MOBY - PLAY

 

Moby, es un artista, músico, multiinstrumentista, cantante, compositor, productor, activista, vegano, defensor ferviente de los derechos animales, todo esto y más es Richard Melville Hall, cuyo nombre artístico lo tomó del libro más famoso de su tío tatarabuelo Herman Melville, Moby Dick.

Para finales de la década de los noventa, las listas de popularidad estaban dominadas por el pop y el nü metal, la escena electrónica era encabezada por actos como Fatboy Slim, The Chemical Brothers o The Crystal Method, y por sus vertientes como el techno o el house, por lo tanto, el éxito inusitado de su quinta placa de estudio, Play de 1999, fue algo increíble y pocas veces visto.

El músico, a inicios de la década tuvo un éxito relativo con sus primeras producciones, Go (1992) y Ambient (1993), con el cual, salió de gira con The Prodigy, Orbital y Aphex Twin, posteriormente, obtuvo elogios con Everything Is Wrong (1995), pero el declive fue Animal Rights (1996) y ni con I like To Score (1997), está última es una recopilación de temas de música electrónica que aparecieron en películas, con ninguna tuvo éxito, lo cual, lo llevó a pensar en abandonar la música, pero al recibir apoyo por su disco Animal Rights por parte de Bono y Axl Rose, lo alentó para continuar y producir su álbum más emblemático.

Play, es considerado el primer álbum en licenciar todas las canciones que lo componen (18), han sido utilizadas en distintas películas, comerciales, series de televisión, videojuegos, y en todo lo que se ocurra que sea comercializable, es decir, fue, ha sido, y será el mejor negocio de Moby, debido a las ganancias que esto le genera, independientemente de las ventas físicas.

El éxito de Play fue muy lento, el primer sencillo “Honey” fue lanzado 8 meses antes de la publicación de Play, pero tuvo hasta nueve sencillos, el último fue, “Find My Baby”, la mercadotecnia para este disco, tuvo un gran resultado, ya que no buscaban colocar un sencillo en primer lugar de los charts, si no mantenerlo en las listas, ejemplo claro es, “Porcelain” que fue lanzado casi un año después de la publicación del material.

Moby, soltó toda su creatividad en la creación de Play, juega con el rock, folk, ambient, techno, pop, góspel, blues, utiliza sampleos del trabajo de Alan Lomax, como en las mencionadas “Honey”, “Find My Baby” y “Natural Blues”, contiene cortes netamente placenteros e instrumentales como “Guitar Flute And String”, además, a partir de este punto, agregó voces femeninas en algunos de sus temas, y que, en siguientes producciones realizaría algo similar.

El álbum se divide notoriamente en dos partes, las primeras son netamente canciones comerciales, pop, con ganchos pegadizos, y la segunda, es más ambient, experimental, electrónica, de viajes profundos y existenciales.

Play, también es conocido por generar doce videos musicales para su promoción para un total de 8 singles diferentes, simplemente, “Bodyrock” (3), “Natural Blues” y “Porcelain” (2), además de estar dirigidos por nombres importantes en la industria como, Jonas Akerlund (“Porcelain”), Roman Coppola (“Honey”), David LaChapelle (“Natural Blues”), Joseph Kahn (“South Side”), ésta última con la participación de Gwen Stefani de No Doubt, y cuyo sencillo fue relanzado e incluido en versiones posteriores del álbum, además, del video animado y de la presentación del personaje Little Idiot en “Why Does My Heart Feel So Bad?”, dicho personaje sería utilizado en producciones posteriores.

El éxito del disco fue tal, que se lanzó Play B-Sides, por separado, así como en su versión doble, que incluía el álbum original, o los lanzamientos sustituyendo “South Side” original, por la colaboración en las voces de Gwen Stefani.

Mucho se puede hablar de Moby y Play, su obra maestra, pero sin duda, en un maravilloso álbum, que nos sorprendió a todos, en el momento más inesperado, que estableció a Moby, como artista electrónico, muy arriesgado en su propuesta, pero que ayudó a posicionarlo como un genio de la escena, un gran álbum para cerrar una gran década musical.

APHEX TWIN - SELECTED AMBIENT WORKS VOL. II

 

A finales de la década de los 80’s y principios de los 90’s, se dio un boom, con la música electrónica, se estaban gestando diferentes vertientes en la escena, que si bien, no era un género nuevo, estaba a punto de vivir un momento de auge.

Dentro de esas vertientes, se encontraba el recién retomado ambient, el cual, muchas personas, la consideraban como música relajante, o simplemente, la que podías poner después de una noche dura de fiesta, y comenzaron a surgir DJs, que establecerían nuevos estándares y a quitar etiquetas, de los primeros en realizarlo, fueron The Orb con su sorprendente álbum debut Adventures Beyond The Ultraworld (1991), con el cual, propusieron nuevas reglas al género utilizando sonidos citadinos, voces femeninas, samples y ritmos.

Asimismo, uno de los DJs, si es que así se le puede denominar, es Richard D. James, británico que, en 1992, lanzó su primer álbum Selected Ambient Works 85-92, con este disco comenzó a llamar la atención en la escena, ya que era una recopilación de canciones que tenía guardadas y que no tenía la seguridad ni intención de publicarlas, puesto que, solo las repartía entre sus conocidos y amigos.

Para 1994, publicó su segundo álbum, Selected Ambient Works, Vol. II, y nuevamente, es una recopilación de canciones producidas y creadas por él, en el que, tomó elementos del trabajo realizado por Brian Eno, a finales de los setenta, pero los llevó varios pasos más allá, y distó mucho del sonido de su primer intento.

En este material, James, da rienda suelta a su imaginación o mejor dicho a sus sueños, ya que, según él, la composición del álbum la realizó plasmando sus sueños lúcidos, por eso ninguna tiene ritmo, cuya marca inconfundible es la austeridad de sonidos.

Cada una de las canciones pareciera ser sacada de la retorcida psique de la mente humana, a lo largo de la duración del álbum doble, que ronda las 2 horas y media, se establece un ambiente oscuro, tenso, el cual evoca a una pseudo paz, a una calma relativa antes de que llegue la catástrofe, tiene momentos tensos, pero relajantes, disfrutables, provoca silencios incómodos.

La música de esta producción nos lleva a viajes internos, profundos, pero al mismo tiempo, la disfrutamos mientras hacemos viajes hacia la naturaleza, tiene esa sensación de soledad, de aislamiento, de cada uno de los sonidos, está pensado y calculado, es fría como seres inertes que no expresan emotividad o sensación alguna, pero al mismo tiempo es cálida pero sumamente abrasiva.

La mayoría de las 24 canciones que conforman el álbum (pueden ser más o menos (23-27), dependiendo de la versión y el formato que se tenga), son composiciones “orgánicas”, largas en su duración, y ninguno de los tracks, posee nombre propio, se pueden distinguir por el número consecutivo, y en el arte del disco, se diferencian por los símbolos que el propio artista les puso a cada una de sus composiciones, excepto “Blue Calx”, que había aparecido anteriormente en una compilación de música ambient de 1992, The Philosophy Of Sound And Machine, sin embargo, los títulos de las canciones eventualmente agregados de manera no oficial por Greg Eden un miembro del IDM y empleado eventual de Warp Records, gracias a él, si uno mete el disco a la PC, automáticamente aparecerán los nombre de los temas.

Todo lo anterior, es lo que nos remite la segunda producción de Richard D. James, mientras utiliza su seudónimo favorito Aphex Twin, nombre que, gracias a esta producción, se convirtió en un artista conocido pero que realmente sabemos pocos datos acerca de él, así como su obra, es enigmático.

Aphex Twin, fue de los pioneros del movimiento de la música electrónica conocido como IDM (Intelligent Dance Music), de entre los que destacan son los mencionados The Orb, Boards Of Canada y Autechre.

La portada del disco es el logo distintivo de Aphex Twin, señalada como una reliquia como si una nave extraterrestre, marcara desde los cielos a una pirámide establecida en el desierto, como si pertenecería a un futuro pasado.

El legado de Aphex Twin y su Selected Ambient Works, Vol. II, es tan grande y profundo que, agrupaciones como Radiohead, lo han señalado como una influencia directa de su música, y esto es palpable en sus producciones Kid A (2000) y Amnesiac (2001).

Cuando el álbum fue lanzado, fue destrozado por la crítica, pero extrañamente fue bien recibido por la audiencia, sin tener ningún sencillo pop para la industria llegó a vender una cuantiosa cantidad de copias en el Reino Unido.

En la actualidad, es de los álbumes más aclamados del artista, y que poco a poco, fue ganando un estatus de culto, siendo influencia para muchos artistas y agrupaciones, se ganó el respeto de la industria, dejando para la posteridad un álbum sumamente intrigante, inquietante, pero a la vez importante para la industria.

LEFTFIELD - LEFTISM

 

El dúo conformado por Neil Barnes y Paul Daley, conocido en el mundo musical como Leftfield, entregaron en 1995, una obra maestra de la música electrónica, Leftism, un disco que fue una piedra angular de los noventa y un indispensable para cualquier escucha del propio género.

Leftism, es pieza y parte fundamental para el electro, que se estaba quedando estancada a mediados de la década con las abundantes propuestas del dance, techno y house, pero el dúo inglés llevó a la música un paso más allá, junto con actos como The Chemical Brothers, Orbital, The Prodigy y Underworld, y discos como, In Dust We Trust (1995), Orbital 2 o The Brown Album (1993), Music For The Jilted Generation (1994) y Dubnobasswithmyheadman (1994), respectivamente, fueron los pioneros de la escena en sacar álbumes completos y no solo singles, como se hacía en aquellos días, además, que aportaron y le dieron una mayor seriedad, empuje y popularidad al género.

El álbum fue un compilado de nuevas canciones y de otras previamente lanzadas en años anteriores, éstas recibieron un nuevo tratamiento, sonando distintas a las originales, tal es el caso de “Song Of Life” y “Open Up”.

Para la última canción citada, fue invitado a colaborar en las voces John Lydon a.k.a. Johnny Rotten (integrante y líder de Sex Pistols y Public Image Limited), la letra fue escrita por él y es uno de los highlights de Leftfield, así también, decidieron incluir vocales de artistas que no tuvieran nada que ver con la escena, cosa que era, algo distinto en aquella década, así que invitaron a talentos del reggae como Danny Red en “Inspection Check One”, Earl Sixteen en “Release The Presure” y Lemn Sissay en “21st Century Poem”, además de Toni Halliday de la banda Curve en “Original”, esta última debido a que, Neil Barnes, era fan del grupo londinense y es una de las mejores canciones jamás realizadas tanto por el grupo como por actos de electrónica.

El disco fue un total éxito en ventas, fue aclamado mundialmente y adoptado por los clubes, lo que lo convirtió en uno de los más populares de las pistas de baile, asimismo, la crítica alabó el trabajo del grupo y lo posicionó como un clásico instantáneo del género, además, logró colocar cinco sencillos, las mencionadas “Song Of Life”, “Open Up”, “Original”, “Release The Pressure” y “Afro-Left”.

Algo a destacar de esta producción, es que los DJs, combinan sonidos del dub, trance, ambient, house, reggae, incluyen sonidos tribales, percusiones nativas de África e instrumentos innovadores en esa época como el birimbao; tracks como “Melt”, nos mete a un ambiente espacial y nos remite a una sus composiciones, “A Final Hit”, incluida un año después en el soundtrack de Trainspotting de Danny Boyle, además de haber colaborado con dicho director en la banda sonora de su primera película Shallow Grave de 1994.

El disco abre lentamente, con un poco de ambient, con la mencionada “Release The Pressure”, y después de unos momentos, comienza el frenesí, a partir de este punto, nunca bajan la intensidad; podemos encontrar grandes canciones como “Storm 3000”, con influencias de beats estilo jungle, o “Song Of Life”, que es una maravilla, también comienza lento, pero la canción va creciendo de a poco, evoluciona, se desarrolla, nos mete en un trance del que no podemos despertar, hasta que explota en un progressive house, este track, es la joya de la corona.

Todos los temas incluidos son de alta calidad, son inmensos, te ponen a bailar, e incluso con la que se encarga de cerrar el viaje “21st Century Poem”, es una composición que navega en el chill out, pero nunca pierde intensidad, e incluye un track oculto al finalizar el tema.

Leftism, es transgresor, único en su especie, es un álbum definitorio, contundente, sólido, clásico y referente de la música electrónica, un infaltable para los amantes de la música, es un álbum lleno de energía y baile, que hoy, a más de 25 años de su existencia sigue vigente y atemporal y es uno de los mejores discos de todos los tiempos.