PJ HARVEY - TO BRING YOU MY LOVE

 

PJ Harvey en 1995, lanzó al mercado su disco hasta esa fecha, el más comercial, y uno de los más queridos por el público y de los más elogiados por la prensa mundial.

To Bring You My Love, muestra a una artista completa, con una madurez musical, en plena forma y crecimiento artístico, en el que sus letras, reflejan su personalidad, creando personajes en cada una de ellas, y tal vez, refugiándose en esas letras duras, crudas, enigmáticas, llenas de sensualidad, sin dejar de lado, la rabia, la furia con la que la conocimos en los días de Dry (1992) y Rid Of Me (1993), pero en ese momento, convertida en una femme fatale.

El tercer disco de la artista inglesa, está sumamente influenciado por el blues, con sonidos oscuros, cautivadores, en donde el rango vocal de Harvey se hace presente a veces es seductora, en otras grita con desesperación, en otras es penetrante y oscura, es dura y directa, no abandona el sonido rockero de su guitarra, pero abre su abanico musical con la inclusión de teclados con gestos de teatralidad y con metáforas e imágenes percibidas en sus letras, exponiéndose en cada momento, mostrando su fragilidad y a la vez, se fortalece como mujer.

La evolución entre cada trabajo de Polly Jean Harvey, es notable, en sus dos primeros intentos, tenían esa carga punk, rockera, lo-fi, con guitarras sucias, lastimosas y rasposas, pero ahora, en este punto, suena refinada sus pasos son más calculados y su sonido es más pulido.

Su imagen cambió, dejó de lado su sencillez en el maquillaje, prácticamente nulo en sus primeros años y asumió una actitud de por sí desafiante, pero ahora remarcada por el exceso de maquillaje en los ojos y los labios rojos, incluso, este es, oficialmente el primer disco lanzado como solista, anteriormente, lo hacía con otros músicos, pero eran presentados como trío.

Es la primera colaboración de John Parish, amigo suyo, desde sus primeros intentos en la escena, y que, a partir de aquí, sería su colaborador inseparable, también en la producción, contó con Flood, quien había trabajado en álbumes tan importantes como The Joshua Tree (1987) y Achtung Baby! (1991) de U2, Pretty Hate Machine (1989) y The Downward Spiral (1994) de Nine Inch Nails, Violator (1990) y Songs Of Faith And Devotion (1993) de Depeche Mode.

Con solo 10 canciones y 43 minutos de duración, PJ Harvey, nos mostró la mutación que ella solo podía realizar de un disco a otro, canción tras canción, se escucha fuerte, oscura, intensa, experimental, para muestra, la encargada de abrir el material, la que da título al disco “To Bring You My Love”, una canción oscura, cuyo riff nos hipnotiza, nos cautiva, es un track minimalista, la línea inicial de la letra hace referencia a “Sure’nuff ‘n’ Yes I Do” de Captain Beefheart.

“Meet Ze Monsta”, es un tema teatral, lleno de guitarras, el cual tiene reminiscencias industriales, la cantante asume otro rol, no parece la PJ Harvey, que habíamos conocido, es diferente cambia con cada tema.

“Working For The Man”, tiene una batería seductora, teclados oscuros que logran un ambiente misterioso y un bajo profundo, mientras las letras metafóricas, nos llevan a una mujer buscando un amante, buscando lo que ella desea, destaca la voz por su sonido fúnebre oscuro, deseoso.

“C’Mon Billy”, es uno de los sencillos del álbum, casi acústica, una letra desesperada en el que una mujer rompe con su pareja, y con el deseo que el hombre, conozca a su hijo, pero sabemos que ese solo es el pretexto para que el regrese, el canto es intenso, lastimoso, con una tristeza absoluta, representa la ausencia e imposibilidad del regreso del ser amado. Uno de los temas mejor logrados en la carrera de la cantante.

“Teclo”, una canción minimalista, desborda pasión, emociones, muy blusera, donde la guitarra domina, los solos son profundos, con un paisaje oscuro, aquí el protagonista pide que le manden de nuevo a su amor, inspirada por Teclo, personaje interpretado por Charles Bronson en la película The Guns From Saint Sebastian, destaca la utilización del cencerro por parte de la cantante.

“Long Snake Moan”, es la canción más rockera del álbum, después del bajón que nos da con el track anterior, aquí explota, las guitarras saturadas se hacen presentes, es un éxtasis emocional, una voz potente, rabiosa; el título de la canción hace referencia a “Black Snake Moan” de Blind Lemon Jefferson, cantante y guitarrista de blues de los años 20’s.

“Down By The Water”, el sencillo que encabezó el lanzamiento del material, tal vez, el más exitoso en la carrera de la inglesa, con este track, ganó reconocimiento y exposición debido a la alta rotación que recibió en MTV, incluso el video dirigido por su siempre colaboradora Maria Mochnacz, apareció en un capítulo del show Beavis & Butthead, la letra es oscura, cuyo tema es centrado en el ahogamiento que realiza una mujer a su hija y aún más si le sumamos ese murmullo tenebroso al final de la canción, que hace referencia a la canción folk “Salty Dog Blue” de Lead Belly.

“I Think I’m A Mother”, nuevamente toma influencia de Captain Beefheart, y a su tema “Dropout Boogie”, es una canción minimalista, en la que, casi se percibe la voz de PJ Harvey, es un lo-fi hipnótico, oscuro, Harvey, asume otro rol y sus vocales se agravan y profundizan, mientras el sonido de la batería se mantiene a lo largo del track.

En “Send His Love To Me”, PJ Harvey, pide desesperadamente el amor de su pareja, con tintes religiosos, aunque es gracioso, porque ella nunca ha estado apegada a lo divino, canción folk con gran manejo de voces, acompañamiento de cuerdas y una guitarra acústica le dan forma al penúltimo track del álbum. Tercer y último sencillo del material.

“The Dancer”, es un maravilloso cierre, con una estructura folk, una batería downtempo, mientras la melodía crece conforme al órgano, aquí la teatralidad de la voz se hace más presente que en los tracks anteriores, el dramatismo que le imprime es impresionante, y el solo de guitarra en modo fuzz es increíble.

To Bring You My Love, tercer material de la artista inglesa, fue reconocido y nominado al Mercury Prize de 1995, compitiendo con grandes clásicos como el debut de Elastica, Leftism de Leftfield, Definitely Maybe de Oasis, I Should Coco de Supergrass, Maxinquaye de Tricky y por el ganador de ese año, Dummy de Portishead.

Este material es una piedra angular para PJ Harvey, es el más exitoso comercialmente hablando y sin duda alguna, un clásico de la década, fuente de inspiración para muchos artistas y bandas, un álbum redondo, completo y arriesgado.

JUMBO - RESTAURANT

 

Jumbo, banda regiomontana perteneciente al movimiento denominado Avanzada Regia, que incluía bandas como Zurdok, Volován, Genitallica, Panda, Control Machete, Cartel de Santa, Plastilina Mosh, Kinky, El Gran Silencio, entre otros, todos ellos nombres importantes en la escena del rock nacional, todos con estilos diferentes y diversas influencias, y quienes, hasta el día de hoy, siguen produciendo música y encabezando festivales, cuyo único común denominador, era su ciudad natal, Monterrey, Nuevo León .

En 1998, la banda estaba conformada por Clemente Castillo (voz y guitarra), Charly Castro (bajo), “Flip” Tamez (guitarra) y los hermanos Eddie (teclados) y Enrique González (batería), empezaron a recibir un poco de atención, debido a su participación, en ese año, con la canción “Lo Dudo”, del álbum Un Tributo, dedicado al intérprete José José, en el que, colaboraron nombres reconocidos como Maldita Vecindad Y Los Hijos Del Quinto Patio, Café Tacvba, Beto Cuevas (La Ley), Leonardo De Lozanne (Fobia), o actos, que comenzaban y tenían gran popularidad como Julieta Venegas y Molotov, o emergentes como los citados, Pastilla y El Gran Silencio.

Lo anterior, aún sin haber sacado su primer disco, el cual, fue grabado en ese año y lanzado durante 1999, bajo el cobijo de la disquera BMG y la producción corrió a cargo de Jesús Flores, con la dirección de Óscar López conocido por su trabajo con Caifanes y Julieta Venegas, entre otros.

El álbum abre cono “Monotransistor”, un track rápido, duro y corto, dicho sea de paso, fue el primer sencillo del material; los otros sencillos desprendidos del álbum, fueron “Aquí”, una de las canciones rockeras y más pegadizas, un clásico de la banda; “Fotografía”, una canción emotiva, de las más lentas, pero es una grandiosa composición, en el video, aparecen familiares, amigos y conocidos de la banda, emulando que se toman precisamente fotografías para el recuerdo, entre aquellas personas invitadas se encuentra el líder de Caifanes y Jaguares, Saúl Hernández, cuya relación se formó, porque Jaguares invitó a Jumbo a abrir algunos conciertos en aquellos días; y por último, pero no menos importante, el tema “Siento Que…”, un clásico instantáneo del rock mexicano, una canción que ha sonado por doquier, y una de las consentidas del público, este tema los mandó a los cuernos de la luna, un infaltable en el setlist de cada presentación de la agrupación.

La portada del disco fue tomada en un restaurante regiomontano, llamado AL, lugar muy reconocido de aquella ciudad norteña, y cuyo mesero, que aparece realmente trabajaba en el comercio, su pose fue de lo más natural, ya que nunca se dio cuenta que estaban tomando fotografías, y la banda al momento de escoger, se decidió por esa, porque plasmaba todo lo que ellos querían, mención aparte el video realizado de la canción “Siento Que…”, (versión restaurante), fue grabado en dicho lugar y dirigido por Fernando Eimbcke, fue muy popular en MTV, obteniendo una alta rotación en el canal.

El disco está plagado de excelentes composiciones, que, de no ser, por los sencillos lanzados, pensaríamos que estamos escuchando a otra banda, son canciones, rockeras, contundentes, firmes, “Dulceacido”, “Nova”, “Superactriz”, “Automático”, “Tú Me Ves”, son el ejemplo claro de esta afirmación, se escuchan genuinos, auténticos, y muy frescos.

Jumbo es una de las bandas más mediáticas, populares y queridas de finales de los noventa y principios de los dos miles, y aún continúan obteniendo las mieles de aquel contundente éxito.

Restaurant, álbum debut de la banda, lanzado en 1999, es un álbum que no debe faltar en cualquier colección, es una muestra exacta, de las variaciones y la calidad de ese movimiento musical norteño, un material sumamente exitoso, y que más de 20 años después, la banda no ha podido repetir tanto en calidad como en popularidad. Un gran clásico del rock nacional.

THE CROW - ORIGINAL MOTION PICTURE SOUNDTRACK

 

Son muchas las películas que se producen al año, pero pocas perduran en la memoria colectiva, y que son referente de toda una generación, una de esas afortunadas es The Crow, dirigida por Alex Proyas y actuada en el personaje principal por Brandon Lee (hijo de Bruce Lee).

The Crow, es la adaptación a la pantalla grande, del comic del mismo nombre, un personaje oscuro, gótico, con una historia plagada de violencia, muerte, ira y venganza.

La historia es de Eric Draven y su novia, Shelly Webster, quienes son brutalmente asesinados por una pandilla local, por lo que, el cuervo revive a Eric, para vengarse de todos aquellos que fueron participes de la muerte de él y su amada, mediante algunos poderes que le otorga el animal.

Gracias a la dirección de Proyas y a la excelente actuación de Brandon y por qué no mencionarlo, al fatídico desenlace del actor, a manos de una bala real, metida en una pistola, que fue disparada accidentalmente en la grabación de una escena y que lamentablemente dio muerte al actor, la película inmediatamente cautivó a toda una generación, inspiró a muchos artistas, fue del gusto del público y de la crítica, el filme se convirtió de manera casi instantánea en una película de culto, y como un buen filme, se hizo acompañar de un excelente soundtrack, que plasmó en sonoridad todos aquellos sentimientos y oscuridad atmosférica que rodea a la cinta, tema del que nos ocupa.

El soundtrack es considerado no solo uno de los mejores de la década sino de la historia, es un documento fiel, de mediados de los noventa y del retrato del rock alternativo que incluyó actos legendarios, nuevos y underground.

El track principal, fue hecha exprofeso para la película, y quien más que plasmar la oscuridad y lo gótico que, The Cure con “Burn”, siendo el single que empujó la venta del álbum e incluso en años recientes la banda la toca en sus conciertos en vivo.

Machines Of Loving Grace, aporta la canción “Golgotha Tenement Blues”, banda de rock industrial, quienes tuvieron la oportunidad de leer el guion antes de la filmación y esa fue la inspiración para la composición del track.

“Big Empty” de Stone Temple Pilots, es representante de la onda grunge que se vivía en aquellos días, el track no iba a ser incluido, ya que se aportaría “Only Dying”, pero a la banda le pareció de mal gusto, debido a la muerte accidental del protagonista, y presentaron esta canción que posteriormente, sería uno de los temas de su segundo álbum Purple de 1994.

La cuarta canción, es un cover a Joy Division, que corre a cargo de Nine Inch Nails, un tema potente, fuerte e industrial, hay que mencionar, que, en el comic, en muchas escenas se recurre a letras de diferentes canciones de la banda inglesa, e incluso se buscó que New Order, hiciera un cover de “Love Will Tear Us Apart”, pero el líder Bernard Sumner, se negó debido a que estaban en plena promoción de su álbum Republic (1993).

Rage Against The Machine, aportó el tema “Darkness”, la cual, no fue agregada en su álbum homónimo debut, y había sido presentada como demo, originalmente se llamaba “Darkness Of Greed”, pero para la película, el nombre fue cambiado.

Violent Femmes, presentó “Color Me Once”, es sin duda, uno de los temas más oscuros en la carrera de la agrupación, que le agregó ese sonido tétrico y que encaja perfectamente con el concepto del comic y la película, la canción fue realizada para el filme, y su composición fue llevada a cabo, solo con lo que ellos escucharon de la cinta.

“Ghostrider”, canción original de la banda Suicide, inspirada en el súper héroe de Marvel del mismo nombre, aquí es interpretada y reversionada por Rollins Band, en la cual, Henry Rollins, le hace un homenaje a la banda y no sale por nada del estilo del álbum.

Helmet, aportó una versión alternativa de “Milktoast”, cuya toma original apareció en su álbum de 1994, Betty, con el nombre de “Milquetoast”, en ambas versiones, el productor fue Butch Vig, conocido por su trabajo con Nirvana, The Smashing Pumpkins, Sonic Youth, Garbage, entre otros, cuya toma alternativa, es más distorsionada e industrializada.

“The Badge” de Pantera, es un cover, a la banda hardcore, Poison Idea, una de las grandes canciones de este álbum, y fiel al estilo de la banda es un track de metal duro.

La banda underground, For Love Not Lisa hizo su contribución al soundtrack con “Slip Slide Melting”, en la que, se combina el funk, metal y el hardcore.

My Life With The Thrill Kill Kult y su “After The Flesh”, hicieron un intenso cameo en una breve escena de la película, un track perverso e industrial.

The Jesus And Mary Chain contribuyeron con “Snakedriver”, que fue compuesta para la banda sonora, incluida en su compilación The Sound Of Speed, unos meses antes del lanzamiento del soundtrack, es una canción brillante, una gloriosa composición ruidosa.

La penúltima canción del álbum, es “Time Baby III”, de Medicine, que incluye en las voces a Elizabeth Fraser de Cocteau Twins, y como su nombre lo dice, esta es la tercera versión del tema, la segunda versión aparece en el filme y es una menos pulida, que la incluida en el soundtrack, y la primera versión, es de un demo original de la banda, en duración es más larga que las últimas dos y grabada antes de que la frontwoman Beth Thompson se uniera a la agrupación.

Para cerrar el álbum se encuentra, “It Can’t Rain All The Time” de Jane Siberry, que en la ficción de la película la escribe Eric Draven, cuyo estilo es gótico industrial.

Como podemos ver, el soundtrack incluyó un estilo definido dominado por el industrial, hardrock, rock, metal, gótico, es un documento para entender aquel movimiento alternativo que dominó gran parte de la década y que, en aquel momento gozó de gran popularidad.

Debido a la interesante combinación de muchos elementos y de nombres, tuvo un gran éxito comercial, y aun casi 30 años después de su aparición es un referente, con gran aceptación del público y de la crítica, un álbum definitorio de cómo integrar una gran banda sonora.