BJÖRK - HOMOGENIC

 

Después de dos álbumes importantes para la década de los 90’s, Debut (1993) y Post (1995), Björk presentó en 1997 su tercer álbum llamado Homogenic.

En sus dos primeros materiales discográficos, Björk jugó con varios géneros como el trip hop, house, sonidos orientales, jungle, electrónica, y con todo aquel instrumento y género que se le ocurrió saliendo muy bien librada de aquellos intentos, para este disco, Björk, recurrió a sonidos que capturó en su tierra natal, Islandia, es decir, grabó en una zona volcánica, todos esos sonidos naturales y con ayuda de programadores los transformó en sonidos electrónicos combinando con arreglos de cuerdas, algo muy diferente e innovador para la época, puesto que conjuntó la vanguardia con lo tradicional.

Lo anterior, se ve reflejado desde el diseño de la portada, creada por el diseñador Alexander McQueen, quien elaboró una estilizada geisha ciborg, un retrato perfecto antiguo y moderno, elegante con una simetría entre los colores elegidos, asimismo, la música dejó de ser ecléctica y se enfocó en sonidos electrónicos fríos con la calidez de las cuerdas.

En su momento, Homogenic no fue bien recibido por la crítica que simplemente no entendía el paso que la artista había dado, ni por su público que veían como la islandesa se alejaba notoriamente de lo brindado en sus primeros años como solista, lo cual se reflejó en las bajas ventas del disco, sin embargo, se lograron colocar cinco sencillos en las listas los cuales fueron:

“Jóga”, primer single del álbum, la cual, es una de las más emblemáticas de la cantante, y es todo un homenaje a Islandia, el video promocional fue dirigido por Michel Gondry, es una animación computarizada de los paisajes de Islandia, “Bacherolette”, fue elegido como segundo sencillo, contiene una imponente sección de cuerdas y una sutil base electrónica, el video fue dirigido también por Gondry, el cual, es uno de los clips más recordados del autor y la cantante, es una obra de arte surrealista, “Hunter”, tercer single, cuya base electrónica coquetea con el jungle y el trip hop, donde brillan los violines y el acordeón, el drama y la atmosfera tétrica hacen una de las mejores canciones de esa etapa de Björk, el video dirigido por Paul White, presenta a la cantante y su transformación en un oso polar, “Alarm Call”, es la canción más accesible del disco, el video fue dirigido por Alexander McQueen, refleja belleza y tranquilidad, con Björk acostada flotando sobre un río adentrado en la selva, y por último, “All Is Full Of Love”, quinto sencillo, cuyo video fue dirigido por Chris Cunningham, que cuenta la historia del ensamblado de dos robots quienes se besan apasionadamente.

El resto de las canciones que contiene el material son: “Unravel”, considerada por Thom Yorke, cantante y líder de Radiohead como su canción favorita, “All Neon Like”, “5 Years”, “Immature” y “Pluto”, esta última es una bestialidad, con referencia al industrial, techno, house experimental, y cuyas distorsiones de la voz y la base musical, hacen una experiencia sonora, una pieza arriesgada de Björk, la canción le debe mucho a la influencia de Aphex Twin, con quien salió de gira durante el tour de Post.

Después de este trabajo, Björk, se movió a terrenos más experimentales, donde tuvo cabida su creatividad y libertad artística, es cierto, que durante ese tiempo perdió muchos seguidores, quedándose con los más fieles, Homogenic, es el último álbum de una tríada perfecta, completada por Debut y Post, su etapa más comercial y accesible.

Homogenic fue un paso arriesgado, pero bien logrado, que le dio cierre a una primera etapa prolífica de la artista, es un álbum vanguardista que si bien, en un inicio no fue bien recibido, poco a poco se fue valorando siendo considerado como uno de los mejores álbumes tanto de la artista como de los últimos 30 años.

SLINT - SPIDERLAND

 

1991 fue el año más importante para la música alternativa, debido a que, se lanzaron álbumes importantes como Screamadelica de Primal Scream, Nevermind de Nirvana, Ten de Pearl Jam, Badmotorfinger de Soundgarden, Achtung Baby! de U2, Use Your Illusion I & II de Guns N’ Roses, Blood Sugar Sex Magik de Red Hot Chili Peppers, The Black Album de Metallica, Blue Lines de Massive Attack, Loveless de My Bloody Valentine, Out Of Time de R.E.M., Adventures Beyond The Ultraworld de The Orb, Mama Said de Lenny Kravitz, El Circo de Maldita Vecindad, Sailing The Seas Of Cheese de Primus, y entre todas estas grandes obras, se encuentra Spiderland de Slint.

En su momento, el álbum no tuvo la difusión en los medios debido a que la banda se desintegró antes del lanzamiento, consecuencia de las estresantes sesiones de grabación, fue producido por Brian Paulson, conocido por realizar sesiones crudas prácticamente en directo, hecho que funciona a la perfección, en Spiderland.

Slint, tiene sus influencias en The Velvet Underground, Gang Of Four, o en géneros como post punk, pero es considerado como un álbum seminal debido a la gran influencia que dejó en muchas bandas como Mogwai, Explosions In The Sky, Godspeed You! Black Emperor, Austin TV, continúan con el legado del math rock y sobretodo se les atribuye la creación del post rock.

El sonido del disco es crudo, oscuro, es casi instrumental, no se guía en lo absoluto por lo convencional, contiene pasajes complejos, intensos, las vocales son desgarradoras, no existen los solos de guitarra, los instrumentos se acompañan y desembocan en melodías bien construidas que evocan al math rock, cada movimiento está calculado, la ejecución es impecable, los susurros y las voces habladas nos provocan cierto temor, conviven armoniosamente el ruido y la distorsión con la tranquilidad, esa paz inquietante de no saber qué es lo que está por ocurrir.

Aquí existe una pregunta, ¿Cómo es que un disco que todos ignoraron llegó a ser uno de los más influyentes de todos los tiempos?, la respuesta se debe a que Steve Albini, reconocido productor por trabajos con Pixies (Surfer Rosa); PJ Harvey (Rid Of Me), The Breeders (Pod), produjo el primer álbum de Slint, y gracias a una reseña favorable que realizó acerca del disco en la revista Melody Maker, señalando que sería “parteaguas para las generaciones venideras”, el disco ganó la fama de estatus de culto.

Spiderland solo cuenta con 6 canciones y la totalidad de duración llega a los 40 minutos, el track abridor es “Breadcrumb Trail”, que nos cuenta la experiencia de una persona en una feria que se encuentra a una adivina, la siguiente es “Nosferatu Man”, inspirada en la película emblema del expresionismo alemán Nosferatu, es una canción en la que todo llega a una tensión y de repente todo explota como si se tratara de una banda de metal, finalizando con feedback, la tercera es “Don, Aman”, nos narra la historia de Don, que se encuentra afuera de un bar apabullado por la ansiedad en el que describe que tiene problemas para convivir con las personas y lo abrumador que es para él, aquí predomina la distorsión, “Washer”, es una carta de despedida de la pareja, es íntima, tiene un clímax ruidoso y es la canción más larga del material con sus nueve minutos de duración, “For Dinner…”, siempre nos mantiene a la expectativa, resalta el estilo único de la batería de parte de Britt Walford y para cerrar la obra se encuentra “Good Morning, Captain”, esta canción se hace presente en el soundtrack de la película Kids de Larry Clark, narra la experiencia de un capitán cuya embarcación ha naufragado y toda la tripulación parece haber perecido en el incidente, y al parecer está en sus últimos momentos de vida, todo estalla al final con guitarras distorsionadas de David Pajo, el bajo omnipresente de Todd Brashear y los gritos angustiosos de Brian McMahan.

Es una injusticia que muchos no pongan este disco a la altura de Revolver de The Beatles o The Dark Side Of The Moon de Pink Floyd, pero el tiempo ha sabido darle el lugar que se merece, un estatus de culto, y una vigencia que parece nunca perderá, Spiderland, es considerado como uno de los álbumes mejor logrados y más influyentes de todos los tiempos, Slint nos brindó una obra perenne.

THE CURE - WISH

 

A inicios de la década de los noventa explotó un movimiento importante dentro de la industria musical, el grunge, empujado por el segundo álbum de Nirvana, Nevermind (1991), revolucionó por completo, tanto en imagen como en música, y muchas de las bandas consagradas en los años ochenta no pudieron sobrevivir a ese cambio generacional, sin embargo, The Cure, fue de las pocas que supieron aprovechar esos cambios y adaptaron nuevos sonidos a su estilo, sabiendo captar nuevas audiencias y cobijando a sus viejos fans.

En aquella época, no solamente destacó el género grunge, sino que también daba sus primeros esbozos el brit pop, otro género de suma importancia para la década, sino que también, el álbum que vino a revolucionar y a mover todo lo conocido fue Loveless (1991) de My Bloody Valentine, con el ruido inmenso, los feedbacks, el uso de pedales y efectos de guitarra, estableció otro género que ha generado miles de seguidores como es el shoegaze.

Después del impresionante éxito de su anterior disco Desintegration (1989), The Cure, se estableció en la cima del mundo, para muchos es su obra maestra, sin embargo, la agrupación atravesaba problemas legales, cambios de integrantes, y el hastío de la fama por parte de Robert Smith, pero el disco antes mencionado, Loveless, que ha palabras del británico lo pone entre sus 3 discos favoritos de la vida, le dio una bocanada de frescura y quiso plasmar su gusto por el shoegaze en la nueva placa de la banda.

Wish fue producido por su entonces recurrente productor David M. Allen, siendo su última colaboración con la banda y coproducido por Robert Smith, editado en 1992, del que se desprendieron sencillos muy exitosos como “High”, “Friday I’m In Love” y “A Letter To Elise”, los dos primeros tuvieron videos dirigidos por su eterno colaborador Tim Pope, siendo el segundo, uno de los más emblemáticos tanto de la banda como de la década, haciendo un claro homenaje al director de cine, Georges Méliès.

Para este material, se unió a las filas un tercer guitarrista Perry Bamonte, quien funge como tecladista en la banda desde ese álbum y le dio a The Cure, el sonido que Smith buscaba, asimismo, fue el último trabajo en estudio de los integrantes Boris Williams (batería) y Porl Thompson (guitarra), este último, además, es pintor y diseñó la portada del disco, incluso se atrevió a quitar el artículo “The”, dejando solo la palabra “Cure”.

En Wish, The Cure, se alejó del sonido ochentero que lo encumbró, para este material, abundan los solos de guitarra, el sonido está lleno de efectos de guitarra, pedales, wah-wah, capas de guitarras distorsionadas, la batería juega un papel más relevante y el bajo es un hilo conductor en las melodías, suenan más compactos y menos etéreos.

Las líricas abordan los recurrentes temas de amor y desamor, sin dejar el lado sombrío que tanto los ha caracterizado a lo largo de su carrera, pero ahora con un dejo de, que después de la tormenta viene la calma y consigo una luz de esperanza.

En su momento, la placa recibió críticas mixtas, puesto que no ponían a Wish a la altura de Desintegration, señalando que, era muy pop y tenía demasiados momentos brillosos, sin embargo, después de 30 años de su lanzamiento, se ha ido revalorizando, ganando adeptos y considerando muchos temas incluidos dentro de los mejores escritos por Robert Smith.

Hay joyas ocultas en el material, que son de larga duración, pero sin desperdicio alguno, entre ellas “Open”, canción perfecta para abrir el disco, “From The Edge Of The Deep Sea Green”, una maravilla de composición, o “End”, con su pasaje musical, es la canción idónea para el cierre del álbum, incluso se cuenta que fue diseñada así para dar la conclusión a la carrera de The Cure, afortunadamente, no fue así, se encuentran momentos sublimes y hermosos como “Trust” y “To Wish Impossible Things”, llenos de melancolía resaltan la belleza y los altos y bajos de la vida, y que para nada desentonan con el resto de las canciones.

Composiciones como “Doing The Unstuck”, “High” y “Friday I’m In Love”, son los ejemplos claros de las melodías pop, que podemos hallar en Wish, el último tema, es de los temas más reconocidos de la banda y el que impulsó las ventas del disco en los dos lados del Atlántico, cuya rotación fue y es enorme tanto en las estaciones de radio como en los canales de video, y aunque a la banda no le agrede tanto, es uno de sus referentes y un himno generacional.

Wish, es un material importante dentro de la trayectoria de The Cure, y un bálsamo dentro de tanto dolor y angustia que nos provocaba el grunge, un gran álbum.

SHERYL CROW - SHERYL CROW

 

En 1993, Sheryl Crow, lanzó al mercado su primer álbum solista titulado Tuesday Night Music Club, realizado con un grupo de músicos de sesión, con el cual, tuvieron varios hits en las listas de popularidad y vendieron millones de discos, gracias a las canciones pegadizas pero de buena manufactura.

Para el año de 1996, Crow editó lo que sería su disco más aclamado y exitoso de su carrera, el homónimo, Sheryl Crow, que inmediatamente la posicionó entre las cantautoras más reconocidas de la industria en la década de los noventas, encabezada por Alanis Morissette, y entre algunas artistas de renombre como Björk y PJ Harvey, así como en el boom de bandas lideradas por mujeres como The Cranberries, Garbage, The Cardigans o No Doubt, solo por mencionar algunas.

En la grabación y producción del disco, prácticamente Sheryl Crow, grabó todos los instrumentos y lo produjo sola, con ayuda en coros de Neil Finn (Crowded House), lo anterior, debido a la diferencia que tuvo con sus músicos de sesión y a la inquietud de Crow, por crecer como compositora, autora y cantante.

En Sheryl Crow, se nota la maduración de la artista, se le nota más segura en su canto y sus cualidades compositoras mejoraron bastante en comparación con el primer álbum, las experiencias aprendidas en giras, presentaciones en vivo y colaboraciones con artistas como Michael Jackson, Don Henley, Belinda Carlisle y Stevie Wonder, se ve plasmada, brindando un puñado de excelentes melodías pop.

Sin dejar de lado sus influencias folk y country, Crow logra amalgamar otros sonidos que encajan a la perfección en su propuesta como el pop, alternativo, rock, blues, y ligeros toques de electrónica y hip hop, todo funciona a la perfección, obteniendo como resultado un álbum sumamente atractivo y para nada aburrido.

Las letras tocan diversos temas como los ovnis en el tema de apertura, “Maybe Angels”, en la cual evoca a los ángeles, y con esa influencia notoria de Led Zeppelin, es la apertura perfecta para mostrar esta nueva etapa de la cantante; “Redemption Day”, es una canción de protesta contra Estados Unidos y su guerra en Bosnia, al puro estilo de country folk con sombras de Bob Dylan, versionada posteriormente por Johnny Cash, para su álbum póstumo de 2010, American VI: Ain't No Grave; “A Change Would Do You Good”, que habla sobre los cambios de la vida, una canción alegre y pop, fue sencillo y uno de sus dos videos fue dirigido por Michel Gondry.

“Home”, último sencillo del álbum, con una letra en la que habla acerca de envejecer y estar enamorado basada en experiencias propias de la cantante, considerada entre sus mejores composiciones, balada con arreglos country, “Sweet Rosalyn”, con sonidos disco, dejos de The Rolling Stones, canción pop, en la que resalta su voz, “Hard To Make A Stand”, la lírica hace referencia al aborto, single del disco, el video promocional fue dirigido por Matthew Amos, conocido por su trabajo con Primal Scream (Rocks, Movin’ On Up, Damaged), Stereo MC’s (Connected, Step It Up), Jesus Jones (Right Here Right Now), Blur (There’s No Other Way), entre muchos otros; “Love Is A Good Thing”, nuevamente retoma la crítica social y ataca contra la venta de armas en las tiendas de Wal-Mart, por lo cual, fue vetada y prohibida la venta del álbum en la tienda departamental; otro sencillo fue “Everyday Is a Winding Road”, es una pieza que brilla por sí sola, con sonidos funky y blues, fue el segundo single y uno de los más exitosos del álbum.

Los temas encargados de cerrar el disco son: “Oh Marie”, canción country, “Superstar”, sonido rockero californiano setentero, “The Book”, es oscura con ambiente opresivo muy diferente al resto del material pero que no desencaja y se acentúa el uso de las cuerdas, “Ordinary World”, estilo bluesero, y finalmente, “Sad Sad World”, balada country, como extra se encuentra una versión acústica y alternativa de “Hard To Make A Stand”.

Sheryl Crow, incluye la pieza más famosa de trayectoria, “If It Makes You Happy”, primer single y punta de lanza para abrir el mercado para Crow, la canción es reconocida y aclamada por el público y mostró en su momento el lado fuerte y rockero de Sheryl, su base de rock alternativo, aunado a la imagen fuerte de la artista con mirada retadora y sus colores brillantes, la composición es una de las canciones emblemáticas de la década y el video tuvo gran rotación en el entonces MTV.

Este segundo álbum es el punto álgido de Sheryl Crow, mediante el cual, alcanzó la madurez artística y el éxito comercial, dejándola en la historia musical como una representante de la década de los noventa, con un álbum completo y digno de ser escuchado.