NIRVANA - IN UTERO

 

Nevermind (1991) significó para Nirvana muchas cosas, un éxito en el público y crítica, una rotación continua en canales de televisión y radios, así como el nombramiento de Kurt Cobain, líder de la generación X y del movimiento grunge, sin mencionar las ventas rotundas de millones de copias alrededor del mundo.

Todo lo anterior, devino al mismo tiempo en puntos negativos sobre todo para Cobain, tuvo decaídas con la droga, él y su esposa Courtney Love, tuvieron problemas durante el embarazo de su hija Frances (le dieron ese nombre debido a la admiración que sentía Kurt por Frances McKee, vocalista y guitarra de The Vaselines), problemas legales con el estado por la custodia de Frances, las notas amarillistas de la prensa, la depresión, los dolores estomacales que padecía y el lidiar con la fama repentina, todo esto fue volcado en la grabación de su siguiente placa.

In Utero (1993), fue el nombre con el que se bautizó al tercer material discográfico de la banda, el titulo fue tomado de un poema escrito por Courtney Love.

A pesar del enorme éxito que fue Nevermind, para Cobain, fue un disco sobre producido por Butch Vig (The Smashing Pumpkins, Garbage, Sonic Youth), para esta ocasión querían un disco menos pulido y sucio, comenzaron platicas con Jack Endino, productor de su primer álbum para esto recurrieron al productor de dos álbumes favoritos de Kurt, Surfer Rosa de Pixies (1988) y Pod de The Breeders (1990), Steve Albini (PJ Harvey, Slint), aunque al final de las grabaciones, el grupo no estuvo contento del todo con el producto y contrataron a Scott Litt (conocido por su trabajo en la etapa más prolífica de R.E.M.)para realizar unos cambios y remezclas para los sencillos “Heart Shaped Box” y “All Apologies”.

“Serve The Servants” inicia con una explosión musical que inmediatamente anuncia que este producto no será igual que el anterior, “Scentless Apprentice”, nos señala el lado más crudo y ruidoso de la agrupación, la letra fue inspirada en el libro “El Perfume” de Patrick Süskind, “Heart Shaped Box”, primer single y el único que cuenta con video oficial, dirigido por Anton Corbijn (U2, Depeche Mode, Travis, Johnny Cash, Metallica, Red Hot Chili Peppers).

“Rape Me”, canción censurada por Wal-Mart que evitó que se vendiera en sus estantes, incluso se fabricó una edición en el cual se le cambió el nombre por “Waif Me”, para su venta en dichas tiendas, fue lanzado al mercado como segundo sencillo en un split junto a “All Apologies”.

“Frances Farmer Will Have Her Revenge On Seattle”, una de las canciones que sigue un poco el método del Nevermind, pero experimenta con el noise, su lírica hace referencia a la actriz Frances Farmer, con la cual, Cobain sintió un poco de paralelismo con su vida, “Dumb” una de las dos canciones más suaves de la banda, con la cual, quisieron expresar otro lado artístico de Nirvana, casi en modo acústico es acompañada por un chelo, “Very Ape”, una canción rápida y corta con doble riff de guitarra y una batería espectacular por parte de Dave Grohl, posteriormente, el riff fue sampleado por The Prodigy en “Voodoo People” de su álbum Music For The Jilted Generation (1994).

Continúa con “Milk It”, tema potente, cercana al punk metal, lenta, aderezada con un poco de noise, acompañada de una voz desgarradora, de los más fuertes en el disco, “Pennyroyal Tea”, es la más melodiosa y la que más se acerca al trabajo anterior, una de las canciones más conocidas de la banda, esto porque se le dio mayor difusión, gracias a la inclusión en MTV Unplugged (1994), para el comienzo del fin se encuentran dos canciones ruidosas, “Radio Friendly Unit Shifter” y “Tourette’s”, la primera habla acerca de las canciones comerciales y la segunda es cortísima, rápida en la que Cobain, se dedicó a gritar, y por última, la antes mencionada “All Apologies”, el segundo tema tranquilo, en la que prácticamente, su autor de despidió de todos no sin antes disculparse y con el cierre a tres voces y el coro repetitivo de “All In All Is All We Are”, canción más pegada al pop, algo que Kurt quería hacer asemejando a los primeros sencillos de The Beatles.

En ediciones europeas y mexicana, se encuentra como track oculto a los 23 minutos 59 segundos después de “All Apologies”, “Gallons Of Rubbing Alcohol Flow Through The Strip”, no viene señalada en el listado de canciones.

Los temas tratados en este álbum, continúan siendo muy diversos, abordan el machismo, suicidio, aborto, desintegración familiar, divorcio, drogas, adicciones, lo que muchos críticos han llegado a considerar como situaciones personales que vivía en esa época Kurt Cobain.

In Utero, vendió menos que su antecesor, y eso era de esperarse debido a lo complejo y poco sencillo de abordar, es un documento importante sobre la década de los noventa, y una muestra del camino que tal vez hubiera seguido la banda, arropando sus cualidades artísticas y dejando de lado lo indicado por la industria musical.

Para muchos, In Utero es el mejor disco de Nirvana, para otros es el punto álgido de creatividad de la corta existencia de la banda, para otros es una buena continuación del Nevermind, sea cual sea la opinión, todas coinciden que es uno de los mejores álbumes del movimiento grunge y de la década de los noventa.

THE CHEMICAL BROTHERS - DIG YOUR OWN HOLE

 

En 1995, el dúo británico The Chemical Brothers lanzó su primer álbum Exit Planet Dust, el cual, fue un éxito en ambos lados del Atlántico, ayudaron a acuñar el término big beat, cuya definición representaba fiesta a mediados de la década.

Dos años después, llegó la consagración con uno de los discos más emblemáticos del dúo, el gran Dig Your Own Hole, producido por ellos mismos, en el cual, pondrían la vara aún más alta, demostrando que The Chemical Brothers se renovaría a cada momento de su carrera.

El disco abre con una de las canciones más representativas no solo de The Chemical Brothers y de la década de los noventa, sino de la música electrónica, “Block Rockin’ Beats”, explosión musical que suena tan fresca como la primera vez, fue el segundo sencillo de la placa, simbólico en su carrera es el video producido y realizado por Dom & Nic, en el que vemos a una chica dentro de un club dance.

“Elektrobank”, tercer sencillo del álbum, cuya batería y vocales se quedan pegados en la cabeza, el video dirigido por Spike Jonze, y protagonizado por una joven Sofia Coppola, realizando gimnasia artística.

El sencillo principal fue “Setting Sun”, primer sencillo, publicado previamente al lanzamiento del disco, sin duda, es una de las piezas más recordadas del género, cuenta con colaboración de Noel Gallagher (Oasis), haciendo un gran homenaje a “Tomorrow Never Knows” de The Beatles, el video promocional nuevamente fue realizado por Dom & Nic, y es uno de los más memorables de la década, en cada uno de los videos, como es tradición, Tom Rowlands y Ed Simons, hacen cameos.

Como último single, fue “The Private Psychedelic Reel”, fue lanzado de manera limitada, y elegida para cerrar el material, aquí cuentan con la colaboración de Jonathan Donahue (Mercury Rev) en el clarinete, es un viaje alucinante y psicodélico de más de 9 minutos de duración.

El resto de la producción no tiene desperdicio alguno, es joya tras joya, “Piku”, hip hop psicodélico, el techno rock de la pieza que da nombre al disco, “Dig Your Own Hole”, “It Doesn’t Matter”, es un tema con una base repetitiva pero nunca aburrida, sello de la casa, “Don’t Stop The Rock”, “Get Up On It Like This”, cuya base es más funky que las demás, “Lost In The K-Hole”, disco funk con una extraordinaria producción de bajos, todas mantienen al espectador en un nivel alto de energía y baile, no hay que omitir, “Where Do I Begin”, en la que participa la cantante Beth Orton, y es la que nos permite ir aterrizando de este gran trip, es la penúltima canción, es un tema relativamente tranquilo en comparación al resto del material, pero que en ningún momento demerita su calidad.

Dig Your Own Hole, está integrado y armado como si fuera una sola pieza no hay descanso entre canciones, va una detrás de otra, es un disco perfecto, no se le ve falla por ningún lado, es un determinante en la carrera de The Chemical Brothers y de la electrónica en general, terminó por conquistar a las masas, un clásico en toda la extensión de la palabra.

RAGE AGAINST THE MACHINE - RAGE AGAINST THE MACHINE

 

A finales de los ochenta se comenzó a gestar un movimiento interesante, una mezcla de géneros hasta ese momento desconocida pero que a la postre sería conocida como rap metal y sería una gran fuente de inspiración para la siguiente generación de la que nacieron bandas y el sonido que predominaría a finales de la década de los noventa denominado como nu metal, encabezado por grupos como Limp Bizkit, Korn, Deftones, etc, solo que ésta camada no llevaría consigo la consigna política.

Bandas como Red Hot Chili Peppers y Faith No More, hicieron fusiones de rap, rock, metal, funky, en discos emblemáticos como Mother’s Milk (1989) y The Real Thing (1989), respectivamente, así como Public Enemy jugaba en sus mezclas y sampleos con dichos en géneros en álbumes como It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back (1988) y Fear Of A Black Planet (1990), pero agregando letras cargadas de fuerza política y social, esto es el antecedente directo, al grandioso primer álbum homónimo de Rage Against The Machine, cuyo nombre fue tomado de una canción de la anterior banda Inside Out, del vocalista Zack de la Rocha.

Rage Against The Machine está conformado por el mencionado Zack como vocales y letrista, Tom Morello (guitarra), Tim Commerford (bajista) y Brad Wilk (baterista), ellos terminaron por crear el rap metal, el estilo de la banda destaca por el contenido de letras sumamente contestatarias, incendiarias, con carga política y social, una batería contundente, líneas de bajo fuertes con dejos funky, así como una guitarra chillante, que a veces funciona como scratcheos, con utilización de efectos de pedal y wah wah innovadores para la época, sin perder la furia y rapidez necesaria para su discurso, y una voz que grita con desesperación, enojo, rabia, furia contenida, pero que explota en sus momentos cumbres, escupiendo cada una sus palabras en la cara de uno, como si tratara de despertar al escucha de su letargo, todo esto en conjunto, forma un sonido único, duro, directo, canciones que no bajan de los 4 minutos de duración pero que nos mantienen atentos, recibiendo patadas en el cerebelo tratando de formar una conciencia de lo que sucede a nuestro alrededor y ser parte activa de la sociedad. Todo esto es Rage Against The Machine.

La portada del álbum es una fotografía capturada por Malcolm Browne de la inmolación de Thích Quảng Đức, monje vietnamita budista, tomada en 1963. El monje protestó contra su gobierno por la opresión de la religión budista, esta imagen es la perfecta introducción hacia el sonido del disco y de la banda.

El álbum empieza de manera calmada con el track introductorio “Bombtrack”, hasta que explota con un sonido gutural de De La Rocha, y a partir de ahí comienza la batalla, fue seleccionado como el tercer single, la siguiente canción es “Killing In The Name”, primer sencillo del disco y posiblemente la canción más reconocida de la agrupación, es la que les abrió el mercado tanto nacional como internacional, es un tema brutal, agresivo, intenso, que con poca lírica y a ritmo de punk, harcore, rock y hip hop, protesta contra la brutalidad policiaca.

“Take The Power Back”, es una genialidad, los riffs de Morello, son magníficos, es una canción directa y precisa, a continuación, “Settle For Nothing”, es la más tranquila del material, pero eso no quiere decir, que la agrupación se calma, es oscura, potente, tal vez sea la canción más introspectiva, la letra habla sobre la niñez del cantante, la familia disfuncional, la subcultura y la identidad en las pandillas callejeras.

La quinta pista es “Bullet In The Head”, canción emblemática de la banda, segundo single, habla sobre el control del gobierno estadounidense mediante los medios de comunicación y la manipulación que realizan sobre la población, en pocas palabras el lavado de cerebro, es uno de los tracks más fuertes, contiene un coro aplastante y gritos rabiosos, de las mejores composiciones de RATM, “Know Your Enemy”, aquí colaboran Maynard James Keenan (Tool, A Perfect Circle) en los voces y Stephen Perkins (Jane’s Addiction y Porno For Pyros) en las percusiones, con la temática de la creencia del falso sueño americano que al vocalista le enseñaron desde niño, cantada con desesperación y señalando al final del track todo aquello que él considera que fue un engaño, una declaración antisistema.

Para comenzar a cerrar esta joya, viene “Wake Up”, el riff principal está basado en “Kashmir” de Led Zeppelin, y conforme avanza la canción adquiere identidad propia, es un llamado al levantamiento, para observar las cosas que están sucediendo a nuestro alrededor y no nos damos cuenta, como el racismo, es furiosa, es uno de los temas más reconocidos de la banda, es importante señalar que nunca fue sencillo, pero tuvo un gran impulso cuando fue seleccionada para aparecer en el soundtrack de la película The Matrix (1999) de las hermanas Wachowski.

“Fistful Of Steel”, nuevamente Tom Morello muestra sus habilidades en la guitarra produciendo efectos y sonidos únicos, produciendo tonos como si fuera una sirena de policía o una mujer gritando, la batería a veces suena tribal, y el bajo de Commerford es grave y pesado, “Township Rebellion”, crítica feroz a la religión, hacia la ignorancia de la gente a ritmo de funk, aquí cada uno de los miembros luce en el manejo de sus instrumentos.

Y por si todo lo anterior no fuera suficiente nos encontramos como último track con “Freedom”, el broche de oro, cuenta la historia de Leonard Peltier, el indio que fue condenado a cadena perpetua solo por el hecho de defender a su pueblo y a su gente, es una crítica mordaz al sistema judicial norteamericano, simple y sencillo activismo político y social, es un tema enérgico y rabioso, con un final desgarrador gritado por Zack De La Rocha, y a su alrededor, riffs, feedbacks, ruidos, como si una bomba se estuviera consumiendo, el final perfecto para un disco épico.

Rage Against The Machine se convirtió inmediatamente en una banda insignia de los noventa, se escuchó por todos lados, a pesar de que en aquellos días fue prohibida su reproducción en varios medios debido a la violencia de la temática de sus composiciones.

Rage… y su álbum debut, es uno de los mejores discos de la historia, no solo por su legado, o por perfeccionar y prácticamente crear un género sino por ser inspiración para muchas personas, aunque es una lástima que después de más de treinta años de su lanzamiento las letras siguen estando tan frescas y sonantes como en aquel lejano 1992.

SHAKIRA - ¿DÓNDE ESTÁN LOS LADRONES?

 

¿Dónde Están Los Ladrones?, cuarto material de estudio de la colombiana Shakira, producido por Emilio Estefan, su álbum en español más vendido y exitoso de su trayectoria, es el segundo que se lanzó a nivel internacional y el último previo al crossover con Laundry Service (2001).

El nombre del álbum y de la canción homónima, proviene de una experiencia de la artista, en la cual, fue víctima de robo en un aeropuerto de una maleta, la que contenía, notas, letras y parte de material grabado, que sería este disco, que le daría continuación al también exitoso Pies Descalzos (1995), y a pesar de los esfuerzos por localizar el objeto, nunca fue encontrado por lo que Shakira y su grupo de músicos tuvieron que armarlo de memoria, lo que inspiró a la creación de nuevas canciones como la antes mencionada.

El material es más fresco, sólido y mostrándola a nivel de composición mucho más madura que en su antecesor, se arriesga a incorporar a su sonido, más géneros y da un paso muy importante en su carrera.

Prácticamente, todas las canciones de la producción, son conocidas de alguna u otra forma por el público, derivado de varios factores, por mencionar algunos, porque fueron seis sencillos los que ayudaron a su promoción, un año después de la publicación de ¿Dónde…, se grabó el MTV Unplugged (1999), y varias de las canciones también fueron incluidas en el disco en vivo, por lo que se utilizaron las canciones como promocionales del Unplugged, sin dejar de mencionar, la calidad de los temas o a la popularidad de la que goza el material en el público hispanoparlante.

Las líricas del disco abordan temas comunes como el amor, el desapego a una pareja, incluso se atreve a hacer críticas sociales, muy de manera superficial, pero la colombiana se arriesgó; de los géneros abordados por la artista predominan el pop y rock, incluye trompetas estilo mariachi, armónicas, y sonidos orientales, debido a la imagen proyectada y al estilo de música se le comparó en muchas ocasiones con Alanis Morissette.

Los sencillos elegidos fueron “Ciega, Sordomuda”, “Tú”, cuyo video se grabó en blanco y negro en una sola toma, “Inevitable”, “No Creo”, “Ojos Así” y “Moscas En La Casa”, de los primeros cuatro, su video promocional fue dirigido por Gustavo Garzón (Luis Miguel, La Ley, Maná, Juanes, entre muchos otros), “Ojos Así” el video estuvo a cargo de Mark Kohr (Green Day, Alanis Morissette, No Doubt, Primus, etc.) y el último fue un extracto del MTV Unplugged.

Los otros temas son grandes composiciones y clásicos de la música en español, “Si Te Vas”, “Octavo Día”, “Que Vuelvas”, la mencionada “¿Dónde Están Los Ladrones?” y “Sombra De Ti”, en donde luce la producción de Estefan, y la interpretación de Shakira, el potencial y fuerza de su voz, es una de las grandes características de su música.

“Ojos Así” fue un gran éxito en todas partes del mundo, en el video se muestra a Shakira bailando con vestimentas que hacen alusión a los bailes árabes, que si bien, ella no desconoce debido a que tiene ascendencia libanesa, no estaba segura de grabar dicho video, sin embargo, fue el que le dio el impulso a su carrera, puesto que, se presentó con una producción similar en la premiación de los Grammy Latino en el año 2000, con la que conquistó al mercado anglosajón, incluso se le pidió que hiciera una traducción de esa canción al inglés para su lanzamiento a ese mercado, pero no tuvo la suficiente confianza para hacerlo en ese momento, pero todo este antecedente le sirvió de experiencia para arriesgarse en su siguiente movimiento para la grabación de su primer disco en inglés Laundry Service en el cual, se incluyó una adaptación de esta canción llamada “Eyes Like Yours”, la cual realizó con ayuda de Gloria Estefan.

El disco ha sido considerado dentro de los mejores de la década en muchas publicaciones debido a su importancia y calidad, es el último que Shakira compuso de esa manera, después del crossover, sus composiciones han sido más comerciales y abarcando otros géneros diferentes a los aquí utilizados, pero gracias a este material, es una estrella pop internacional, ¿Dónde Están Los Ladrones?, es la joya escondida dentro la discografía de la cantautora, sin duda es su mejor material, momento cumbre de su carrera.

MY BLOODY VALENTINE - LOVELESS

 

1991 fue un año importante y decisivo para la industria musical, se editaron discos hoy clásicos de la música contemporánea, diversos géneros surgieron o se popularizaron, por mencionar algunos, grunge con Nirvana (Nevermind), Pearl Jam (Ten), Temple Of The Dog (homónimo), el metal tuvo un nuevo empuje con Metallica (Black Album), alternativo con Red Hot Chili Peppers (Blood Sugar Sex Magik), Primus (Sailing The Seas Of Cheese), R.E.M. (Out Of Time) y Primal Scream (Screamadelica), hard rock con Guns N’ Roses (Use Your Illusion I y II) y rock clásico con Lenny Kravitz (Mama Said), trip hop comenzó su explosión con Massive Attack (Blue Lines), electrónica inició su camino exitoso durante la década con The Orb (Adventures Beyond The Ultraworld), post rock con Slint (Spiderland) e incluso el rock latinoamericano alzaba la mano con obras como El Circo de Maldita Vecindad Y Los Hijos Del Quinto Patio y uno más forjaba su efímero pero profundo paso, shoegaze, con su obra maestra, Loveless de My Bloody Valentine.

La banda conformada por Colm Ó Cíosóig (batería), Debbie Googe (bajo), Bilinda Butcher (guitarras y vocales) y su líder Kevin Shields (guitarras y vocales), tardaron más de dos años en la grabación de este emblemático disco.

Mucho se ha contado acerca de la producción y grabación del material, se dice que pasaron por más de una decena de estudios de grabación, así como de ingenieros de sonido, y rebasando el presupuesto hasta las nubes, hasta que llegó Alan Moulder (The Jesus And Mary Chain, Ride, Lush, Nine Inch Nails, The Smashing Pumpkins, U2, A Perfect Circle, Yeah Yeah Yeahs, Arctic Monkeys, etc), quien supo entender e interpretar las ideas de Shields, dando forma a la obra, se llegó a mencionar que Kevin Shields fue el único que tocó los instrumentos para la grabación del disco, excluyendo a todos, excepto a Butcher que participó en las voces y letras de algunas canciones, también se manejó que debido a las altas cuentas de los estudios de grabación, la disquera Creation, se fue a la bancarrota, así como Loveless, fue el culpable que la banda se desintegrara al poco tiempo de su lanzamiento, entre otras tantas cosas que se rumoraron alrededor de su concepción.

My Bloody Valentine fue comparado desde sus inicios con bandas como The Jesus And Mary Chain, Spacemen 3, Sonic Youth, pero gracias a Loveless dieron un paso firme, el cual forjaron un sonido único y distinguible tanto de los grupos mencionados como de sus contemporáneos como Ride, Slowdive y Lush, cabezas principales del movimiento shoegaze.

Loveless está formado por experimentos sonoros, ruidos producidos por la distorsión de las guitarras, tiene muros y muros de sonido construidos con una base sencilla de batería, algunos efectos electrónicos, guitarras que destrozan todo a su paso, voces etéreas que difícilmente se logran percibir como si trataran de salir de las capas de sonido y eso le ayuda a coquetear con el pop, innegable influencia del dream pop (Cocteau Twins), a veces en solitario, la voz susurrante de Bilinda Butcher, en otras a dúo con Shields, a lo largo del material, se escuchan los sampleos de los sampleos, es decir, se grabaron las guitarras o las baterías, y se samplearon y ocuparon una y otra vez, sobre la misma pista que es difícil distinguirlas entre sí.

La experimentación sónica está presente en cada una de las canciones que integran el álbum, el ejemplo perfecto es “Touched”, noise en su máxima expresión, parece un interludio al inicio del álbum, o bien, “Loomer” o “To Here Knows When”, que a lo lejos se percibe la voz de Bilinda.

Como anteriormente se mencionó una de las cualidades de la producción es el acercamiento al pop, ejemplo “When You Sleep”, que tiene una estructura netamente pop, atrapada entre las distorsiones de las guitarras, o “What You Want”, en la que predomina la repetición y distorsión, en ella cantan Butcher y Shields, pero la voz de él se encima sobre los coros de ella.

Los sencillos fueron “Soon”, previamente lanzado en el EP Gilder, “To Here Knows When”, antes de Loveless formó parte del EP Tremolo, “Only Shallow”, único single directo del álbum, y como sencillo promocional “When You Sleep”.

La recepción por parte de la crítica fue prácticamente unánime, al considerarlo un álbum transgresor, definitorio para la época y ha sido influencia por muchas bandas alrededor del mundo, ha sido catalogado por especialistas en innumerables ocasiones entre los discos más importantes y mejores de todos los tiempos, comercialmente tuvo una mejor acogida por Europa, que si bien, nunca estuvo en el top 10, si fue más cálida en comparación al público de los Estados Unidos, que en aquellos días tenían una fascinación y amor por el grunge, debido a que, Loveless, tuvo la buena o mala fortuna de salir al mercado dos meses después del inusitado éxito del Nevermind de Nirvana, lo cual, le ganó con el paso del tiempo el estatus de culto por sus malas ventas, grandes críticas y por la desintegración de la banda.

Loveless, es un álbum difícil de acceder, en un principio sino se está acostumbrado a las distorsiones, pero una vez, manejado esto, se puede disfrutar de los sonidos plasmados por sus creadores, y entender el porqué es un álbum tan importante en la música de los últimos 30 años.

33 años después de su lanzamiento, esta obra maestra, conserva su carácter de innovador y fresco, su leyenda crece cada vez más y más, y que, sin duda, al día de hoy, es un clásico y toda una referencia e influencia, que debe ser escuchado una y otra vez, en repetidas ocasiones.

SODA STEREO - COMFORT Y MÚSICA PARA VOLAR (MTV UNPLUGGED)

 

Comfort Y Música Para Volar es un disco en vivo grabado por Soda Stereo en 1996, forma parte de la serie MTV Unplugged, después de varios intentos por la cadena de videos para incluir a la banda en ese tipo de presentaciones, lo lograron, pero con la libertad de que no sería en formato acústico como se venían haciendo, sino que se presentarían con versiones lentas y complejas, con arreglos diferentes a las originales.

Previo a ellos, los artistas latinoamericanos que se habían presentado fueron Los Fabulosos Cadillacs, Caifanes, Charly García, El Tri, Los Tres y Café Tacvba, que si bien, los dos primeros no se consideran álbumes en vivo, ya que nunca salieron a la venta en formato físico, pero son el antecedente directo, de las versiones no desenchufadas.

El tema elegido para abrir el concierto fue “Un Misil En Mi Placard”, que deja de lado el sonido ska de la versión original y la convierten en una nueva pieza, tomando los acordes de “Chrome Waves” de Ride, un homenaje al shoegaze, que tanto le gustaba a Cerati, solo basta recordar su producción Dynamo (1992).

Como segundo track, otra reversión, ahora de “La Ciudad De La Furia”, cuyos coros se los dejaron a Andrea Echeverri, aprovechando la gira que tenían con Aterciopelados, en los Estados Unidos, lugar donde se grabó Comfort…, esta es la pieza más emblemática de este material, para muchos supera a la original, se olvidan del sonido oscuro ochentero de su éxito, y lo transforman en una canción sensual, larga, llena de efectos de guitarra y pedal, es sublime, a pesar del error cometido por la cantante al final.

“Entre Caníbales” y “Pasos”, la primera con un giro muy sexy, ambas con grandes interpretaciones vocales y arreglos de cuerda muy bien ensamblados por parte de los hermanos Fainguersch, quienes tocaron la viola, violoncello y el fagot, a lo largo de la sesión también apoyados por el cuarto Soda, Tweety González, encargado de los sintetizadores, piano eléctrico y sampler.

Continúa con un par de éxitos de la banda, “Zoom” y “Cuando Pase El Temblor”, que contienen pocos arreglos distintos a las originales, sigue la emotiva “Té Para Tres”, uno de los highlights, es una versión renovada, homenajeando en esta ocasión con el solo de guitarra a “Cementerio Club” de Pescado Rabioso, banda a la que perteneció uno de los ídolos de Cerati, Luis Alberto Spinetta.

“Ángel Eléctrico”, nuevamente es una versión diferente a la presentada en su material Sueño Stereo de 1995, con un sonido hard rock, en el que lucen las habilidades en la guitarra por parte de Gustavo Cerati, sigue “Terapia De Amor Intensiva”, con distorsiones, e improvisaciones por parte de la banda, continúa, “Disco Eterno”, versión psicodélica en la que destacan los pedales y sintetizadores, para cerrar la parte dura, y llena de distorsiones, se encuentra una versión más heavy de “Ella Usó Mi Cabeza Como Un Revólver”, con todo y una ampliación del tema.

Como antesala del cierre, esta “Paseando Por Roma”, una de las canciones sino es que la más movida, con pocos arreglos diferentes, y para cerrar, un cover del grupo Vox Dei, “Génesis”, es el punto culminante de la presentación, con una duración aproximada a los ocho minutos, y el grupo argentino en su máxima expresión.

El disco tiene dos versiones en formato físico, el primero lanzado en 1996, la que solamente se incluyen 7 canciones de la presentación en desorden, y cuatro de relleno, tomados de las sesiones de Sueño Stereo y que quedaron fuera de ese material, (“Sonoman”, “Planeador”, “Coral” y “Superstar”), esto debido a cuestiones legales de derechos discográficos entre Sony/CBS y BMG Ariola, posteriormente, se lanzó la segunda versión en 2007, con todo el show completo y en orden, esto porque Sony adquirió a las otras compañía, convirtiéndose en SONY BMG Group, y por fin, se pudo hacer este lanzamiento.

Comfort Y Música Para Volar MTV Unplugged, es el punto más alto en la carrera de Soda Stereo, un grupo que ya era una leyenda, demostrando seguridad en cada una de sus interpretaciones, para muchos es considerado el mejor “desenchufado” en la historia de los grabados por artistas latinos, lamentablemente fue la última grabación antes de su desintegración en 1997, y de su trayectoria, es sin lugar a dudas, un gran disco.

BELLE AND SEBASTIAN - IF YOU'RE FEELING SINISTER

 

If You’re Feeling Sinister (1996) segundo material de estudio de la banda de Glasgow, Escocia, Belle And Sebastian, el disco más aclamado e importante de su trayectoria.

En 1996, el movimiento grunge ya había vivido sus mejores glorias, y el britpop se encontraba en la cumbre con obras maestras como Different Class (1995) de Pulp, What’s The Story Morning Glory (1995) de Oasis, por mencionar algunas, muchos grupos emergieron en la isla británica y varios de ellos querían sonar a lo que estaba en boca de todos, pero una de esas bandas se salió del molde, Belle And Sebastian, y comenzaron a trabajar un sonido único y distintivo.

Dicho sonido es sofisticado, elegante, delicado, con influencias claras del pop de los 60’s, del folk pop, pop barroco, pop orquestal y del jazz, así como, The Smiths, Simon & Garfunkel, Bob Dylan, The Kinks o The Zombies, se hacen presentes, sin embargo, a pesar de esto, suenan atemporales y frescos.

Stuart Murdoch, líder y cantante del grupo, presenta muchos personajes e historias a través de las letras de las canciones de If You’re Feeling Sinister, aborda temas como sexo, inseguridades, búsqueda de la pertenencia, angustias, suicidio, tristeza, pero la voz y la música no es sombría es agradable al escucha, es sencilla pero no simple.

El álbum se grabó en solo cinco días y a decir de Murdoch, a él no le gusta porque cree que no está bien grabado, por eso decidió hacer una grabación en vivo en 2005, para lanzar al mercado el álbum, If You're Feeling Sinister: Live at the Barbican, para mostrar al público como es que debería sonar este disco.

El álbum es redondo no tiene ninguna pieza que falle, tiene canciones que salen un poco del sonido de la agrupación pero que aun así encajan, como la movida “Me And The Major” o la hermosa “Like Dylan In The Movies”, canción emblemática de la banda.

Belle And Sebastian, gracias a esta producción ganó la popularidad y el estatus que hoy en día conservan después de 27 años de su lanzamiento, If You’re Feeling Sinister, es una obra maestra del pop contemporáneo, un punto tan alto, que la banda nunca más alcanzaría.

Es el disco perfecto para escucharlo en un día tranquilo, recostado, y disfrutando cada melodía, simplemente, un maravilloso y hermoso álbum.

SAINT ETIENNE - FOXBASE ALPHA

 

El nacimiento de Saint Etienne se dio en el puente entre el cambio de década entre los 80’s y 90’s, en Inglaterra, había muchos géneros, estilos y grupos que destacaban, por ejemplo, se encontraban veteranos del synthpop como Depeche Mode, Pet Shop Boys o New Order, The Cure, banda consagrada se encontraba en una etapa de suma creatividad; en el indie pop había nombres como Everything But The Girl y The Sundays; el movimiento Madchester tenía sus mejores tiempos con The Stone Roses, Happy Mondays, The Charlatans; el dream pop estaba representado por Cocteau Twins; My Bloody Valentine, Lush, Ride y Slowdive, venían empujando al shoegaze; mientras que actos como Massive Attack, Paul Oakenfold, The Orb, Orbital y Primal Scream, creaban joyas maestras y llevaban la escena del underground al mainstream.

El nombre Saint Etienne fue tomado de un equipo de futbol de la liga francesa y en un principio fue un dúo de apasionados de la música conformado por Bob Stanley y Pete Wiggs, quienes se alejaron totalmente de los movimientos de aquellos días y utilizaron sampleos y bases del house, dance, dub, techno, rock, soul, pop y lo endulzaron con voces femeninas, que, dicho sea de paso, al principio se pensó en llevar varias cantantes femeninas hasta que se presentó Sarah Cracknell y puso su voz a “Nothing Can Stop Us”, y se quedó con el puesto de manera permanente, convirtiéndose en un trío.

Como primer single se lanzó “Only Love Can Break Your Heart”, cover de Neil Young, es una libre adaptación, la cual elimina por completo la melancolía y le imprime un sello dance cuyo brillo se llevó con gran éxito a las pistas de baile, es importante señalar, que la voz es de Moira Lambert.

“Kiss And Make Up” fue el segundo sencillo de la agrupación, cover de la banda The Field Mice, las vocales contaban con la participación de la cantante de Nueva Zelanda, Donna Savage, aunque posteriormente, ya con la inclusión de Cracknell, se regrabó el tema para incluirla en posteriores ediciones del álbum, como la americana, incluso en esta versión se agrega “People Get Real”, para completar las quince canciones que la componen en vez de las trece que salieron para la versión inglesa.

El estilo de Foxbase Alpha es un pop sofisticado que nos remite inmediatamente a lo catchy de los años 60 y 70’s, con unas voces femeninas susurrantes y canciones finamente producidas.

El eclecticismo es muy definido, tiene piezas instrumentales como “Stoned To Say The Least”, una canción que llama la atención por su ambiente y atmósfera alucinógena o “Like The Swallow”, con un aura misteriosa que navega en el ambient, un verdadero pasaje sonoro, “Spring”, una balada dulcemente elegante, suave, simplemente deslumbrante; los interludios como “Wilson” y “Etienne Gonna Die”, elaboradas con sampleos, esta última toma diálogos de la película de 1987, House Of Games o “This Is Radio Etienne”, encargada de abrir el disco, ocupa sampleos de una transmisión de radio que le da introducción al futbol francés y que es el perfecto preludio para uno de los grandes hits del disco, la ya mencionada “Only Love Can Break Your Heart”; también se encuentran grandes canciones como “Carnt Sleep”, apoyado en el bajo dub y empujado por el enamoramiento, una melodía suave; “She’s The One”, con lírica que lleva al enojo por los celos de una relación con un fino y contagiante sampleo de “I’m In a Different World” de Four Tops.

El amor por Londres de parte de la banda se hace presente en todo el álbum, en títulos como “London Belongs To Me” o en “Girl VII” que menciona varios puntos aleatorios de la capital inglesa.

Celina Nash es la modelo que sale en la portada del álbum, incluso en el disco posterior So Tough de 1993, ella fue quien presentó a Sarah Cracknell con Bob Stanley y Pete Wiggs, mientras fue novia de Stanley formaron un grupo llamado Golden con la colaboración de Jarvis Cocker de Pulp, incluso su hermana Sophie Nash, aparece en el video “Babies” de Pulp.

Foxbase Alpha y Saint Etienne fueron muy importantes para la música inglesa de los años noventa fue el preámbulo para la posterior explosión del britpop, (Oasis, Blur, Suede, Pulp, Supergrass, Elastica, etc.) y uno de los discos y bandas mejor calificados de la época, es un disco singular y ecléctico, atemporal y simplemente muy agradable.

BJÖRK - HOMOGENIC

 

Después de dos álbumes importantes para la década de los 90’s, Debut (1993) y Post (1995), Björk presentó en 1997 su tercer álbum llamado Homogenic.

En sus dos primeros materiales discográficos, Björk jugó con varios géneros como el trip hop, house, sonidos orientales, jungle, electrónica, y con todo aquel instrumento y género que se le ocurrió saliendo muy bien librada de aquellos intentos, para este disco, Björk, recurrió a sonidos que capturó en su tierra natal, Islandia, es decir, grabó en una zona volcánica, todos esos sonidos naturales y con ayuda de programadores los transformó en sonidos electrónicos combinando con arreglos de cuerdas, algo muy diferente e innovador para la época, puesto que conjuntó la vanguardia con lo tradicional.

Lo anterior, se ve reflejado desde el diseño de la portada, creada por el diseñador Alexander McQueen, quien elaboró una estilizada geisha ciborg, un retrato perfecto antiguo y moderno, elegante con una simetría entre los colores elegidos, asimismo, la música dejó de ser ecléctica y se enfocó en sonidos electrónicos fríos con la calidez de las cuerdas.

En su momento, Homogenic no fue bien recibido por la crítica que simplemente no entendía el paso que la artista había dado, ni por su público que veían como la islandesa se alejaba notoriamente de lo brindado en sus primeros años como solista, lo cual se reflejó en las bajas ventas del disco, sin embargo, se lograron colocar cinco sencillos en las listas los cuales fueron:

“Jóga”, primer single del álbum, la cual, es una de las más emblemáticas de la cantante, y es todo un homenaje a Islandia, el video promocional fue dirigido por Michel Gondry, es una animación computarizada de los paisajes de Islandia, “Bacherolette”, fue elegido como segundo sencillo, contiene una imponente sección de cuerdas y una sutil base electrónica, el video fue dirigido también por Gondry, el cual, es uno de los clips más recordados del autor y la cantante, es una obra de arte surrealista, “Hunter”, tercer single, cuya base electrónica coquetea con el jungle y el trip hop, donde brillan los violines y el acordeón, el drama y la atmosfera tétrica hacen una de las mejores canciones de esa etapa de Björk, el video dirigido por Paul White, presenta a la cantante y su transformación en un oso polar, “Alarm Call”, es la canción más accesible del disco, el video fue dirigido por Alexander McQueen, refleja belleza y tranquilidad, con Björk acostada flotando sobre un río adentrado en la selva, y por último, “All Is Full Of Love”, quinto sencillo, cuyo video fue dirigido por Chris Cunningham, que cuenta la historia del ensamblado de dos robots quienes se besan apasionadamente.

El resto de las canciones que contiene el material son: “Unravel”, considerada por Thom Yorke, cantante y líder de Radiohead como su canción favorita, “All Neon Like”, “5 Years”, “Immature” y “Pluto”, esta última es una bestialidad, con referencia al industrial, techno, house experimental, y cuyas distorsiones de la voz y la base musical, hacen una experiencia sonora, una pieza arriesgada de Björk, la canción le debe mucho a la influencia de Aphex Twin, con quien salió de gira durante el tour de Post.

Después de este trabajo, Björk, se movió a terrenos más experimentales, donde tuvo cabida su creatividad y libertad artística, es cierto, que durante ese tiempo perdió muchos seguidores, quedándose con los más fieles, Homogenic, es el último álbum de una tríada perfecta, completada por Debut y Post, su etapa más comercial y accesible.

Homogenic fue un paso arriesgado, pero bien logrado, que le dio cierre a una primera etapa prolífica de la artista, es un álbum vanguardista que si bien, en un inicio no fue bien recibido, poco a poco se fue valorando siendo considerado como uno de los mejores álbumes tanto de la artista como de los últimos 30 años.

SLINT - SPIDERLAND

 

1991 fue el año más importante para la música alternativa, debido a que, se lanzaron álbumes importantes como Screamadelica de Primal Scream, Nevermind de Nirvana, Ten de Pearl Jam, Badmotorfinger de Soundgarden, Achtung Baby! de U2, Use Your Illusion I & II de Guns N’ Roses, Blood Sugar Sex Magik de Red Hot Chili Peppers, The Black Album de Metallica, Blue Lines de Massive Attack, Loveless de My Bloody Valentine, Out Of Time de R.E.M., Adventures Beyond The Ultraworld de The Orb, Mama Said de Lenny Kravitz, El Circo de Maldita Vecindad, Sailing The Seas Of Cheese de Primus, y entre todas estas grandes obras, se encuentra Spiderland de Slint.

En su momento, el álbum no tuvo la difusión en los medios debido a que la banda se desintegró antes del lanzamiento, consecuencia de las estresantes sesiones de grabación, fue producido por Brian Paulson, conocido por realizar sesiones crudas prácticamente en directo, hecho que funciona a la perfección, en Spiderland.

Slint, tiene sus influencias en The Velvet Underground, Gang Of Four, o en géneros como post punk, pero es considerado como un álbum seminal debido a la gran influencia que dejó en muchas bandas como Mogwai, Explosions In The Sky, Godspeed You! Black Emperor, Austin TV, continúan con el legado del math rock y sobretodo se les atribuye la creación del post rock.

El sonido del disco es crudo, oscuro, es casi instrumental, no se guía en lo absoluto por lo convencional, contiene pasajes complejos, intensos, las vocales son desgarradoras, no existen los solos de guitarra, los instrumentos se acompañan y desembocan en melodías bien construidas que evocan al math rock, cada movimiento está calculado, la ejecución es impecable, los susurros y las voces habladas nos provocan cierto temor, conviven armoniosamente el ruido y la distorsión con la tranquilidad, esa paz inquietante de no saber qué es lo que está por ocurrir.

Aquí existe una pregunta, ¿Cómo es que un disco que todos ignoraron llegó a ser uno de los más influyentes de todos los tiempos?, la respuesta se debe a que Steve Albini, reconocido productor por trabajos con Pixies (Surfer Rosa); PJ Harvey (Rid Of Me), The Breeders (Pod), produjo el primer álbum de Slint, y gracias a una reseña favorable que realizó acerca del disco en la revista Melody Maker, señalando que sería “parteaguas para las generaciones venideras”, el disco ganó la fama de estatus de culto.

Spiderland solo cuenta con 6 canciones y la totalidad de duración llega a los 40 minutos, el track abridor es “Breadcrumb Trail”, que nos cuenta la experiencia de una persona en una feria que se encuentra a una adivina, la siguiente es “Nosferatu Man”, inspirada en la película emblema del expresionismo alemán Nosferatu, es una canción en la que todo llega a una tensión y de repente todo explota como si se tratara de una banda de metal, finalizando con feedback, la tercera es “Don, Aman”, nos narra la historia de Don, que se encuentra afuera de un bar apabullado por la ansiedad en el que describe que tiene problemas para convivir con las personas y lo abrumador que es para él, aquí predomina la distorsión, “Washer”, es una carta de despedida de la pareja, es íntima, tiene un clímax ruidoso y es la canción más larga del material con sus nueve minutos de duración, “For Dinner…”, siempre nos mantiene a la expectativa, resalta el estilo único de la batería de parte de Britt Walford y para cerrar la obra se encuentra “Good Morning, Captain”, esta canción se hace presente en el soundtrack de la película Kids de Larry Clark, narra la experiencia de un capitán cuya embarcación ha naufragado y toda la tripulación parece haber perecido en el incidente, y al parecer está en sus últimos momentos de vida, todo estalla al final con guitarras distorsionadas de David Pajo, el bajo omnipresente de Todd Brashear y los gritos angustiosos de Brian McMahan.

Es una injusticia que muchos no pongan este disco a la altura de Revolver de The Beatles o The Dark Side Of The Moon de Pink Floyd, pero el tiempo ha sabido darle el lugar que se merece, un estatus de culto, y una vigencia que parece nunca perderá, Spiderland, es considerado como uno de los álbumes mejor logrados y más influyentes de todos los tiempos, Slint nos brindó una obra perenne.

THE CURE - WISH

 

A inicios de la década de los noventa explotó un movimiento importante dentro de la industria musical, el grunge, empujado por el segundo álbum de Nirvana, Nevermind (1991), revolucionó por completo, tanto en imagen como en música, y muchas de las bandas consagradas en los años ochenta no pudieron sobrevivir a ese cambio generacional, sin embargo, The Cure, fue de las pocas que supieron aprovechar esos cambios y adaptaron nuevos sonidos a su estilo, sabiendo captar nuevas audiencias y cobijando a sus viejos fans.

En aquella época, no solamente destacó el género grunge, sino que también daba sus primeros esbozos el brit pop, otro género de suma importancia para la década, sino que también, el álbum que vino a revolucionar y a mover todo lo conocido fue Loveless (1991) de My Bloody Valentine, con el ruido inmenso, los feedbacks, el uso de pedales y efectos de guitarra, estableció otro género que ha generado miles de seguidores como es el shoegaze.

Después del impresionante éxito de su anterior disco Desintegration (1989), The Cure, se estableció en la cima del mundo, para muchos es su obra maestra, sin embargo, la agrupación atravesaba problemas legales, cambios de integrantes, y el hastío de la fama por parte de Robert Smith, pero el disco antes mencionado, Loveless, que ha palabras del británico lo pone entre sus 3 discos favoritos de la vida, le dio una bocanada de frescura y quiso plasmar su gusto por el shoegaze en la nueva placa de la banda.

Wish fue producido por su entonces recurrente productor David M. Allen, siendo su última colaboración con la banda y coproducido por Robert Smith, editado en 1992, del que se desprendieron sencillos muy exitosos como “High”, “Friday I’m In Love” y “A Letter To Elise”, los dos primeros tuvieron videos dirigidos por su eterno colaborador Tim Pope, siendo el segundo, uno de los más emblemáticos tanto de la banda como de la década, haciendo un claro homenaje al director de cine, Georges Méliès.

Para este material, se unió a las filas un tercer guitarrista Perry Bamonte, quien funge como tecladista en la banda desde ese álbum y le dio a The Cure, el sonido que Smith buscaba, asimismo, fue el último trabajo en estudio de los integrantes Boris Williams (batería) y Porl Thompson (guitarra), este último, además, es pintor y diseñó la portada del disco, incluso se atrevió a quitar el artículo “The”, dejando solo la palabra “Cure”.

En Wish, The Cure, se alejó del sonido ochentero que lo encumbró, para este material, abundan los solos de guitarra, el sonido está lleno de efectos de guitarra, pedales, wah-wah, capas de guitarras distorsionadas, la batería juega un papel más relevante y el bajo es un hilo conductor en las melodías, suenan más compactos y menos etéreos.

Las líricas abordan los recurrentes temas de amor y desamor, sin dejar el lado sombrío que tanto los ha caracterizado a lo largo de su carrera, pero ahora con un dejo de, que después de la tormenta viene la calma y consigo una luz de esperanza.

En su momento, la placa recibió críticas mixtas, puesto que no ponían a Wish a la altura de Desintegration, señalando que, era muy pop y tenía demasiados momentos brillosos, sin embargo, después de 30 años de su lanzamiento, se ha ido revalorizando, ganando adeptos y considerando muchos temas incluidos dentro de los mejores escritos por Robert Smith.

Hay joyas ocultas en el material, que son de larga duración, pero sin desperdicio alguno, entre ellas “Open”, canción perfecta para abrir el disco, “From The Edge Of The Deep Sea Green”, una maravilla de composición, o “End”, con su pasaje musical, es la canción idónea para el cierre del álbum, incluso se cuenta que fue diseñada así para dar la conclusión a la carrera de The Cure, afortunadamente, no fue así, se encuentran momentos sublimes y hermosos como “Trust” y “To Wish Impossible Things”, llenos de melancolía resaltan la belleza y los altos y bajos de la vida, y que para nada desentonan con el resto de las canciones.

Composiciones como “Doing The Unstuck”, “High” y “Friday I’m In Love”, son los ejemplos claros de las melodías pop, que podemos hallar en Wish, el último tema, es de los temas más reconocidos de la banda y el que impulsó las ventas del disco en los dos lados del Atlántico, cuya rotación fue y es enorme tanto en las estaciones de radio como en los canales de video, y aunque a la banda no le agrede tanto, es uno de sus referentes y un himno generacional.

Wish, es un material importante dentro de la trayectoria de The Cure, y un bálsamo dentro de tanto dolor y angustia que nos provocaba el grunge, un gran álbum.

SHERYL CROW - SHERYL CROW

 

En 1993, Sheryl Crow, lanzó al mercado su primer álbum solista titulado Tuesday Night Music Club, realizado con un grupo de músicos de sesión, con el cual, tuvieron varios hits en las listas de popularidad y vendieron millones de discos, gracias a las canciones pegadizas pero de buena manufactura.

Para el año de 1996, Crow editó lo que sería su disco más aclamado y exitoso de su carrera, el homónimo, Sheryl Crow, que inmediatamente la posicionó entre las cantautoras más reconocidas de la industria en la década de los noventas, encabezada por Alanis Morissette, y entre algunas artistas de renombre como Björk y PJ Harvey, así como en el boom de bandas lideradas por mujeres como The Cranberries, Garbage, The Cardigans o No Doubt, solo por mencionar algunas.

En la grabación y producción del disco, prácticamente Sheryl Crow, grabó todos los instrumentos y lo produjo sola, con ayuda en coros de Neil Finn (Crowded House), lo anterior, debido a la diferencia que tuvo con sus músicos de sesión y a la inquietud de Crow, por crecer como compositora, autora y cantante.

En Sheryl Crow, se nota la maduración de la artista, se le nota más segura en su canto y sus cualidades compositoras mejoraron bastante en comparación con el primer álbum, las experiencias aprendidas en giras, presentaciones en vivo y colaboraciones con artistas como Michael Jackson, Don Henley, Belinda Carlisle y Stevie Wonder, se ve plasmada, brindando un puñado de excelentes melodías pop.

Sin dejar de lado sus influencias folk y country, Crow logra amalgamar otros sonidos que encajan a la perfección en su propuesta como el pop, alternativo, rock, blues, y ligeros toques de electrónica y hip hop, todo funciona a la perfección, obteniendo como resultado un álbum sumamente atractivo y para nada aburrido.

Las letras tocan diversos temas como los ovnis en el tema de apertura, “Maybe Angels”, en la cual evoca a los ángeles, y con esa influencia notoria de Led Zeppelin, es la apertura perfecta para mostrar esta nueva etapa de la cantante; “Redemption Day”, es una canción de protesta contra Estados Unidos y su guerra en Bosnia, al puro estilo de country folk con sombras de Bob Dylan, versionada posteriormente por Johnny Cash, para su álbum póstumo de 2010, American VI: Ain't No Grave; “A Change Would Do You Good”, que habla sobre los cambios de la vida, una canción alegre y pop, fue sencillo y uno de sus dos videos fue dirigido por Michel Gondry.

“Home”, último sencillo del álbum, con una letra en la que habla acerca de envejecer y estar enamorado basada en experiencias propias de la cantante, considerada entre sus mejores composiciones, balada con arreglos country, “Sweet Rosalyn”, con sonidos disco, dejos de The Rolling Stones, canción pop, en la que resalta su voz, “Hard To Make A Stand”, la lírica hace referencia al aborto, single del disco, el video promocional fue dirigido por Matthew Amos, conocido por su trabajo con Primal Scream (Rocks, Movin’ On Up, Damaged), Stereo MC’s (Connected, Step It Up), Jesus Jones (Right Here Right Now), Blur (There’s No Other Way), entre muchos otros; “Love Is A Good Thing”, nuevamente retoma la crítica social y ataca contra la venta de armas en las tiendas de Wal-Mart, por lo cual, fue vetada y prohibida la venta del álbum en la tienda departamental; otro sencillo fue “Everyday Is a Winding Road”, es una pieza que brilla por sí sola, con sonidos funky y blues, fue el segundo single y uno de los más exitosos del álbum.

Los temas encargados de cerrar el disco son: “Oh Marie”, canción country, “Superstar”, sonido rockero californiano setentero, “The Book”, es oscura con ambiente opresivo muy diferente al resto del material pero que no desencaja y se acentúa el uso de las cuerdas, “Ordinary World”, estilo bluesero, y finalmente, “Sad Sad World”, balada country, como extra se encuentra una versión acústica y alternativa de “Hard To Make A Stand”.

Sheryl Crow, incluye la pieza más famosa de trayectoria, “If It Makes You Happy”, primer single y punta de lanza para abrir el mercado para Crow, la canción es reconocida y aclamada por el público y mostró en su momento el lado fuerte y rockero de Sheryl, su base de rock alternativo, aunado a la imagen fuerte de la artista con mirada retadora y sus colores brillantes, la composición es una de las canciones emblemáticas de la década y el video tuvo gran rotación en el entonces MTV.

Este segundo álbum es el punto álgido de Sheryl Crow, mediante el cual, alcanzó la madurez artística y el éxito comercial, dejándola en la historia musical como una representante de la década de los noventa, con un álbum completo y digno de ser escuchado.