hasta conformar entre 11 o 15 canciones, los cuales son “Taste”, “Here And Now”, “Nowhere”, “Unfamiliar”, “Sennen”, “Beneath” y “Today”.

Ride y Nowhere son una piedra angular del shoegaze, su influencia fue permeada a lo largo de la década, y la muestra son las tantas bandas que siguieron sus enseñanzas, es una lástima que para bien o para mal, abandonaron el género y al poco tiempo se desintegraron para años después tener un reencuentro, sin embargo, este es su momento cumbre de creatividad.

PUBLIC ENEMY - FEAR OF A BLACK PLANET

 

Fear Of A Black Planet, es un álbum importante dentro de la historia musical, es uno de los pilares de la época dorada del hip hop, a partir de este disco se dejó de tratar al hip hop como un género menor, muchos voltearon a verlo, y a formarlo parte de su expresión, debido a su fuerte carga reaccionaria muchos artistas lo tomaron como inspiración, después de este material el género nunca volvió a ser lo mismo.

El disco fue lanzado a principios de 1990, y para abrir una década, fue un material importante sus letras están plagadas de protesta social, política, racismo y denuncia fueron prácticamente escritas por el líder Chuck D, y producido por The Bomb Squad, si bien esto lo venían ejerciendo en sus primeros dos álbumes, Yo! Bum Rush The Show (1987) y It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back (1988), aquí restriega todo eso en la cara, las letras son mucho más serias y afiladas, tratando de sacudir a la audiencia, mostrando y reclamando lo que las personas negras vivían en los Estados Unidos en aquellos días.

El empoderamiento de la comunidad negra en el país del norte, se consolida en canciones como “Welcome To The Terrordrome”, “Anti-Nigger Machine” que critican abiertamente a la policía y su abuso de poder o “911 Is A Joke”, que trata específicamente de la poca respuesta ante una emergencia cuando se acude a un vecindario con habitantes de raza negra, sin embargo, canciones como “Power To The People” y "Brothers Gonna Work It Out", impulsan la unión en la comunidad negra.

La producción por parte del equipo de The Bomb Squad es una maravilla, continuaron con las enseñanzas de The Dust Brothers en Paul’s Boutique (1989) de Beastie Boys, pero en vez de hacer un collage de sampleos, tomaron cada una de sus influencias e hicieron cortes y los armaron de acuerdo a las necesidades de la canción y su letra, es decir, cada sonido, risa, ritmo y género que se ocupó para la creación de los temas está pensado, adecuado y dirigido, situación que los puso delante de sus contemporáneos y en su momento fue algo innovador.

Public Enemy se arriesgó y mezclaron géneros tan diversos para la base de sus composiciones, entre ellos, el dub, reggae, rock y sobretodo el funk.

Dentro de los sampleos, se encuentran sonidos, vocales, elementos y partes de canciones de The Temptations, Kool And The Gang, Run-DMC, Prince, George Clinton, Michael Jackson, Diana Ross, Salt-N-Pepa, Sly And The Family Stone, N.W.A., Isaac Hayes, Chic, The Beatles, sobretodo de James Brown, incluso Public Enemy samplea sus propias canciones, y agregan diálogos de películas como Scarface (1983) de Brian de Palma, y un sinfín de agrupaciones y artistas, que en su momento, al no existir alguna ley sobre derechos de autor o que no estaba bien definido no tenían problema, pero en reediciones recientes, han tenido que pagar más por regalías que lo que han obtenido de ganancias, debido a que hoy en día, los derechos de autor se encuentran mejor reglamentados y protegidos por las leyes.

El álbum fue todo su suceso en ventas y bien recibido por la crítica, se lanzaron cinco singles para la promoción del álbum, dos fueron previamente introducidos al mercado, “Fight The Power”, fue un encargo de Spike Lee para el soundtrack de su película emblema, Do The Right Thing de 1989, la trama se centra en los problemas de varios personajes que viven en un vecindario negro, la canción y la película catapultó a todos los involucrados fueron un éxito total, “Welcome To The Terrordome”, apareció como sencillo, unos meses antes de la salida del disco, y los otros tres singles, fueron "Brothers Gonna Work It Out", "Can't Do Nuttin' For Ya Man" y el más exitoso, "911 Is A Joke", en cuyo video aparece un todavía desconocido Samuel L. Jackson.

Public Enemy con este álbum, busca una confrontación directa, una reacción del oyente con letras incendiarias, con un flow de parodia de Flavor Flav, aunado a la imagen militar del grupo y una actitud agresiva de Chuck D.

Fear Of A Black Planet, es un clásico imperecedero que, a más de 30 años de su lanzamiento, aun suena contundente, fuerte y controversial, es una obra que no ha perdido su intensidad y vigencia.

HAPPY MONDAYS - PILLS 'N' THRILLS AND BELLYACHES

 

Happy Mondays, es una de las bandas más representativas del aquel movimiento surgido a finales de los ochenta y principios de los noventas, en Manchester, Inglaterra, que se le acuño con el nombre de Madchester, entre aquellas bandas destacan The Stone Roses, The Charlatans, Inspiral Carpets, e incluso James, se puede incluir en dicho subgénero.

Madchester, estaba influenciado por el naciente género del house, las fiestas, las drogas, en el que se mezclaba el rock psicodélico, que emulaba a bandas de los sesentas, indie, rock alternativo y el dance, incluso es sabido que la discoteca The Hacienda, cuyo propietario era Tony Wilson, le dio el empuje necesario al subgénero para llegar a las masas.

Pills 'n' Thrills And Bellyaches, es el tercer álbum de Happy Mondays, lanzado en 1990, bajo la producción del DJ Paul Oakenfold, en el que se nota su mano, puesto que, permitió dar rienda suelta al imaginario del grupo, ya que, esta mescolanza de rock y house, fue parte importante en la música británica durante aquellos años y ser influencia directa para bandas como Blur, Primal Scream, Oasis, entre muchos otros que fueron sumamente populares a mitad de la década.

El disco está plagado de sonidos, como pocos discos y bandas pueden presumir de salir airosos, se conjuntan el punk, house, rock, funk, dance, la utilización de loops, de sintetizadores, estos últimos serían muy socorridos durante la década para el género dance, suenan a todo y a nada a la vez, suenan originales y atemporales.

El álbum contiene varios éxitos de la agrupación como “Kinky Afro”, cuyo coro nos remite inminentemente a “Lady Marmalade” de Labelle, que fue número 1, en el Reino Unido y sin duda, es uno de los clásicos de este movimiento, y el más representativo de la agrupación, también encontramos el tema “Step On”, que es un cover de John Kongos, originalmente llamada “He's Gonna Step on You Again", siendo uno de los grandes hits del grupo.

Se incluyen piezas como “Loose Fit”, donde se hacen presentes los panderos, las bases bailables, así como la inclusión de Rowetta, la cantante femenina de la banda, “Dennis And Lois”, es una canción fiestera, cuyos elementos explotan y dan como consecuencia una de las mejores composiciones del grupo; “Bob’s Yer Uncle”, en el que el ritmo casi afro con flautas como invitadas y una oscura interpretación por parte de Shaun Ryder, complementado por un góspel de Rowetta, resultan en uno de los highlights de la producción.

Las guitarras rockeras y ácidas están presentes en “Grand Bag’s Funeral”, uno de los elementos a destacar a lo largo de la producción es que la voz de Ryder parece estar en otros tonos y discordante con el sonido, pero sin duda, es una de las características a destacar de la agrupación, ya que, sin ser un gran cantante, le imprime la energía necesaria para hacernos volar la cabeza y sumergirnos en ácido y permanecer en la fiesta, con “Harmony”, cierra esta maravilla de disco, aquí la fiesta termina y nos recuerda en sonido a The Velvet Underground.

Después de este disco, no pasó nada extraordinario con la banda, los problemas internos aunado con las adicciones a las drogas, terminó por hundir su creatividad y su popularidad, y jamás tuvimos una continuación de esta obra maestra, sin embargo, nos dejaron un gran legado, y una referencia obligada para las nuevas generaciones.

Happy Mondays y su Pills 'n' Thrills And Bellyaches, es un referente de la cultura rave, y de la música británica de la década de los noventa.

DEEE-LITE- WORLD CLIQUE

 

Deee-Lite, ha sido considerada por mucho tiempo como One Hit Wonder, pero es un trato injusto para este trío norteamericano de house, dance, pop, ya que la calidad que traían detrás, es demostrada en este fantástico álbum debut producido por ellos mismos, y lanzado hace más de tres décadas, para ser precisos en 1990.

El grupo conformado por Lady Kier, Super DJ Dmitry y Jungle DJ Towa “Towa”, mostraba la multiculturalidad de sus integrantes, la frontwoman nacida en Ohio, Estados Unidos, el segundo, originario de Ucrania y el último proveniente de Japón, todos tenían influencias diferentes, pero gustos similares, ya que a principios de los noventa dominaron las pistas de baile, con sus ritmos house.

Su imagen influenciada notoriamente por la década de los sesenta, con sus lámparas de lava, sus colores psicodélicos, las faldas y vestidos de Lady Kier, invitaban a la convivencia y al baile buena onda, también sus letras eran sencillas, nada complicadas y sus ganchos pegadizos nos mantenían en esa buena vibra.

Lo mencionado anteriormente, lo podemos ver en su multicolor, y formidable video de “Groove Is In The Heart”, en la que la fiesta, los bailes y los peinados retros, estaban a la orden del día. Dicho sea de paso, ésta es su canción más reconocida, y la que los puso en la órbita mundial, incluso treinta años después de su entrega, se sigue utilizando en comerciales, y se pone con frecuencia en bares, antros y discos alrededor del mundo.

“Groove In The Heart”, tuvo alta rotación en MTV, su demanda fue tal, que duró varias semanas consecutivas en el número uno, y convirtió a la banda como referente dance de principios de los noventa.

Se produjeron otros dos sencillos con gran éxito, “Power Of Love”, gran canción que también fue número uno y “E.S.P.”, que le dio continuidad al éxito del álbum.

Grandes temas, como “Good Beat”, que mezcla a la perfección el house y el pop, sumamente bailable, “Smile On”, que juega con el funk, excelente momentos que contiene el álbum, muchos highlights como “What Is Love?”, que suena a lo que Madonna haría un par de años después en Erotica de 1992, y cuya parte hablada, sería utilizada en el video promocional de la mencionada “Groove Is In The Heart”, y “Build The Bridge”, que nos lleva a un acto que sería posteriormente, muy importante para la escena electrónica The Chemical Brothers, “Who Was That? y “Deep Ending”, definieron el sonido de la agrupación, canciones como “Try Me On… I’m Very You”, con ligeros toques de acid house, con referencias al sonido Madchester (The Happy Mondyas, The Charlatans, Inspiral Carpets, The Stone Roses), que dominaba en aquellos días y la voz de Lady Kier, es algo que destaca en la composición.

Cuenta con la participación de Bootsy Collins, miembro de Parliament-Funkadelic, en “Who Was That?”, “Smile On”, “Try Me…” y “Groove Is In The Heart”, en esta última también participa en las vocales Q-Tip de A Tribe Called Quest.

World Clique, álbum debut de Deee-lite, es un fantástico material, en el que suenan inteligentes, seductores, bailables, en donde, lo retro y lo moderno se mezclan a la perfección con gran ingenio, un álbum redondo que nos pone a bailar a cada momento.

SINEAD O'CONNOR - I DO NOT WANT WHAT I HAVEN'T GOT

 

En 1987 fue lanzado al mercado el primer disco de Sinead O’Connor, The Lion And The Cobra, que atrajo las miradas hacia la cantante y en la que destacaba un estilo peculiar y una voz que oscilaba entre la potencia y lo melódico, muy apartada del pop que se elaboraba en aquellos días.

Posteriormente, tres años después, a principios de 1990, la irlandesa entregó la que sería su obra cumbre I Do Not Want What I Haven’t Got, en este material, muestra una madurez como compositora, tal vez, porque durante el período entre un disco y otro, fue madre a principios de sus veinte años y sus preocupaciones se ven reflejadas en sus canciones, aparte continua con su crítica social y política, asimismo, sus composiciones suenan frágiles y tristes pero esperanzadoras.

I Do Not Want What I Haven’t Got, fue sumamente exitoso, debido al impacto generado por su principal sencillo “Nothing Compares 2 U”, escrita por Prince, unos años antes y que, según la historia cuenta, fue dedicada a una novia Susana Melvoin, por lo que él consideraba que esta había sido un regalo y no quería que se radiara ni que fuera popular, y llegó a Sinead, mediante Steve Fargnoli, quien fuera representante del cantante y al saber que era una de sus joyas, convenció a O’Connor para que la grabara, y la historia se cuenta sola, es una de las canciones más reconocidas de la irlandesa, sino es que la más representativa de su carrera, se apropió de la canción y la hizo suya y hasta se podría decir que este cover supera a la original, los arreglos en la producción fueron llevados a cabo por Nellee Hooper, futuro productor de actos muy importantes como Björk, Massive Attack, Madonna, The Smashing Pumpkins, U2 y No Doubt, dándole un toque moderno y minimalista a la balada, en la que destaca la fuerza de la interpretación, asimismo, el video promocional es recordado porque en la mayor parte se enfoca solamente al rostro de Sinead, y a palabras de ella, las lágrimas que se muestran fueron derivados por los sentimientos encontrados por el reciente fallecimiento de su madre, el video fue sumamente popular, obteniendo una alta rotación en MTV, llevándola a ser ganadora como el video del año.

Para la canción “The Emperor’s New Clothes”, titulada con el mismo nombre de un cuento de Hans Christian Andersen, reunió gran cantidad de talento, como Marco Pirroni, exguitarrista de Siouxsie And The Banshees y Adam And The Ants, en el bajo, Andy Rourke (The Smiths) y en la batería John Reynolds, quien fue su esposo y colaborador, dicha canción, también fue sencillo y en donde refleja sus preocupaciones como reciente madre.

El disco abre con “Feel So Different”, pieza que evoca a oraciones, a la serenidad, y se exalta el folk irlandés, con un violín que destaca por su brillantez, asimismo, el segundo tema “I Am Stretched On Your Grave”, es un poema anónimo proveniente de Irlanda, en la que el sentimiento de pérdida se hace presente, reluce nuevamente el violín y el folclor céltico.

“Jump In The River”, es una composición casi entera por parte de la cantante, en la que despliega habilidades en la letra, guitarra, teclados y en la programación de la batería.

Con este álbum, Sinead rompió muchos estigmas, desde su imagen, que, a partir de ese punto, se mostró como una mujer fuerte, tenaz al raparse completamente la cabellera, lo cual, denotó un carácter firme, algo que para aquellos días, lucía diferente a sus contemporáneos, y la hizo destacar y ser todo un símbolo para la década, una fuente de inspiración, sobre todo para las cantautoras femeninas y líderes de bandas de esa generación, que veían como ella exponía sus pensamientos y sentimientos haciéndolos cercanos a cada ser humano, como ejemplo, tenemos a Dolores O’Riordan de The Cranberries, coterránea y figura de una de las bandas emblemáticas de los noventa.

Este sin duda, es uno de los álbumes definitorios e inspiradores de la década, es el punto más alto en la carrera de Sinead O’Connor, en la que podemos disfrutar su voz y talento en total esplendor.

THE SUNDAYS - READING, WRITING & ARITHMETIC

 

La historia de The Sundays es algo poco común, para empezar la banda se formó a finales de los 80’s, en medio de la disolución de un grupo emblemático The Smiths, del cual beberían toda su esencia, pero sin ser una copia, justo cuando comenzaba el movimiento Madchester a dominar la escena con bandas como The Stone Roses o Happy Mondays, y un poco antes del boom del techno en la escena dance, The Sundays, estaba justo a la mitad.

La banda de acuerdo a sus miembros, no sería una ocupación de tiempo completo, recién había terminado la escuela y estuvo integrada por sus líderes, vocalista y guitarrista Harriet Wheeler y David Gavurin, respectivamente, que se conocieron en la Universidad de Bristol, Inglaterra, no solamente fueron compañeros de banda sino sentimentales, lo cual, se ve impreso en su música, y a la postre formarían una familia.

Después, comenzaron a escribir un puñado de canciones, y se trasladaron a Londres, con esto, emprendieron una gira como teloneros de Throwing Muses y recibieron atención en las reseñas musicales londinenses en espera de algún material por parte de la agrupación.

A inicios de 1989, lanzaron “Can’t Be Sure”, a través de Rough Trade y posteriormente, incluida en el álbum, e inmediatamente, llamaron la atención del público y crítica británicos, haciendo que el sencillo fuera un éxito.

Para 1990, lanzaron su primer álbum Reading, Writing & Arithmetic, (en un juego semántico, el nombre hace alusión a su ciudad natal Reading), junto con el sencillo que los daría a conocer del otro lado del Atlántico, la hermosa melodía, “Here’s Where The Story Ends”, canción que fue reconocida a nivel mundial, haciendo que la banda y su música alcanzaran la fama de manera casi instantánea, lo que fue muy inesperado para sus integrantes.

Sus composiciones como se mencionó anteriormente, absorben mucho de la esencia de The Smiths, si uno pone atención, las melodías son básicas, tienen una batería tímida, las letras son simples reflejos de inseguridades, relaciones fracasadas, aspiraciones, enfados, todo aquello que enfrentamos al cambiar de la adolescencia a la adultez.

Su sonido, está compuesto de hermosas y bellas melodías, en las cuales, el ritmo se mantiene, pero nunca aburre, la voz de Harriet y sus tonos son prácticamente angelicales, son melódicos, dulces, que a veces contrastan con las letras poéticas y reales, en pocas palabras, son armoniosos, donde todo brilla al mismo tiempo y nada opaca a nada, eso es The Sundays.

Reading…, es un álbum corto conformado por diez canciones y una duración de 38 minutos de simple y llana inspiración, contiene grandes temas como “A Certain Someone”, cuyo protagonista no quiere tener una pareja excepto con alguien especial, es como cambiaría su vida; la corta, semi acústica y con letras de arrepentimiento, “I Kicked a Boy”; grandes canciones como la apertura de “Skin And Bones”, donde luce la voz inocente de Harriet, así como su cierre con la finura de “Joy”, o “Hideous Towns”, el track más rápido que parece separarse al resto pero se contiene.

Desde el principio fueron comparados con The Smiths y Cocteau Twins, pero a pesar, de tener semejanzas, son un puente entre esa generación y la que seguiría con The Cranberries, logrando por méritos propios ser un referente del indie pop británico.

El productor que se encargó del material fue Ray Shulman, que había producido Life's Too Good de The Sugarcubes, y a la vez, descubrió esa gran voz y artista, Björk.

Es cierto, que The Sundays nunca fue muy popular en su momento, si tuvieron éxito, pero no a gran escala, grabaron dos álbumes después de su debut, Blind de 1992 y Static & Silence de 1997, después de esto, los líderes abandonaron la industria musical y se dedicaron a criar y a cuidar a su familia, y nunca más se supo de ellos, dejando un legado, que ha crecido a través del tiempo, elevándolos a la categoría de una banda de culto.

The Sundays, tuvo un paso fugaz en la industria musical y dejó una huella indeleble en sus fans, quienes siempre se quedarán con la ilusión de un reencuentro, entre ellos, Shirley Manson de Garbage, quien adora las letras y la música de los británicos.

Reading, Writing & Arithmetic, es un material de calidad indiscutible, es una belleza en toda la extensión de la palabra, hoy después de 30 años, suena muy fresco, disfrutable, encantador, etéreo, atemporal, irrepetible y único.

THE BLACK CROWES - SHAKE YOUR MONEY MAKER

 

The Black Crowes fue de las bandas encargadas junto a Blind Melon, al inicio de los noventa del revival del rock clásico y del rock sureño, justo antes de que el apogeo grunge hiciera de las suyas, el grupo de Atlanta, Georgia, se colocó en el gusto de esa generación, y cuya propuesta no encajaba con la década que recién había terminado los 80’s y la que comenzaba los 90’s.

Gracias al estilo del grupo, siempre fueron comparados con bandas clásicas como Faces, The Rolling Stones, Creedence Clearwater Revival, Led Zeppelin y Lynyrd Skynyrd, apoyados de los sonidos desprendidos del órgano Hammond y de los coros femeninos a cargo de Laura Creamer, todo esto en conjunto, inevitablemente nos remite a aquellas grandes bandas de los setenta aunado a la imagen hippie y a los pantalones de pata de elefante que portaba el líder y vocalista Chris Robinson, y sin mencionar, su voz nasal e inigualable que le dio un sello único a la banda.

Desde los primeros segundos de iniciado el álbum, se plasma el sonido que seguirá la banda no solo en el disco sino a lo largo de su trayectoria, sus influencias son notorias basados en el blues, rock sureño, rock clásico, en los que, las guitarras rápidas, las slide guitars, las bluseras y los riffs se hacen presentes a cada momento, lo que les ayudó a definir un estilo y a trazar su personalidad propia.

Shake Your Money Maker, fue un trancazo rotundo por lo que se extrajeron cinco sencillos, la totalmente energética con dejos de coros góspel, “Jealous Again”; la contundente “Twice As Hard”, que sirve de introducción a la producción discográfica; “Seeing Things”, que nos hace rememorar a Rod Stewart, íntima, hipnótica, intensa, casi épica que gira en torno a la ruptura de una relación; la canción más emotiva, con letra profunda y dolorosa basada ligeramente en una chica que conocieron, adicta a la heroína y que enfrentaba el dolor de la pérdida de su hijo mediante el consumo de drogas, la hermosa “She Talks To Angels”, balada y de las canciones más conocidas de la banda; así como su mega éxito “Hard To Handle”, cover de Ottis Reading, y que sin caer, en pretensiones, es mejor que la original, esta composición les abrió el camino para el reconocimiento mundial, la exposición masiva mediante MTV, así como la creación de su MTV Unplugged, y las alabanzas tanto del público como de la crítica e incluso de músicos contemporáneos y de sus héroes musicales, tanto así que, gracias a la maestría y genialidad de este álbum, salieron de gira con nombres pesados como Aerosmith, Metallica, AC/DC y ZZ Top.

Contiene grandes joyas como la magnífica “Sister Luck”, en la cual, se nota, la habilidad de los integrantes, o que decir de “Thick N’ Thin”, un tema grandioso, o el cierre majestuoso de “Stare It Cold”, con esa batería precisa, dinámica e incansable, en fin, diez canciones más una oculta “Live Too Fast Blues/Mercy Sweet Moan”, que no tiene desperdicio alguno.

La producción estuvo a cargo de George Drakoulias (Primal Scream, Screaming Trees), de Brendan O’Brien (Pearl Jam, Red Hot Chili Peppers, Stone Temple Pilots, Rage Against The Machine), además de tocar diversos instrumentos durante la grabación y también, participó como ingeniero de sonido y en las mezclas, y por último, el gran Rick Rubin (Beastie Boys, Weezer, entre muchos otros), quien puso su nombre como productor ejecutivo una vez que el álbum tuvo éxito.

Shake Your Money Maker es un increíble álbum debut, de gran calidad, imprescindible para la década de los noventa, la cual se escucha atemporal, natural, con peso y solidez, y sobretodo muestra las habilidades en la ejecución de todos y cada uno de los músicos, los cuales no opacan al otro, sino que forman un gran equipo y simplemente nos brindaron uno de los mejores discos de esos años tan prolíficos musicalmente hablando, en pocas palabras, una obra perfecta.

JANE'S ADDICTION - RITUAL DE LO HABITUAL

 

El segundo material de estudio de Jane’s Addiction, es un estallido musical en la cabeza, a pesar de las advertencias señaladas en la apertura del disco por la actriz Cindy Lair, en un español mal hablado “Señores y señoras. Nosotros tenemos más influencia con sus hijos que tú tiene. Pero los queremos. Creado y regado de Los Ángeles, ¡Juana's adicción!”, sirviendo, además como un introductorio para la banda, Ritual De Lo Habitual, es una maravilla, y un pilar fundamental para la década de los noventa, del denominado Rock Alternativo.

El álbum no se puede clasificar es una mezcla de Led Zepellin, funk, pop, rock, progresivo, metal, es todo y nada, y mucho a la vez, Jane’s Addiction, Sonic Youth, R.E.M. y Pixies fueron los precursores de la música alternativa, del rock noventero, y emblemas de aquella generación que no se identificaba con el entonces Glam Metal.

Con su primer álbum, Nothing’s Shocking (1988), lograron capturar a unos oyentes, ávidos de un rock diferente, además formaron una base sólida de fans, que estaban a la expectativa de la salida de esta producción, y que la banda se encargó de entregar y con creces.

Dave Jerden (productor, ingeniero y mezclador) fue el encargado de ordenar las ideas del cuarteto, sus trabajos previos con Frank Zappa, Talking Heads, The Rolling Stones, Red Hot Chili Peppers, le dieron la forma perfecta para encausar la creatividad del grupo.

Las habilidades de los cuatro miembros de la agrupación se muestran en todas y cada una de las canciones, hasta parecen una súper banda, Perry Farrell, incansable frontman, con sus gritos, cantos hipnóticos, letra íntima y voz sumamente peculiar, le dan un sello distintivo al grupo, el bajo de Eric Avery, siempre omnipresente, potente y duro, como bajista de una banda de hard rock, la guitarra de Dave Navarro, majestuosa, riffs inigualables, rasposos, sucios, equilibrados y elegantes, con efectos extraordinarios, y finalmente, la poderosa batería de Stephen Perkins, precisa, y cuyos múltiples cambios en una sola canción provocan que las canciones sean épicas, duraderas con ritmos hipnotizantes, estremecedores, llevando el ritmo, jugando con ellos, y ayudando que cada uno de los instrumentos tengan vida propia, pero unificados en una sola melodía, todos lucen pero ninguno opaca al otro, todos resplandecen a la vez, y a lo largo del material, cada miembro tiene su solo que hace más placentera la travesía musical.

El álbum se divide notoriamente en dos partes, la primera la componen 5 canciones “Stop!”, inicio frenético que nos impacta desde el primer segundo, “No One’s Leaving”, continua con esa trepidante velocidad, “Ain’t No Right”, comienza con sonidos dub y un poco de experimentación para después entrar de lleno con ese ritmo de batería sublime, “Obvious”, tema de casi 6 minutos de duración donde se distingue la habilidad de los integrantes, sobre todo de Navarro y Perkins, y finalmente llega “Been Caught Stealing”, la gran culpable de que Jane’s… ocupara un privilegiado lugar en el Olimpo del rock, ya que tuvo una gran exposición en MTV, digamos que es el hit de la banda, gracias a ella, muchos conocieron a los angelinos, un gran video, sumamente divertido, ocupando con genialidad los ladridos de perro, y así cierra la primera parte del álbum.

La segunda comienza con “Three Days”, tema épico de casi 11 gloriosos minutos de rock, que pasa por el hard, el metal, una batería y ritmos poderosos que van en ascendencia conforme al crecimiento de la melodía, van de lo más tranquilo a lo más estridente, solos de Navarro inolvidables, letra que evocan a un fin de semana que Farrell tuvo con su novia de aquellos días Cassey Niccoli y su amiga Xiola Blue, en la cual, nos enteramos que hubo drogas, sexo y una conexión cósmica y carnal entre tres seres humanos, donde la conclusión del tercer día se asemeja al final de los tiempos, una letra totalmente personal, y sin duda, una de las mejores composiciones de todos los tiempos, continúa el lado tranquilo pero no así aburrido del material con “Then She Did…”, profunda, existencialista, que aborda el tema del abandono, de la muerte de la madre del vocalista, seguimos con “Of Course”, canción también larga, experimental, introspectiva, donde el violín toma el protagonismo, y finaliza con la extraña y emotiva balada dedicada a la entonces pareja del frontman, “Classic Girl”, cuyo video muestra a la pareja casándose en cierto ritual a la orilla de una playa.

Los sencillos extraídos del disco fueron, “Stop!”, “Been Caught Stealing”, “Classic Girl” y “Three Days”, los tres primeros contaron con video promocional, y el último, además fue utilizado para musicalizar una escena de la película Singles (1992) de Cameron Crowe, aunque no fue incluida en el soundtrack del filme.

La portada del disco, fue realizada por el también artista plástico Perry Farrell, y cuya inspiración fue la historia narrada en “Three Days”, utilizando artículos de santería, comprados por el cantante, en una visita que tuvo al mercado de Sonora de la Ciudad de México, dicha imagen provocó cierta incomodidad en algunos sectores del mercado estadounidense, fue prohibida, y cambiada para algunas ediciones por una portada en blanco con el nombre de la banda y del disco en negro.

Jane’s Addiction, fue artífice del sonido de los noventa, esa exploración de sonidos aunado a la habilidad de cada miembro de la agrupación, dieron como resultado que Ritual De Lo Habitual fuera angular en la década de los noventa, es el clímax de su trayectoria, y que a pesar de sus adicciones con la heroína, su desintegración y su posterior reunión, con lanzamientos de material original, dejaron de lado su acercamiento con las drogas, y tal vez esto, hizo un cambio radical en su sonido, en años posteriores.

Ritual de Lo Habitual, es genial por donde quiera que se le vea, es una parada obligatoria para cualquier músico, melómano y estudioso de la música, es de esos discos que salen muy de vez en cuando, inspiración para nuevas generaciones y admiración de contemporáneos. Sigue siendo tan potente, fresco y único como en aquel lejano 1990.

MORRISSEY – BONA DRAG

En 1990 Morrissey lanzo Bona Drag, el cual es un álbum de lados B y rarezas, ya que la mayoría de las canciones fueron compuestas durante los primeros años de carrera como solista, con excepción de “Suedehead” y “Everyday Is Like Sunday” que venían incluidas en su álbum debut Viva Hate; pero parece de primera instancia no ser un álbum compilatorio, ya que todos las canciones son de alta calidad, e incluso son la mayoría, grandes composiciones de Moz.

La magnífica “Piccadilly Palare”, es una canción esplendorosa de Morrissey; además que en este disco se encuentran grandes clásicos como “Such A Little Thing Makes Such A Big Difference”, o canciones raras como “November Spawned A Monster”; las canciones tranquilas se hacen presentes con “Will Never Marry” y “Yes, I Am Blind” o la cadenciosamente exquisita “The Last Of The Famous International Playboys”.

La producción fue realizada por Stephen Street, quien anteriormente había colaborado en el Viva Hate de 1988, y aquí se nota la evolución de un Morrissey hambriento de demostrar que su nombre no es sinónimo de The Smiths y que podía hacer cosas de igual o mayor calidad.

Lo que le da gran consistencia y fuerza al disco, es que participaron como músicos invitados el resto de The Smiths, exceptuando a Johnny Marr, Andy Rourke (bajo) y Mike Joyce (batería), los cuales con ayuda de otros músicos amalgamaron el sonido ideal para Morrissey. 

Este es un álbum perfecto, gracias a las letras tan personales de Moz, a veces ambiguas, y siempre realizando criticas a la sociedad, el álbum sin duda tiene una gran calidad musical. Bona Drag parece ser un disco de grandes éxitos y no de lados B, irónicamente con un solo disco bajo el brazo, y es uno de los materiales más selectos y perfectamente cuidados de Morrissey.

PIXIES – BOSSANOVA

Después de sorprender al mundo con Surfer Rosa (1988) y de lograr el éxito comercial con Doolittle (1989), el mundo puso los ojos en Pixies para ver qué es lo que podían hacer en una nueva década, y afortunadamente Bossanova no fue la excepción, es un álbum totalmente diferente a sus antecesores.

En Bossanova, continúan las letras extrañas de Black Francis, pero ahora enfocadas en cosas fuera de este mundo, espaciales y en personajes raros, divertidos pero muy extraños, incluso la música que acompaña a esta lírica hace parecer a Pixies, una banda marciana, extraterrestre y solo para raros. La voz de Francis es muy potente, los gritos le imprimen esa angustia de sus personajes, hace vívidas las canciones.

El disco abre y cierra con melodías instrumentales, haciendo un círculo y encerrando las canciones en un plano perfectamente alternativo y marciano, la primera es “Cecilia Ann”, cover de Surftones y la ultima “Havalina”. "Is She Weird?", es una canción totalmente Pixie, muy sexy, con los tiempos marcados y muy graciosa.

En “The Happening”, Francis muestra su obsesión por los OVNI'S, contando una historia muy intrigante; “Dig For Fire”, una de las mejores canciones de la banda, fue incluida en la película de Cameron Crowe, Singles de 1992, pero desafortunadamente no apareció en el soundtrack del filme; “Velouria”, uno de los sencillos, es una canción fuerte e impactante.

Este disco, es su momento no fue muy aceptado, por la crítica ni por los fans, pero al paso de los años, uno se da cuenta del peso que tiene dentro de la discografía de la banda y es, sin duda, uno de sus mejores materiales, demostrando porque Pixies se convirtió en una banda de culto, y fue uno de los precursores del movimiento musical de los 90’s y una de las bandas más influyentes de todos los tiempos.

CAIFANES – CAIFANES II: EL DIABLITO

Caifanes en la década de los 80’s, se mostró como una banda oscura, con letras de ultratumba solo como Saúl Hernandez podía hacerlas, su look era al más puro estilo de The Cure; Caifanes nació en una época donde había poca expresión para el rock mexicano, e incluso su primer gran hit, irónicamente fue una cumbia “La Negra Tomasa”, pero en este tiempo la banda logró sembrar esa semilla que pocas bandas mexicanas podían presumir, una legión de fieles fans.

En 1990, se incorporó un segundo guitarrista, Alejandro Marcovich, quien fue miembro fundador de las Insólitas Imágenes de Aurora (previo a Caifanes), e inmediatamente se notó el cambio, al dejar de llevar la carga Saúl tanto de guitarra principal y voz y dejándole el puesto de guitarra principal a Marcovich que marcó un antes y después en la historia de Caifanes.

El grupo volvió a trabajar con Cachorro López para su segundo álbum y con el entonces no tan conocido Gustavo Santaolalla quien fue solo productor de tres canciones del álbum, ambos supieron dirigir perfectamente al grupo llevándolos a otros límites, sin dejar de lado completamente ese sonido oscuro que al principio de su carrera los caracterizó.

El diablito se escucha más rockero que su antecesor, teniendo ritmos más rápidos y letras más accesibles, pero sin olvidar el lado poético y crítico de Saúl, este álbum lo elevó a una categoría como compositor en el cual pocos podían estar; el disco conserva ese ambiente oscuro en canciones como “Antes De Que Nos Olviden”, “Sombras En Tiempos Perdidos” y “Aquí No Pasa Nada”. El gran sencillo del disco fue “La Célula Que Explota”, un clásico innegable en el rock nacional, en el cual se comienza a notar la influencia de ritmos mexicanos en la música de la banda; letras políticas como “El Elefante”, acompañan el álbum y como olvidar “Detrás De Ti”, obsesiva, atrapante y delirante y no dejemos de mencionar “El Negro Cósmico”, que sencillamente es una de las mejores composiciones del quinteto.

Este disco hizo que Caifanes llevara por un momento la bandera del naciente rock nacional, gracias a la excelente letra y música que emanaba del grupo, y que a pesar de la lejanía del año de lanzamiento, se escucha fresco, potente, un clásico del rock latinoamericano.

Dato extra:

El álbum es conocido por tres nombres: 1) Caifanes II, ya que a un lado del disco traía ese nombre, 2) El diablito, ya que en la parte inferior de la portada trae un "diablito" e incluso el nombre aparece en la misma parte inferior, 3)O bien, por un compuesto de los dos anteriores nombres (el cual es el nombre oficial).