RAGE AGAINST THE MACHINE - RAGE AGAINST THE MACHINE

 

A finales de los ochenta se comenzó a gestar un movimiento interesante, una mezcla de géneros hasta ese momento desconocida pero que a la postre sería conocida como rap metal y sería una gran fuente de inspiración para la siguiente generación de la que nacieron bandas y el sonido que predominaría a finales de la década de los noventa denominado como nu metal, encabezado por grupos como Limp Bizkit, Korn, Deftones, etc, solo que ésta camada no llevaría consigo la consigna política.

Bandas como Red Hot Chili Peppers y Faith No More, hicieron fusiones de rap, rock, metal, funky, en discos emblemáticos como Mother’s Milk (1989) y The Real Thing (1989), respectivamente, así como Public Enemy jugaba en sus mezclas y sampleos con dichos en géneros en álbumes como It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back (1988) y Fear Of A Black Planet (1990), pero agregando letras cargadas de fuerza política y social, esto es el antecedente directo, al grandioso primer álbum homónimo de Rage Against The Machine, cuyo nombre fue tomado de una canción de la anterior banda Inside Out, del vocalista Zack de la Rocha.

Rage Against The Machine está conformado por el mencionado Zack como vocales y letrista, Tom Morello (guitarra), Tim Commerford (bajista) y Brad Wilk (baterista), ellos terminaron por crear el rap metal, el estilo de la banda destaca por el contenido de letras sumamente contestatarias, incendiarias, con carga política y social, una batería contundente, líneas de bajo fuertes con dejos funky, así como una guitarra chillante, que a veces funciona como scratcheos, con utilización de efectos de pedal y wah wah innovadores para la época, sin perder la furia y rapidez necesaria para su discurso, y una voz que grita con desesperación, enojo, rabia, furia contenida, pero que explota en sus momentos cumbres, escupiendo cada una sus palabras en la cara de uno, como si tratara de despertar al escucha de su letargo, todo esto en conjunto, forma un sonido único, duro, directo, canciones que no bajan de los 4 minutos de duración pero que nos mantienen atentos, recibiendo patadas en el cerebelo tratando de formar una conciencia de lo que sucede a nuestro alrededor y ser parte activa de la sociedad. Todo esto es Rage Against The Machine.

La portada del álbum es una fotografía capturada por Malcolm Browne de la inmolación de Thích Quảng Đức, monje vietnamita budista, tomada en 1963. El monje protestó contra su gobierno por la opresión de la religión budista, esta imagen es la perfecta introducción hacia el sonido del disco y de la banda.

El álbum empieza de manera calmada con el track introductorio “Bombtrack”, hasta que explota con un sonido gutural de De La Rocha, y a partir de ahí comienza la batalla, fue seleccionado como el tercer single, la siguiente canción es “Killing In The Name”, primer sencillo del disco y posiblemente la canción más reconocida de la agrupación, es la que les abrió el mercado tanto nacional como internacional, es un tema brutal, agresivo, intenso, que con poca lírica y a ritmo de punk, harcore, rock y hip hop, protesta contra la brutalidad policiaca.

“Take The Power Back”, es una genialidad, los riffs de Morello, son magníficos, es una canción directa y precisa, a continuación, “Settle For Nothing”, es la más tranquila del material, pero eso no quiere decir, que la agrupación se calma, es oscura, potente, tal vez sea la canción más introspectiva, la letra habla sobre la niñez del cantante, la familia disfuncional, la subcultura y la identidad en las pandillas callejeras.

La quinta pista es “Bullet In The Head”, canción emblemática de la banda, segundo single, habla sobre el control del gobierno estadounidense mediante los medios de comunicación y la manipulación que realizan sobre la población, en pocas palabras el lavado de cerebro, es uno de los tracks más fuertes, contiene un coro aplastante y gritos rabiosos, de las mejores composiciones de RATM, “Know Your Enemy”, aquí colaboran Maynard James Keenan (Tool, A Perfect Circle) en los voces y Stephen Perkins (Jane’s Addiction y Porno For Pyros) en las percusiones, con la temática de la creencia del falso sueño americano que al vocalista le enseñaron desde niño, cantada con desesperación y señalando al final del track todo aquello que él considera que fue un engaño, una declaración antisistema.

Para comenzar a cerrar esta joya, viene “Wake Up”, el riff principal está basado en “Kashmir” de Led Zeppelin, y conforme avanza la canción adquiere identidad propia, es un llamado al levantamiento, para observar las cosas que están sucediendo a nuestro alrededor y no nos damos cuenta, como el racismo, es furiosa, es uno de los temas más reconocidos de la banda, es importante señalar que nunca fue sencillo, pero tuvo un gran impulso cuando fue seleccionada para aparecer en el soundtrack de la película The Matrix (1999) de las hermanas Wachowski.

“Fistful Of Steel”, nuevamente Tom Morello muestra sus habilidades en la guitarra produciendo efectos y sonidos únicos, produciendo tonos como si fuera una sirena de policía o una mujer gritando, la batería a veces suena tribal, y el bajo de Commerford es grave y pesado, “Township Rebellion”, crítica feroz a la religión, hacia la ignorancia de la gente a ritmo de funk, aquí cada uno de los miembros luce en el manejo de sus instrumentos.

Y por si todo lo anterior no fuera suficiente nos encontramos como último track con “Freedom”, el broche de oro, cuenta la historia de Leonard Peltier, el indio que fue condenado a cadena perpetua solo por el hecho de defender a su pueblo y a su gente, es una crítica mordaz al sistema judicial norteamericano, simple y sencillo activismo político y social, es un tema enérgico y rabioso, con un final desgarrador gritado por Zack De La Rocha, y a su alrededor, riffs, feedbacks, ruidos, como si una bomba se estuviera consumiendo, el final perfecto para un disco épico.

Rage Against The Machine se convirtió inmediatamente en una banda insignia de los noventa, se escuchó por todos lados, a pesar de que en aquellos días fue prohibida su reproducción en varios medios debido a la violencia de la temática de sus composiciones.

Rage… y su álbum debut, es uno de los mejores discos de la historia, no solo por su legado, o por perfeccionar y prácticamente crear un género sino por ser inspiración para muchas personas, aunque es una lástima que después de más de treinta años de su lanzamiento las letras siguen estando tan frescas y sonantes como en aquel lejano 1992.

THE CURE - WISH

 

A inicios de la década de los noventa explotó un movimiento importante dentro de la industria musical, el grunge, empujado por el segundo álbum de Nirvana, Nevermind (1991), revolucionó por completo, tanto en imagen como en música, y muchas de las bandas consagradas en los años ochenta no pudieron sobrevivir a ese cambio generacional, sin embargo, The Cure, fue de las pocas que supieron aprovechar esos cambios y adaptaron nuevos sonidos a su estilo, sabiendo captar nuevas audiencias y cobijando a sus viejos fans.

En aquella época, no solamente destacó el género grunge, sino que también daba sus primeros esbozos el brit pop, otro género de suma importancia para la década, sino que también, el álbum que vino a revolucionar y a mover todo lo conocido fue Loveless (1991) de My Bloody Valentine, con el ruido inmenso, los feedbacks, el uso de pedales y efectos de guitarra, estableció otro género que ha generado miles de seguidores como es el shoegaze.

Después del impresionante éxito de su anterior disco Desintegration (1989), The Cure, se estableció en la cima del mundo, para muchos es su obra maestra, sin embargo, la agrupación atravesaba problemas legales, cambios de integrantes, y el hastío de la fama por parte de Robert Smith, pero el disco antes mencionado, Loveless, que ha palabras del británico lo pone entre sus 3 discos favoritos de la vida, le dio una bocanada de frescura y quiso plasmar su gusto por el shoegaze en la nueva placa de la banda.

Wish fue producido por su entonces recurrente productor David M. Allen, siendo su última colaboración con la banda y coproducido por Robert Smith, editado en 1992, del que se desprendieron sencillos muy exitosos como “High”, “Friday I’m In Love” y “A Letter To Elise”, los dos primeros tuvieron videos dirigidos por su eterno colaborador Tim Pope, siendo el segundo, uno de los más emblemáticos tanto de la banda como de la década, haciendo un claro homenaje al director de cine, Georges Méliès.

Para este material, se unió a las filas un tercer guitarrista Perry Bamonte, quien funge como tecladista en la banda desde ese álbum y le dio a The Cure, el sonido que Smith buscaba, asimismo, fue el último trabajo en estudio de los integrantes Boris Williams (batería) y Porl Thompson (guitarra), este último, además, es pintor y diseñó la portada del disco, incluso se atrevió a quitar el artículo “The”, dejando solo la palabra “Cure”.

En Wish, The Cure, se alejó del sonido ochentero que lo encumbró, para este material, abundan los solos de guitarra, el sonido está lleno de efectos de guitarra, pedales, wah-wah, capas de guitarras distorsionadas, la batería juega un papel más relevante y el bajo es un hilo conductor en las melodías, suenan más compactos y menos etéreos.

Las líricas abordan los recurrentes temas de amor y desamor, sin dejar el lado sombrío que tanto los ha caracterizado a lo largo de su carrera, pero ahora con un dejo de, que después de la tormenta viene la calma y consigo una luz de esperanza.

En su momento, la placa recibió críticas mixtas, puesto que no ponían a Wish a la altura de Desintegration, señalando que, era muy pop y tenía demasiados momentos brillosos, sin embargo, después de 30 años de su lanzamiento, se ha ido revalorizando, ganando adeptos y considerando muchos temas incluidos dentro de los mejores escritos por Robert Smith.

Hay joyas ocultas en el material, que son de larga duración, pero sin desperdicio alguno, entre ellas “Open”, canción perfecta para abrir el disco, “From The Edge Of The Deep Sea Green”, una maravilla de composición, o “End”, con su pasaje musical, es la canción idónea para el cierre del álbum, incluso se cuenta que fue diseñada así para dar la conclusión a la carrera de The Cure, afortunadamente, no fue así, se encuentran momentos sublimes y hermosos como “Trust” y “To Wish Impossible Things”, llenos de melancolía resaltan la belleza y los altos y bajos de la vida, y que para nada desentonan con el resto de las canciones.

Composiciones como “Doing The Unstuck”, “High” y “Friday I’m In Love”, son los ejemplos claros de las melodías pop, que podemos hallar en Wish, el último tema, es de los temas más reconocidos de la banda y el que impulsó las ventas del disco en los dos lados del Atlántico, cuya rotación fue y es enorme tanto en las estaciones de radio como en los canales de video, y aunque a la banda no le agrede tanto, es uno de sus referentes y un himno generacional.

Wish, es un material importante dentro de la trayectoria de The Cure, y un bálsamo dentro de tanto dolor y angustia que nos provocaba el grunge, un gran álbum.

PORNO FOR PYROS - PORNO FOR PYROS

En 1991, la banda de culto Jane’s Addiction se desintegró debido al problema de consumo de drogas por parte de dos de sus miembros, Dave Navarro (guitarra) y Eric Avery (bajo), el resto de los integrantes, Perry Farrell (vocales) y Stephen Perkins (batería) decidieron continuar con su creación musical, formando una nueva banda, reclutando a Peter DiStefano (guitarra) y Martyn LeNoble (bajo), quien sería el futuro bajista en la reunión de Jane’s Addiction, al cual, bautizaron con el nombre de Porno For Pyros, nombre derivado porque Farrell vio una publicidad de pirotecnia en una revista pornográfica.

Porno For Pyros, lanzó su primer álbum de nombre homónimo en 1993, bajo el mismo sello discográfico de Jane’s… Warner Bros Records, y con la producción de Perry Farrell y Matt Hide, las comparaciones entre Porno For Pyros y Jane’s Addiction no se hicieron esperar y no solo debido a que la mitad de los miembros formaban parte de las dos agrupaciones, sino que algunas canciones fueron escritas en el período de Jane’s Addiction como “Blood Rag” y “Bad Shit”, pero terminadas para este álbum.

Aunque, si se pueden diferenciar los sonidos de ambas bandas, hay que reconocer que existen ciertos destellos del grupo antecesor en Porno For Pyros, pero en esta ocasión las letras de Farrell son maduras y el sexo nuevamente se hace presente, pero algunas de las diferencias más notorias, las canciones son más cortas y directas, tienen un sonido funky gracias al gran bajeo de LeNoble, su estructura es menos convencional, los temas son más apegados a la psicodelia, y convive una mejor instrumentalización, la voz de Farrell está mejor trabajada.

Algunas de las letras, tocan el tema de los disturbios de Los Angeles, como se retrata en “Porno For Pyros”, la violencia en “Packin’ .25” y la tensión racial en “Black Girlfriend”.

Las canciones elegidas como primer single fueron “Cursed Female/Curse Male”, se presentaron así, sin embargo en el disco vienen separadas, el video es controversial debido a que, refleja la homosexualidad y la prostitución masculina a través de un joven, que de día aparenta una imagen pero por la noche busca relaciones ocasionales en las calles o callejones de Hollywood, California, el segundo sencillo fue “Pets”, la letra menciona una analogía entre la extinción de los dinosaurios y la de los seres humanos, y como los extraterrestres nos trataría como mascotas, es la canción más famosa y representativa de la agrupación, por la cual, equivocadamente se le ha llegado a considerar como One Wonder Hit, es diferente al resto de las que conforman al álbum, el video estuvo dirigido por Jonathan Dayton y Valerie Faris (The Smashing Pumpkins, Red Hot Chili Peppers, R.E.M., Oasis), y que tuvo alta rotación en MTV, el tercer single fue “Meija”, que pasó desapercibido y por último, “Sadness”, la que se encarga de abrir al material discográfico, es un tema rápido y trepidante, el cierre del disco llega con “Orgasm”, una pieza sublime que le da una gran conclusión al primer esfuerzo de la banda.

Porno For Pyros, es un buen disco, que se alejó de todo lo hecho anteriormente por Farrell y Perkins, y es un referente de la década de los noventa, un álbum de corta duración, pero efectivo, es un gran ejemplo del rock alternativo que se hacía en aquellos días.

ARRESTED DEVELOPMENT - 3 YEARS, 5 MONTHS AND 2 DAYS IN THE LIFE OF...

 

En 1992, surgió un grupo de hip hop formado en Atlanta, Georgia, Estados Unidos, fundado por Speech y Headliner, quienes se enfocaron en destacar elementos como la espiritualidad, la humanidad, la paz, el amor, el feminismo, la armonía, teniendo como centro en sus letras a la comunidad afro, todo esto, en contraste a lo que se venía exponiendo con sus contemporáneos del gangsta rap, dejando de lado el machismo, las peleas callejeras y el estilo de pandilla, que a la par, estaba obteniendo bastante popularidad.

En aquel año lanzaron su disco debut, 3 Years, 5 Months And 2 Days In The Life Of…, que hace referencia directa al tiempo que la agrupación tardó en grabar su primer disco.

Este álbum fue una sensación, vendió alrededor del mundo 6 millones de copias, colocando tres sencillos en el top 10, “Tennessee”, “People Everyday” y “Mr. Wendal”, además, les brindó el reconocimiento y ganaron premios como discos del año, y en algunas categorías del Grammy.

EL estilo de la agrupación, abraza diversos géneros como el funk, jazz, soul, hip hop, ritmos tribales que en ocasiones evocan al house, mezclan sampleos en sus canciones originales, tomadas de artistas o grupos importantes como Prince, Sly And The Family Stone, Minnie Riperton, Earth, Wind & Fire, James Brown o The Brand New Heavies.

Gracias a su estilo único, y a la popularidad que en su momento tuvieron, fueron impulsores del Southern Hip Hop, cuyas bases las dejarían para que grupos como Outkast, brillaran al final de esa década y a inicios de la siguiente, donde dicho subgénero tuvo su auge.

3 Years…, desde el inicio con “Man’s Final Frontier”, emite un aura de felicidad, de alegría por la vida, con sonidos que inevitablemente, te hacen mover la cabeza y disfrutar de cada uno de los elementos que la conforman.

“People Everyday”, prácticamente, actualizaron el mensaje brindado por Sly And The Family Stone, sampleando su canción “Everyday People”, y su base reggae, sintiéndose orgullos de sus raíces africanas.

Uno de sus grandes himnos llega con “Mr. Wendal”, cuyo tema principal es acerca de las personas sin hogar, y pide que no despreciemos a los humanos solo por la forma en que lucen, se ven o por el estatus económico, sino que aprendamos a tener una vida no materialista.

Sus letras inteligentes son mostradas en canciones como “Fishin’ For Religion”, las líneas de Speech, son enfocadas en la espiritualidad en busca de una teología que tenga un sustento espiritual en vez de un simple consuelo frente al mal.

“Tennessee”, un himno de la banda, fue considerado uno de los mejores singles de la década de los noventa por Slant Magazine, utiliza un sample de “Alphabet St.” de Prince, y cuyas letras están basadas en la experiencia personal de Speech, acerca de la pérdida de dos seres queridos (hermano y abuela).

Dionne Farris, es una cantante, que participó en tres tracks del álbum, “Fishin’ 4 Religion”, “Give A Man A Fish” y el éxito, “Tennessee”, Farris, nunca fue integrante oficial del grupo, ella como Arrested Development, fueron contratados al mismo tiempo por la misma compañía manejadora, y el grupo andaba buscando una cantante, aunque ella no estaba interesada en un inicio en el grupo, accedió a cantar y a ser un miembro no oficial, estuvo con ellos en unas presentaciones y en un desacuerdo con los líderes del grupo, a pesar del éxito que estaban teniendo con “Tennessee”, abandonó el proyecto.

3 Years, 5 Months And 2 Days In The Life Of…, es un gran álbum, lleno de humanismo, esperanza y alegría, 30 años después de su lanzamiento, aún se escucha fresco y vibrante, y sus mensajes aún son vigentes.

JAMES - SEVEN

 

James es una banda británica originaria de Manchester, surgida a inicio de los años ochenta, es de esas agrupaciones que tal vez no han recibido el reconocimiento merecido por su música y trayectoria, pero si la popularidad y fama suficientes para mantenerse a flote y estar presentes a lo largo de 40 años en la música popular contemporánea, de alguna u otra forma, son referencia para muchísimas bandas de Inglaterra y del otro lado del mundo mantiene una base nutrida de fans.

En sus inicios, tocaron en The Hacienda, propiedad de Tony Wilson de Factory Records, abrieron conciertos para New Order y The Smiths, cuyo líder Morrissey mencionó en alguna ocasión, que James era la mejor banda del mundo, lo que llevó a que, en cierto momento, se les considerara protegidos de esta agrupación e incluso se les llegó a comparar en su sonido.

Para 1992, la banda lanzó uno de sus álbumes más exitosos Seven, después de su éxito en tierras inglesas con su disco anterior Gold Mother de 1990, que les hizo girar por toda Europa, recibiendo buenas críticas por su trabajo, y telonear conciertos para The Cure y David Bowie, por lo que, la presión estaba presente, pero no querían repetirse en la formula, y para esta producción querían continuar con dicho éxito, despidieron a Martine McDonagh, manager y entonces novia del líder, Tim Booth, además hicieron cambios de alineación y se unieron nuevos integrantes al grupo, los cuales llegaron a ser siete, (seven) de ahí el título del álbum, aportando nuevas sonoridades a James, teclados, trompeta, nuevo guitarrista y baterista.

En la producción del material, estuvo Youth, miembro de Killing Joke, y conocido productor de The Orb, con Adventures Beyond The Ultraworld (1991) y futuro colaborador de Beth Orton, Dido, y The Verve (Urban Hymns de 1997), quien produjo la mitad del álbum, la otra mitad la realizó la banda en colaboración con Steve Chase.

Cuando fue lanzada esta placa no se hicieron esperar nuevas comparaciones, y se le cataloga comúnmente como rock de estadio, así también, se les empalmó erróneamente con U2 y con Simple Minds.

Los sencillos desprendidos en orden de aparición fueron “Sound”, “Born Of Frustration”, “Ring The Bells” y la homónima a la producción, todas ahora clásicas de la banda, son himnos generacionales y les brindó gran popularidad en Estados Unidos, gracias a esto emprendieron una gira para su promoción en este país, teniendo gran aceptación por parte del público y la crítica y una alta rotación de sus videos en MTV, además, se alejaron por completo de nuevas comparaciones y establecieron su sonido propio.

El disco funciona a la maravilla, lo integran 11 canciones que duran en total cerca de 50 minutos, guardan el sonido folk que había prevalecido en sus producciones anteriores, se amplió su sonido, gracias a la incorporación de nuevos elementos como la trompeta en la popular “Born Of Frustration”, la exploración musical a la que se sometieron repercutió en grandes canciones como “Mother”, en la que el violín roba el protagonismo, la veloz “Bring A Gun”, la balada desgarradora “Protect Me”, dedicada y escrita a Martine McDonagh, y sin mencionar, “Don’t Wait Too Long”, en la que retoman y hacen crecer el sonido de sus primeros intentos.

Una de las características que distinguen a James, es su cantante Tim Booth, que aquí impresiona con sus vocales, siempre teatrales, le impregnan cierto dramatismo a las canciones y su rango vocal y estilo, son inconfundibles y muy reconocibles.

Seven, es un álbum muy importante para la carrera de James, es un emblema para quienes los vieron crecer, un acercamiento para nuevos fans y les dio la apertura a nuevos mercados, definieron su estilo y se consagraron como una de las bandas inglesas más importantes de su tiempo.

BLIND MELON - BLIND MELON

 

Blind Melon trajo de vuelta a la década de los noventa, el rock americano sureño al estilo de Creedence Clearwater Revival o el sonido de Grand Funk Railroad, a la par de sus contemporáneos The Black Crowes, famosos unos años antes con su debut Shake Your Money Maker (1990), pero con la imagen hippie de los años 60 y 70, a diferencia de estos últimos.

La banda californiana ha sido injustamente catalogada por la mayoría del público como One Hit Wonder, y tal vez, lo es, porque no se han permitido explorar más en la discografía de la agrupación aunado a la muerte de su líder y vocalista Shannon Hoon, a los 28 años de edad, debido a una sobredosis, en pleno apogeo de Blind Melon, esto provocó que la banda sea considerada de culto y sea un grupo infravalorado de aquella década.

Pero antes, de que lo descrito sucediera, lanzaron su primer álbum en 1992, el cual, tuvo una buena acogida al inicio gracias a la aparición de Hoon en el video promocional de “Don’t Cry” del álbum Use Your Illusion I de Guns N’ Roses y a la amistad forjada con Axl Rose, participó en los coros tanto de ese disco como de su hermano Use Your Illusion II.

Las ventas del álbum, se dispararon un año después de su entrega, debido al éxito inusitado del single “No Rain”, canción por la cual, es sumamente conocido por las masas, su video es todo un estandarte de esa generación y de MTV, gracias a la imagen tierna de una niña vestida de abeja, la cual, baila, pero no es aceptada en el círculo en el cual se quiere mover, pero encuentra su lugar en el campo junto con otras niñas abeja, esta pieza impulsó las ventas del disco, además, catapultó a la banda al mainstream, abriendo conciertos para Lenny Kravitz, Soundgarden, Neil Young y The Rolling Stones, haciendo gira por su cuenta y presentándose en escenarios tan importantes como Woodstock ’94.

Los singles del material, aparte de la pieza mencionada fueron “Tones Of Home”, cuyo video se lanzó después de “No Rain” y de la que da continuación a la historia de la abeja, “I Wonder” y “Change”, en las cuales se puede escuchar la calidad de músicos que conformaban la banda, además de ser notorio, el buen humor y la excelente relación que tenían porque cada instrumento brilla por cuenta propia pero que nunca opaca al otro.

Contiene temas muy interesantes, como “Paper Scratcher”, donde lucen la potencia de la voz, y los cambios de ritmo, pasando de lo tranquilo a lo fuerte, o la velocidad y los solos de guitarra de “Deserted”, la potencia en “Holyman”, el homenaje a la casa donde comenzó la historia y los ensayos de la agrupación, en “Sleepyhouse”, “Drive”, nos hipnotiza con su ritmo folk y el cierre épico y mágico con la inolvidable “Time”.

El sonido de Blind Melon, es algo único y más si se toma en cuenta, el contexto en el cual fue creado, en aquellos días las guitarras grunge dominaban la escena, lo que el grupo abrazó con gusto de ese género fue la lírica triste y depresiva, sin embargo, suenan esperanzadores y optimistas, la muestra clara es “Change”.

El productor fue Rick Parashar, cuyo trabajo destacado en esos días fue el único y homónimo álbum de Temple Of The Dog (1991), Ten (1991) de Pearl Jam, Sap (1992) de Alice In Chains y ayudó en la producción de algunos tracks del soundtrack de Singles (1992) de Cameron Crowe, esto sin duda, sirvió para que la banda forjara su sonido, y sonara a grunge sin necesariamente tener esa parte ruidosa, cruda, estruendosa, y sin pertenecer a Seattle, conservando el alma de ese género y formando el sonido propio de la banda.

Se cuenta que Parashar, fue seducido por la idea de la banda de utilizar instrumentos y equipos vintage, tanto para la imagen, sonido de la banda y la grabación del disco, el cual, le da vida propia, y se percibe en las guitarras que suenan en diferentes canales de audio, lo que, permite que se note la armonía en cada una de las canciones que conforman el álbum, la voz de Shannon es algo a destacar, pasa de los gritos a la tranquilidad, su peculiar tono de voz, le da un sello distintivo, notas largas y agudas integradas a la perfección entre los arreglos de las composiciones.

Hay que darle oportunidad a esta gran banda, que lamentablemente su carrera fue muy corta y a pesar, de los muchos intentos por conservar la gloria, jamás serán lo mismo, sin su líder, su legado permanece intacto a 30 años de su creación y lanzamiento, es una banda y una producción discográfica que vale la pena reconsiderar y darle su lugar tan importante para la generación de los noventa y aportación a la música contemporánea.

BEASTIE BOYS - CHECK YOUR HEAD

 

Para el año de 1992, Beastie Boys ya habían lanzado dos álbumes de estudio Licensed To Ill (1986), con el cual, llegaron a la cima de la música, e invitaban a la fiesta, al desenfrene, al ligue, tal cual, como adolescentes sin dirección y ávidos de experiencias, bajo la conducción del productor Rick Rubin, combinaron el rap, hip hop con el rock, logrando una fusión interesante.

En 1989 lanzaron al mercado Paul’s Boutique, un álbum donde comenzaron a asentar las bases del después llamado Sampledelica o sampledelia, pero que, en su momento, fue destrozado y no tuvieron el recibimiento esperado, aunque posteriormente, fue revalorado.

Tomando en cuenta, lo anteriormente señalado como antecedentes, se puede situar a la banda, para aquellos en años, en un lugar poco favorable, donde los integrantes no sabían que hacer o adonde dirigirse, o simplemente, no sabían de la continuidad del proyecto, como se señala en Beastie Boys Story (2020) dirigido por Spike Jonze, pero que gracias a la audacia de Adam Yauch o mejor conocido en el escenario como MCA, retornó el trío también conformado por Mike D y AD-Rock al estudio como una banda de rock, para tocar sus propios instrumentos, continuar con sus rimas e incluir elementos como percusiones, teclados o sintetizadores a cargo de Money Mark (quien a partir de este punto y hasta el último álbum de la agrupación en 2011, se convirtió en colaborador principal), que ampliaron sus horizontes musicales, y a destacar el trabajo realizado en la producción de Mario Caldato Jr., quien se encargó de darles frescura a su sonido y alejarlos completamente de lo realizado en sus producciones anteriores.

Aquí aplicaron y ejecutaron con maestría lo aprendido, continuaron con los sampleos (Jimi Hendrix, The Turtles, Bob Dylan, Kool & The Gang, por mencionar algunos), fusionan el funk, rock, hip hop, jazz, groove, fuzz y lo amalgaman a la perfección, y hace que suenen y no a Beastie Boys.

El disco tiene 20 canciones, y se aproxima a la hora de duración, en los cuales, se muestra la creatividad del grupo, contiene temas instrumentales como “Lighten Up”, “Pow”, “In 3’s” y “Groove Holmes”, en esta última destaca el uso de las percusiones, o que sirven como transitorios como “The Biz Vs. The Nuge”, “The Blue Nun” y “Mark On The Bus”, temas con coros muy pegadizos como “Funky Boss”, “Gratitude”, establece las bases y el origen de lo que a la postre sería “Sabotage”, track desprendido de su disco Ill Communication de 1994, con mención aparte el ritmo funk dominante y su bajo impresionante.

La técnica del scratcheo se hace presente en “Finger Lickin’ Good” y “The Maestro”, el tema imponente, dominante y muy bien logrado de “So What’cha Want”, canción infaltable en el repertorio de la agrupación, la frenética “Time For Livin’”, dura y rockera en sus 1.49 de duración, cover de Sly & The Family Stone.

Hay joyas escondidas como la alucinante “Something’s Got To Give”, “Stand Together”, que recupera la esencia de la banda, o la magnífica “Namasté”, increíble tema que cierra esta obra maestra.

El álbum arrojó 6 sencillos, lo que se traduce en su popularidad y el gran recibimiento obtenido, dichos temas fueron las mencionadas “So What’cha Want”, “Gratitude”, “Time For Livin’”, además de “Pass The Mic”, “Jimmy James”, la cual fue grabada en vivo antes del lanzamiento del álbum y “Professor Booty”.

Check Your Head, regresó a las grandes ligas a Beastie Boys, los consolidó como la gran banda que era, entró con gran fuerza en ese mundo alternativo de los noventa, y los dejó como uno de los consentidos del público.

Es un punto cumbre del grupo y uno de los mejores momentos discográficos de la década, un clásico y un infaltable en las colecciones musicales.

TORI AMOS - LITTLE EARTHQUAKES

 

Tori Amos, es una de las mejores compositoras y cantantes femeninas contemporáneas, y lo demostró con mucha fuerza en su álbum debut Little Earthquakes de 1992, acompañada de su voz, su piano y letras personales, cimentaron el camino de una prolífica carrera y abrió el camino para muchas seguidoras.

Tori, en su carta de presentación desnudó su alma, entregó 12 canciones íntimas y muy personales, abordó temas como la religión, la relación con sus padres, sexo, relaciones personales, e incluso, el intento de violación que sufrió, relatado a capela por ella misma, en la angustiante e impactante “Me And A Gun”, que, a palabras de la propia cantante, no fue a través de un arma sino de un cuchillo, cuyo dato hace aún más intrigante y terrorífica su experiencia.

La cantante y compositora norteamericana desborda un talento impresionante en el piano acústico y eléctrico, el manejo de su voz en cada una de las canciones, le imprimen un sello casi teatral, la utilización de instrumentos como la guitarra le dan una fuerza feroz y ese sonido casi rockero como en “Precious Things” y “Leather”, esta última con una letra desgarradora, la batería es precisa en “Girl”, coquetea con el swing en “Happy Phantom” y las baladas no son menores, son impresionantes y con letras muy profundas, que exploran temores y cuestiones personales, como “Mother”, y que decir del cierre del disco, tema monumental, que le da nombre a la producción, “Little Earthquakes”, cantado a dos voces, con un marcado cambio de ritmo, y una fuerza en cada uno de los instrumentos utilizados, hacen una maravillosa melodía, mejor conclusión no pudo tener.

No hay que dejar de mencionar a dos colaboradores muy importantes que apoyaron a la cantautora a la realización de esta producción, el primero Eric Rosse, su novio de aquel entonces, ayudó a darle forma al puñado de composiciones con los cuales contaba, tanto en la producción, arreglos y música, y segundo, Ian Stanley, miembro de la exitosa banda Tears For Fears, quien asumió un papel sumamente significativo, debido a que, conoció a Tori tocando en un bar y, tanto fue el gusto por el apasionamiento que la cantante desbordaba en el escenario, que le hizo la propuesta de moverse a Londres y terminar su álbum debut, lo cual fue vital para que la disquera Atlantic Records aceptara las canciones y lanzara el álbum en el año de 1992, justamente en medio del apogeo del grunge y la popularidad de la música alternativa, pero la sensibilidad, el poder y el talento que tenía Tori Amos, hizo que inmediatamente se ganara un lugar en la industria y fuera admirada y respetada por sus contemporáneos.

Se lanzaron varios sencillos de la producción discográfica, “Silent All These Years”, tuvo una fuerte rotación en MTV, y puso en el panorama musical a Tori, “Crucify”, le ayudó a reafirmar el éxito de su disco, así como “China”, que tiene unos arreglos orquestales fabulosos y la doliente y hermosa canción “Winter”, también la primera en lanzarse fue la mencionada “Me And A Gun”, que, posteriormente fue utilizada en presentaciones a favor de la caridad para recaudar fondos y ayudar a víctimas de violaciones.

Little Earthquakes, fue inspiración para muchas cantautoras y la catapulta para compositoras que destacaron en los noventa como Fiona Apple y Sarah Mclachlan, quien llevó lejos a la representación femenina a la música mediante la creación del efímero festival Lillith Fair (1997-1999), en el que se presentaban exclusivamente mujeres e impulsaba la carrera de nacientes artistas; además, fue una fuente de inspiración para la expresión artística de féminas en otros géneros relacionados al rock-pop como Alanis Morissette, Tracy Bonham, Sheryl Crow, Jewel, Paula Cole, Meredith Brooks, Liz Phair, Lisa Loeb, entre muchas otras, y formó parte de ese club de rock alternativo de chicas de los noventa encabezado por Björk, o por grupos liderados por mujeres como Hole (Courtney Love)y Veruca Salt, etc.

El sonido de Little Earthquakes, a casi 30 años de su lanzamiento, sigue siendo único, la experiencia emocional es inigualable, es un disco esencial para la década, fundamental para la explosión del movimiento musical femenino de los noventa, gracias a su calidad y al virtuosismo de su creadora, es considerado como uno de los mejores álbumes debuts de toda la historia, su legado es indiscutible. Simplemente es una obra maestra contemporánea.

SANTA SABINA - SANTA SABINA

 

Santa Sabina, es una de las agrupaciones más respetadas en la escena del rock mexicano, contemporáneos de Caifanes, Café Tacvba, Fobia, Maldita Vecindad, tenían un estilo único, con influencias en el jazz, progresivo, funk, gótico, con una lírica poética y apoyados en la faceta teatral de su gran líder Rita Guerrero, gracias a su potente voz, y con arreglos muy finos, propios de músicos de conservatorio, ésta impactante combinación logró que la agrupación gozara de estatus de culto, convirtiéndola única en su género, debido a su inigualable estilo.

Este trabajo homónimo de 1992, es el resultado de canciones que la agrupación había compuesto y tocado en vivo, por lo menos, desde tres años antes de su lanzamiento; Santa Sabina fue apoyada y producida por Alfonso André y Alejandro Marcovich, respectivamente, ambos miembros de Caifanes.

A lo largo del disco, se puede notar la calidad musical de los miembros del grupo, canciones como “Vacío”, “Sueño De Agua”, “Siente La Claridad” destacan el poder interpretativo de Rita, también se incluyen tracks sumamente reconocidos y queridos por el público como “Chicles” y su himno “Azul Casi Morado”, “Que Te Pasó” y “Partido En Tres”, expresan el dominio del escenario y la influencia teatral de la vocalista, sin dejar de mencionar, la impactante “Mirrota” favorita entre los seguidores del grupo, tema casi instrumental guiada por la inigualable y poderosa voz de Rita.

Un grandioso álbum debut que muestra el estilo a seguir por la banda en los años venideros, les ayudó a consagrarse entre las mejores bandas mexicanas de todos los tiempos, siendo respetados por sus contemporáneos y llegando a ser influencia en las siguientes generaciones, una banda sublime que nos brindó excelentes canciones y que hoy en día se extraña su presencia en los escenarios.

ALICE IN CHAINS - DIRT

 

Con Dirt (1992), Alice In Chains alcanzó una madurez musical impresionante, ya venían empujando fuertemente en la escena noventera con su álbum debut Facelift (1990), y el grunge vivía su apogeo gracias a la popularidad de Nirvana, por lo que la banda aprovechó esta ola y sacó su material más conciso, que fue bien recibido por el público y la crítica.

De los exponentes dominantes de la escena de Seattle (Pearl Jam, Soundgarden), Alice In Chains fue la banda más metalera de todas, tomó el lado más oscuro de Black Sabbath, lo combinó con riffs poderosos, letras lúgubres y deprimentes, llenas de problemas personales y una magistral voz que podía ir de la calma a la ira rápidamente, en conjunto lograron ese sonido tan característico de la banda, plasmado a lo largo de la placa.

La producción abre con “Them Bones”, un grito contundente que asemeja un golpe fuerte en la cabeza y nos introduce a un mundo sumergido en la oscuridad y depresión; a través de las 13 canciones que conforman el disco, podemos notar a un personaje adicto a las drogas, que se sabe de su situación, pero por gusto, comodidad o imposibilidad no puede salir de su estado, Layne Staley y Jerry Cantrell compositores del grupo, tocan temas como el vacío y soledad de las relaciones fallidas como en “Rain When I Die” y “Down In A Hole”, incluso en esta última comparten las vocales y debido a su semejanza de voz le imprimen un estilo único dentro del rock; también en “Would?” hacen un homenaje a su amigo Andrew Wood, amigo de la banda, vocalista  y líder de Mother Love Bone, fallecido unos años antes, esta canción fue elegida también para promocionar la película Singles (1992) de Cameron Crowe, en la cual, la banda también actúa; “Rooster”, canción compuesta para el padre de Jerry Cantrell, quien combatió en la guerra de Vietnam, y trata de reflejar las ansiedades y miedos producidos por un conflicto bélico, lo cual, va muy a tono con la temática del material discográfico. 

Un tema recurrente es el uso de drogas reflejado claramente en “Sickman”, “Junkhead” y “God Smack”, incluso a partir de “Junkhead”, canción número 7 en el orden del disco y hasta la 12 “Angry Chair”, se pueden hilar y contar una historia de alguien que comienza con el disfrute del consumo de sustancias pero al llegar a la última canción, este personaje pelea con sus demonios internos y se siente amarrado a una silla, de la cual no puede escapar a pesar de los intentos que haga; dentro de esta serie de canciones existe una colaboración interesante del bajista de Slayer, Tom Araya, la canción titulada “Iron Gland” o “Intro (Dream Sequence)” o sin título, dependiendo de la versión del disco.

El álbum vendió millones de copias en todo el mundo, a pesar del tipo de música y lírica que se contiene, tal vez, por la popularidad del género, sin demeritar la calidad del material, lo que, a su vez, fue contraproducente para la banda debido a que Layne Staley, cayó nuevamente y de manera más fuerte en la adicción a la heroína y que a la postre, le daría la muerte.

El legado de Dirt y Alice In Chains es innegable, es de esas pocas bandas que puede navegar entre los fans del metal, del rock, del grunge y salir bien librado, es un álbum redondo, y una pieza fundamental para la música de los noventa y para comprender la evolución del rock en general. Es la obra maestra de Alice In Chains. Larga vida a Dirt.

MADONNA – EROTICA

Madonna en su eterna reinvención publicó en 1992, uno de sus álbumes más criticados durante su carrera, puesto que la temática principal, es la sexualidad en sus diferentes facetas, en su momento vendió millones de copias, pero insuficientes para el peso de Madonna y fue duramente cuestionada, pero con el paso del tiempo, se ha mantenido vigente para las nuevas generaciones.

Después del éxito del también polémico sencillo “Justify My Love” de 1990, Madonna siguió esa línea controvertida ya que al mismo tiempo de la salida de Erotica, salió a la venta su libro “Sex”, lo cual para bien o para mal, durante la era del disco de Erotica, Madonna fue censurada ya sea por MTV, por las radios internacionales e incluso por la TV en general.

El disco genero varios sencillos como “Erotica”, con un video muy controvertido hecho en blanco y negro y sepia, mostrando imágenes lésbicas, homosexuales y de sadomasoquismo, incluso la canción es muy diferente a lo que venía haciendo Madonna, porque la mayor parte de la canción es recitada y no tiene un fácil tarareo pop; “Rain”, es una de las mejores canciones y baladas que haya producido la artista, el excelente video fue dirigido por Mark Romanek, “Fever” y “Deeper and Deeper”, perfectas para las pistas de baile, incluso esta última es una de las preferidas por los fans y el primero el video lo dirigió Stephane Sednaoui y “Bad Girl”, video polémico e incluso censurado por la letra de la canción y por las imágenes mostradas en el video dirigido por David Fincher.

Erotica, es uno de los discos más propositivos dentro de la larga trayectoria de Madonna, incluye diferentes sonidos, tal vez hasta experimentales, combinados con el toque pop y dance como solo Madonna sabe hacerlo; también se le puede considerar una pieza fundamental dentro del pop, ya que marcó una pauta a seguir para varias cantantes femeninas que han recibido su influencia, al saber conjugar la sensualidad y la sexualidad con tintes pop, llevados a las grandes masas y muy a pesar de las duras críticas recibidas es sin duda uno de los mejores álbumes de Madonna.

STONE TEMPLE PILOTS - CORE

Este el álbum debut de la banda, producido por el legendario Brendan O’Brien, en el cual el sonido de los Stone Temple Pilots, fue duramente criticado, para muchos eran una copia exacta tanto de Pearl Jam como de Alice In Chains, o bien, imitadores del sonido Seattle mejor conocido como grunge, ya que supuestamente encajaba dentro de los términos de tantas bandas que surgían a principios de los noventa, que intentaban generar dinero a través de imitaciones de los grupos “grunge”. Para bien o para mal, STP, logro quitarse ese estigma ya que su música y letras se defendieron por si solas, mostrando al mundo que eran una gran banda logrando éxitos como “Plush” o “Creep”.

Core es un disco de rock duro, muy bien logrado, llevadolo a grandes momentos como en “Wicked Garden” o “Dead And Bloated”; sus liricas son un tanto difíciles y un poco cargadas sexualmente hablando como “Crackerman” o “Sex Type Thing” esta ultima siendo acusada por sus detractores como misóginas, pero a pesar de eso, lo que más destaca es la voz de Scott Weiland, que ocupa un amplia gama de tonalidades, ya que pasa desde lo más rasposo y duro, hasta lo más suave, sin perder nunca el toque y dándole estilo y personalidad a la banda.

STP con el pasar de los años, logro un importante reconocimiento durante esta década, y Core es ahora recordado como un gran debut para una de las bandas más importantes dentro de los años noventa, marcando el resto de la carrera de STP, y con un sonido tan agresivo que jamás volverían a encontrar en producciones futuras, además de ser una fuente importante de inspiración para las siguientes generaciones.

SONIC YOUTH – DIRTY

Para 1992, la escena del rock estaba dominado por el “grunge”, grupos como Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden, Stone Temple Pilots, dominaban las estaciones de radio y los canales de música, pero parte de esto se lo debían a una de las bandas más underground de todos los tiempos, Sonic Youth, quienes fueron unos de los propulsores para que ese tipo de música tuviera éxito.

Con su disco anterior Goo (1990), habían tratado de invadir con su música estridente al mainstream y lo lograron de gran forma con su canción más comercial, “Kool Thing”, pero para este álbum, los críticos esperaban algo grande de parte de los padrinos del “grunge”, ya que, como estaba de moda y ellos habían provocado e iniciado este género, tenían que hacer algo único; pero fieles a su estilo, Sonic, hizo el disco más comercial de su carrera, siendo irónicamente muy diferente a la música de moda de aquellos años.

La producción que hizo Butch Vig (The Smashing Pumpkins, Nirvana), fue aclarar el sonido de Sonic Youth, algo muy difícil de lograr, puesto que con sus dos producciones anteriores tanto en el Goo como en Daydream Nation (1988), las guitarras eran un tanto sucias y crudas, pero aquí mantienen cierto orden dentro del caos y la tormenta de distorsión que provoca el grupo.

Es también un disco político, hace críticas al gobierno estadounidense como en “Youth Against Fascism” y “Chapel Hill”, las canciones son interpretadas en igual de proporción por Kim Gordon y Thurston Moore. El ambiente del álbum es oscuro sin caer en la profundidad, pero lleno de poder, como “Purr”, una canción de amor, pero à la Punk, con una actitud tan fuerte que hace recordar a los mismos Sex Pistols.

La experimentación no podía faltar, “Créme Brûlèe” y “Nic Fit” son prueba de ello. Los sencillos del disco fueron “100%”, su video fue dirigido por Spike Jonze, lleno de skateboarding e incluso promocionando a los entonces desconocidos Rage Against The Machine, “Sugar Kane” y la mencionada “Youth Against Fascism”. Dirty, tal vez, no está a la altura de la trilogía Daydream Nation, Sister o Evol, pero es sin duda, uno de los discos más rockeros y consistentes de la carrera de Sonic Youth.

SINGLES – ORIGINAL SOUNDTRACK

Singles (Vida de Solteros, 1992), es una película desarrollada en Seattle, justo en el boom del llamado “grunge”, fue dirigida por Cameron Crowe, originario de esa ciudad, logró con este film, hacer un documento muy valioso de aquella generación tanto con el film como con el soundtrack, ya que los artistas que interpretan las canciones casi todos son de Seattle, sean leyendas de la música o grupos que en esos días apenas se daban a conocer.

El soundtrack reunió bandas muy importantes de la ola del grunge, como Pearl Jam, Soundgarden, Mudhoney, Screaming Trees y Alice In Chains.

Alice in Chains, aporta Would?, en ese entonces una canción nueva que posteriormente en el mismo año apareció en Dirt; Pearl Jam, con “Breath” y “State Of Love And Trust”, canciones que se volvieron de culto entre sus fans, ya que son al estilo del Ten; “Birth Ritual”, de Soundgarden, lleno de metal y la voz desgarradora de Chris Cornell, quien incluso participa con una canción en solitario, la bella “Seasons”; Paul Westerberg, también participa con dos canciones nuevas “Dyslexic Heart” y “Waiting For Somebody”, que son alternativas pero con un sonido pegajoso que hacen que se vean pop, frente al resto de las otras, pero haciendo un perfecto balance en el disco; Mother Love Bone y Mudhoney están presentes ya que son antecesores a ese movimiento musical, la primera con la épica “Chloe Dancer”, y esa voz única del fallecido Andrew Wood, y la segunda con “Overblown”, demostrando que a pesar de que se hizo popular el grunge, ellos seguían manteniendo el lado alternativo en su música; también se encuentra parte del pasado musical de Seattle como Jimi Hendrix y The Lovemongers, la gran “May This Be Love”, que aparece en una parte crucial del film y la segunda conformada por las hermanas Wilson integrantes de Heart, interpretando “Battle Of Evermore” de Led Zeppelin, simplemente grandiosa y al final del álbum está Screaming Trees con “Nearly Lost You”, buena canción y los entonces desconocidos The Smashing Pumpkins con la excelente “Drown”, al más puro estilo Sonic Youth, siendo una de las mejores canciones de su repertorio.

Este fue uno de los primeros soundtracks de los noventa en ser número uno en ventas, teniendo grandes agrupaciones y canciones, y algo más importante, es un documento histórico sobre la influencia de esta música en la cultura de los noventa.