MAZZY STAR - SO TONIGHT THAT I MIGHT SEE

 

So Tonight That I Might See, es el segundo álbum de estudio de la banda californiana, Mazzy Star, lanzado en el año de 1993, con el cual, la agrupación ganó mucho reconocimiento por parte de la crítica especializada y género miles de fans alrededor del mundo.

Mazzy Star, fue formado por Hope Sandoval, (cantante y letrista) y David Roback, (multiinstrumentista y letrista), dichos miembros, en So Tonight…, terminan de forjar su sonido, para lo cual, utilizaron esa voz apacible y tranquila de Sandoval, la que nos remite al dream pop, pues parece que siempre susurra las melodías o que está en modo recitativo, con dejos de tristeza mientras se presenta de manera difuminada, además, conjugan a la perfección diversos géneros como el blues, pop, rock, psicodelia, country, folk, y se muestra la habilidad musical de Roback, ya que, el ambiente del disco, tiene una atmosfera densa, oscura, llena de feedbacks, riffs y slides de guitarra, que le dan ese sello único y distinguible a la banda.

Si bien, lo presentado en su primera placa She Hangs Brightly (1990), enseña los caminos a seguir del grupo, aquí lo confirman y con creces lo superan, realizando joyas de canciones y a partir de este punto, su nombre se convertiría en leyenda.

“Fade Into You”, es el inicio del material, himno indiscutible de la banda, con la cual, muchos de nosotros conocimos al grupo, la carta de presentación para la mayoría de sus fans, fue lanzado como sencillo, teniendo una alta rotación en MTV, otorgándole gran popularidad a los californianos, y como consecuencia, altos posicionamientos en las listas de popularidad y grandes ventas, todo un clásico de la década de los noventa, la canción contó con dos videos uno dirigido por Kevin Kerslake, siendo la versión más conocida, y otro, uno más sencillo grabado en tonos monocromáticos.

El álbum no tiene desperdicio alguno, en sus 52 minutos de duración, tiene grandes composiciones como la perfecta “Mary Of Silence”, el cover de Love, “Five String Serenade”, la que resulta ser, una bella canción, con sus arreglos sutiles de cuerdas, “Bells Ring” y “Into Dust”, maravillas envueltas en un halo misterioso y melancólico, “She’s My Baby”, canción más fuerte y directa, y, el magnífico cierre del álbum con el tema que le da nombre al disco, "So Tonight That I Might See", inmerso en una psicodelia, cuya duración de siete minutos nos mete en un trance hipnótico arrullados por esa voz de ensueño de Hope. El sonido de este material es melancólico, pero nunca es deprimente.

Este álbum dejó el listón muy alto para la banda, posteriormente, sacaron un irregular Among My Swan (1996), se desintegraron y se reunieron en 2010, lanzando el increíble Seasons Of Your Day (2013) y un EP Still (2018), durante su última reunión, el dúo dio conciertos esporádicos, siendo el último a la fecha, antes de la muerte por cáncer en 2020 de David Roback, el que realizaron en la Ciudad de México en 2019, con motivo del Festival Nrmal.

El legado de Mazzy Star, permanece intacto y con el tiempo ha generado mayores adeptos, a más de treinta años de su creación, su influencia es tan grande en la actualidad, que su sonido se permea en bandas de gran reconocimiento de las últimas décadas como The XX y Beach House.

So Tonight That I Might See, es uno de los puntos más altos de la trayectoria de la agrupación, es un álbum mágico, misterioso, encantador, con una voz angelical, que hipnotiza, sacada de nuestros sueños más profundos, So Tonight…, nos atrapa y nos enamora del sonido inigualable de Mazzy Star, con cada escucha, un clásico noventero y de la música contemporánea.

LUSH - SPLIT

 

Lush, nació a finales de los ochenta en Londres, emergieron de la escena underground británica junto a bandas como My Bloody Valentine, Ride y Slowdive, las cuales rápidamente fue catalogadas con la denominación peyorativa Shoegaze, cuyo nombre y género con el tiempo fue ganando gran reputación, siendo una de las corrientes más respetadas e influyentes de todos los tiempos.

La agrupación tenía sus influencias muy marcadas por Cocteau Twins y Siouxsie And The Banshees, así como la fascinación por las capas de sonidos, post punk, reverb, la distorsión y el dream pop.

Durante la mayor parte de su carrera vivieron opacados por dos movimientos importantes de un lado del Atlántico se encontraba el Grunge, escena dominada por Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden, Alice In Chains, y del otro lado, estaba el Brit Pop, con sus máximos exponentes, Oasis, Blur, Suede, Pulp, y para su desgracia, siempre vivieron a la sombra de sus contemporáneos MVB, que si bien, no fueron los creadores del género fueron los que le dieron forma y popularidad al mismo.

El sonido de Lush, se definió por contar con más armonías en sus composiciones, por tener voces más limpias, e incluso, en su momento fue la primera banda en contar únicamente con vocales femeninas, todo esto hacía que se distinguieran del resto de su camada.

Para la grabación de Split, el grupo continuaba en la búsqueda de un sonido propio, y así lo lograron, comenzaron a despegarse de la escena shoegaze, realizando canciones más melódicas, asomándose más hacia el rock y el pop más comercial, lo anterior, lo lograron con la contratación del productor Mike Hedges, de quienes, a palabras de los propios integrantes, se habían enamorado de los trabajos que realizó con The Cure en Seventeen Seconds de 1980 y con Siouxsie And The Banshees en A Kiss In The Dreamhouse de 1982, en un principio, tanto la banda como el productor no quedaron satisfechos con las mezclas iniciales del material, cuestión que los hizo contratar a Alan Moulder, conocido por sus trabajos previos con The Jesus And Mary Chain, Automatic (1989), con My Bloody Valentine, Loveless (1991) y The Smashing Pumpkins, Siamese Dream (1993), entre otros.

La banda en ese momento se conformaba por Miki Berenyi (vocalista principal y guitarra), Emma Anderson (guitarra y vocales), Phil King (bajista) y Chris Acland (batería), quienes hicieron su disco más sólido aunque no fue tan exitoso comercialmente en su momento como ellos esperaban, esto lo encontrarían dos años después con el lanzamiento de su tercer disco (si no contamos el mini-album Scar de 1989), Lovelife (1996), el cual se enfocó en canciones de manufactura pop, y les dio el reconocimiento masivo que buscaban, pero fueron etiquetados dentro del Brit Pop, siendo comparados con las exitosas Elastica y Sleeper, quienes en ese momento, gozaban el punto más alto de sus carreras.

En Split, su esencia shoegazera se encuentra presente en temas como “Invisible Man”, “Hypocrite”, sencillo del álbum, comienza a apuntalar lo que harían en su siguiente álbum, el citado Lovelife, “Desire Lines”, segundo y último single, allana el camino para bandas que vendrían muchos años después como Beach House y Warpaint, aquí están sus orígenes, además tiene sus pasajes sonoros enigmáticos muy intrigantes como en “Never – Never”, la encargada de la apertura de Split, es “Light From A Dead Star”, tema que nos muestra la madurez de la banda y que, nos enseña que ellos se encontraban más allá del término en que fueron encasillados, “Lit Up”, se distingue del eco sonoro que prevalece en el álbum, suena más festiva, y el cierre perfecto lo hace “When I Die”, canción nostálgica semi-acústica que tiene ese sello distintivo de la banda y sus voces de ensueño.

Split, tiene muchos contrastes, es endulzado con voces sacadas de sueños, distorsiones de guitarra perfectos, atmósferas sutiles y las percusiones que encajan exactamente para formar uno de los discos más importantes de aquel movimiento y de la década, y gracias al tiempo, la banda y su legado ha sido revalorado, hoy suenan tan actuales que su influencia es notoria en muchas bandas del nuevo milenio. Es un discazo.

THE BREEDERS - LAST SPLASH

 

The Breeders nació como un proyecto alterno de Kim Deal, ex bajista de Pixies, derivado de la inquietud por expresar todas sus ideas musicales, ahora en la guitarra principal, y que obviamente no podía hacer en su banda madre, para 1990, lanzó junto a Tanya Donelly, integrante de Throwing Muses (guitarra), Britt Walford (batería), Josephine Wiggs (bajo) y Carrie Bradley (violín), su álbum debut Pod, el cual tuvo un recibimiento aceptable.

Para 1993, Pixies, se había desintegrado y The Breeders se convirtió en la banda principal para Kim, en la cual, hizo unos cambios de alineación, Donelly se alejó del proyecto para enfocarse en su nueva banda Belly y reclutó a su gemela Kelley Deal en la guitarra de apoyo, la incorporación de Jim MacPherson en lugar de Walford en la batería y la separación de tiempo completo de Bradley, para conformar su alineación más exitosa y regular de su carrera.

Last Splash, es una explosión fresca de ideas, en el que convergen muchos estilos, punk, pop, rock, garage, hard rock, country, folk, surf, experimental y se hacen notar las influencias de la líder desde Blondie, The Beatles, Sonic Youth y por supuesto, Pixies, pero todo esto plasmado, lo convierte en un disco sencillo, melódico, cautivante, completamente disfrutable, con grandes canciones y que, por mucho, superan a su primer intento.

En plena libertad creativa, Kim, se hizo cargo de la producción y nos brindó grandes y entrañables hits como “No Aloha”, “Saints”, “Divine Hammer”, que fueron sencillos del disco, también, se incluye la canción más conocida y popular de la banda “Cannonball”, un clásico de la agrupación y de la década, fue un éxito en toda la extensión de la palabra, les permitió vender miles de discos e incluso andar de gira con Nirvana, dicho video tuvo muchísima rotación en MTV, y colocó a la banda entre lo más popular del rock alternativo de aquellos días, el video para este tema, fue dirigido por Spike Jonze y por Kim Gordon, bajista de Sonic Youth, (también realizaron el video de “Divine Hammer”), y que a la postre, Kim Deal, le regresó el favor, participando en las vocales y en la aparición del video de "Little Trouble Girl" del disco Washing Machine (1995) de Sonic Youth.

También, se incluyen grandes joyas como “Invisible Man” y “Do You Love Me Now?”, ésta última, es una hermosa melodía con una letra un tanto doliente, considerada como una de las mejores composiciones de la banda; temas instrumentales muy emocionantes como “Roi”, que es toda una experimentación sónica, la frenética “Flipside” y, “S.O.S.”, con un sonido directo del garage, fue sampleada por The Prodigy, en su canción “Firestarter”, perteneciente a su álbum de 1997, The Fat Of The Land, asimismo, “I Just Wanna Get Along” para su disco Invaders Must Die de 2009; “Drivin’ On 9”, cover de la banda folk Ed’s Redeeming Qualities, tema excelso y elegido para encaminarnos al final del álbum, en el cual, el violín se lleva la parte principal de los arreglos, dicho instrumento fue grabado por Carrie Bradley, haciendo un tema inolvidable de este formidable material.

Después del rotundo éxito de Last Splash, The Breeders, no fue lo mismo, tuvieron problemas relacionados con las drogas, con la justicia, y cada uno de los integrantes se enfocó en sus propios proyectos, se separaron durante años, han sacado discos, pero ninguno como este.

Durante 2013, dieron una gira con motivo de la celebración de los 20 años del lanzamiento de este material, lanzando una edición especial, en el que se incluyen, lados B, demos y canciones grabadas en vivo de aquella época, incluso, llegaron a pisar México en el Festival Corona Capital de ese año, tocando el disco entero de inicio a fin.

Last Splash, es un disco memorable de los noventa, que, a sus casi 30 años, suena bien, es interesante, y es punto a visitar para cualquier melómano.

TEMPLE OF THE DOG - TEMPLE OF THE DOG

Temple Of The Dog fue un proyecto a lo que hoy se le denomina “Supergrupo”, formado por un grupo de amigos, representativos de la música de una escena local, que, hasta ese momento, tenían un éxito relativo, pero eran unos desconocidos a nivel mundial. Dicho grupo, se creó por la inquietud de Chris Cornell, vocalista y guitarrista de Soundgarden, para rendirle tributo a su amigo y roommate, Andrew Wood, líder de la desaparecida banda Mother Love Bone, que apenas daba sus primeros pasos y que, a su vez, salió de las cenizas de Green River, lamentablemente Wood, falleció días después del lanzamiento de su álbum debut Apple en 1990.

Cornell, se encontraba de gira por Europa con Soundgarden, cuando se enteró de la terrible noticia, para esto escribió al inicio dos canciones “Say Hello To Heaven” y “Reach Down”, en honor a su amigo, que serían incluidas en un EP, y para su regreso a Estados Unidos, reclutó al baterista Matt Cameron, (futuro baterista de Pearl Jam), quien también tocaba en Soundgarden, asimismo, invitó a miembros de la extinta banda a Jeff Ament y Stone Gossard, y a su vez, integró a las filas a un viejo amigo suyo, Mike Mcready, y de última hora incluyeron a un entonces desconocido vocalista de California, Eddie Vedder, que había viajado a Seattle para realizar unas audiciones para la banda que apenas se conformaba, Mookie Blaylock, antecedente directo de Pearl Jam. Así fue como nació la banda y el disco homónimos, por cierto, dicho nombre fue sacado de las letras de la canción “Man Of Golden Words” de Mother Love Bone.

Chris Cornell escribió las letras del álbum y la mayor parte de la música, dichas ideas fueron ordenadas, dirigidas y producidas por Rick Parashar, futuro colaborador y productor de bandas como Alice In Chains y Blind Melon, el disco se grabó en quince días, y durante ese tiempo, se materializaron diez sorprendentes canciones, pues dicho por los propios miembros del proyecto, surgieron tantas ideas y creatividad, que no fueron suficientes las dos canciones iniciales proyectadas, sino que hubo tanta energía y buena química entre los integrantes, y de esa inventiva emergieron más canciones.

Un tímido Eddie Vedder participó como segundo vocalista en el hit “Hunger Strike” y en coros en “Pushin’ Forward Back”, “Your Savior” y “Four Walled World”, la primera canción señalada, es el éxito más conocido del disco, para el cual, se realizó un video promocional, grabado en un bosque de Seattle, y en donde destaca la potente voz del californiano.

Cornell, demuestra a lo largo del disco, todo su virtuosismo, ya que no sólo compuso la lírica y música, sino que, tocó diferentes instrumentos como la guitarra, la armónica y el banjo, además que, su voz se escucha energética, fuerte, voraz, potente, jugando en un amplio rango de tonos.

La música es una carta fuerte a favor de la agrupación, toman sus influencias del hard rock, metal, blues, juegan con sonidos electro acústicos, incorporan parte del jam que surgió de esa reunión, así también, incluyen parte del estilo funk que venían manejando con Mother Love Bone, y comienza a sonar el rock melódico que sería parte en un futuro cercano de Pearl Jam, pero lo más interesante, es que tiene un estilo propio y no se parece a nada de las tres bandas relacionadas a Temple Of The Dog, (Pearl Jam, Soundgarden y Mother Love Bone).

A pesar de que, este disco fue pensado como un tributo a Wood, tanta fue la creación y aportación de Chris Cornell, que decidió incluir temas relacionados a lo que vivía con su entonces esposa Susan Silver, quien era manager de Soundgarden y Alice In Chains, “Call Me A Dog”, en la que narra los problemas que tenía con su pareja.

“Times Of Trouble”, es una pieza semi-acústica, donde la voz y los arreglos son impresionantes, es el origen de “Footsteps”, de Pearl Jam, dicho tema se regrabó para la naciente banda, y, se incluyó como lado B, de “Jeremy”, la música para ambos temas fue compuesta por Stone Gossard.

En el momento de su lanzamiento, Temple Of The Dog, pasó desapercibido por el público, solamente vendió 70,000 copias en la Unión Americana, pero tuvo una gran acogida por la crítica, donde destacaron las habilidades de cada uno de los miembros, sin embargo, tuvo un éxito inesperado un año después, en 1992, con el inesperado éxito del Nevermind de Nirvana (1991), que mandó directamente al estrellato a la escena Seattle y consigo, a la cima del éxito y popularidad a discos como Ten de Pearl Jam (1991) y Badmotorfinger de Soundgarden (1991), asimismo, la inclusión de las dos bandas, así como de Mother Love Bone y su tema “Chloe Dancer/Crown Of Thorns”, en la banda sonora de la película Singles de Cameron Crowe de 1992, ayudó en la repercusión de las ventas del álbum, llegando a ser certificado platino y ganó el reconocimiento masivo.

Después de esta reunión de amigos, no hubo más grabaciones y sus presentaciones en vivo, fueron esporádicas y se dieron en algunas ocasiones, cuando las bandas madres coincidían en algún recinto o tour, sin embargo, para festejar los 25 años de su presentación, en 2016, todos los integrantes excepto Eddie Vedder, se reunieron e hicieron un re-lanzamiento de lujo con demos, que se quedaron en el tintero de aquellas sesiones y realizaron un pequeño tour, aunque, es sabido por todos, que esas fueron las últimas presentaciones, debido al deceso de Chris Cornell en 2017.

Sin ninguna presión de por medio, ni de la disquera ni del producto que saldría de aquella improvisación, y con la idea de solo rendir tributo a un amigo, Temple Of The Dog, es un álbum serio, de gran calidad, emotivo, intenso, emocionante y un testimonio del movimiento posteriormente denominado grunge, que marcaría a toda una generación, así como a la década de los noventa y fue el inicio de uno de los momentos más importantes de la historia de la música.

JULIETA VENEGAS - AQUÍ

 

Aquí de 1997, es el primer material discográfico como solista de Julieta Venegas, antes de este lanzamiento era conocida como compositora del gran hit “Pobre De Ti” de Tijuana No!, de cuya agrupación fue integrante, después de esa etapa, viajó a la Ciudad de México para formar otros grupos de los que, realmente no sucedió nada interesante, sin embargo, fue formando relaciones con miembros de otras bandas, y que, posteriormente le ayudarían a la realización del citado disco.

Julieta es una artista multiinstrumentista y desde su primer disco, mostró sus habilidades dándole un toque único a su estilo, como el uso del acordeón, lo cual, es un elemento a destacar, en su sencillo y muy conocida canción “De Mis Pasos”, en aquellos días, no era común que alguien incluyera dicho instrumento en géneros como el rock, siempre ha sido vinculado con la música popular folclórica y norteña de México, sin embargo, este detalle le abrió el camino para su reconocimiento.

A sus 27 años, la cantautora escribió letras personales y la puso a la par de artistas como Ely Guerra, cuya carrera se empezaba a forjar, o Cecilia Toussaint, que ya era reconocida en el círculo musical mexicano, sus canciones hablaban de muchas cosas y expresaban su sentir como mujer acerca del pasado, de experiencias humanas, de dudas existenciales, introspección, nostalgia, tristeza, fragilidad humana, melancolía, relaciones amorosas fallidas, asimismo, levantó la voz en forma de protesta e inconformidad con diferentes situaciones, como en “Con Su Propia Voz”, en la cual, no se siente identificada con sus representantes políticos y sociales, “Andamos Huyendo”, que habla sobre la marginación de las personas desprotegidas, “Sabiéndose De Los Descalzos”, sobre las raíces étnicas, en ésta última, su enojo lo expresa con palmadas y a capela, el sencillo “Como Sé”, definió el estilo musical de la tijuanense y sentó precedentes en la escena musical nacional junto a “De Mis Pasos” debido a la combinación del rock, pop y folk.

El piano es un instrumento recurrente a lo largo del disco, y le impregna fuerza a su protesta, a su expresión, a su propuesta, la instrumentación utilizada es intensa, lo cual, le ayuda a la cantante a tener una amplia gama de sonidos, además, su voz es reconocible, característica e inconfundible, facilita la transición de los temas en sus altos y bajos.

Además, su imagen era algo muy fresco dentro de la escena rockera mexicana, puesto que, sus piercings en la nariz y su look gótico, sus vestidos en conjunto con botas de carga, más la combinación de géneros, le dieron un distintivo entre sus contemporáneos, también sus fans se sintieron identificados con la cantante, y esto, la distinguió durante sus primeros años como solista.

El disco contiene a músicos invitados como Patricio Iglesias de Santa Sabina y, a Joselo y Enrique Rangel de Café Tacvba, dicho de paso, la relación entablada con esta banda, influyó para que la mancuerna formada por Gustavo Santaolalla y Anibal Kerpel, productores de cabecera de los de Ciudad Satélite, tuvieran interés en trabajar con la tijuanense y se ocuparan de la producción y mezcla de este material.

Desde este punto, Julieta Venegas formó su personalidad propia, continuó su rumbo, aunque esta faceta de la mexicana nunca se repetiría en producciones posteriores, quien decidió abandonar las melodías complejas y con crítica, y cambiarlas tiempo después por un pop elaborado, con el que ganó fama y reconocimiento mundial, siendo inspiración para una camada importante de artistas femeninas, abriendo y aplanando el camino para exponentes como Natalia Lafourcade, Carla Morrison, Ximena Sariñana, entre muchas otras, cantantes, compositoras y solistas femeninas.

Aquí, es uno de los álbumes más importantes en la historia del rock nacional, ayudó a la fusión de distintos géneros, nos dio la oportunidad de conocer a una gran artista y a una de las más sobresalientes de los últimos tiempos, y sobretodo, la posicionó como uno de los íconos del rock mexicano.

JANE'S ADDICTION - RITUAL DE LO HABITUAL

 

El segundo material de estudio de Jane’s Addiction, es un estallido musical en la cabeza, a pesar de las advertencias señaladas en la apertura del disco por la actriz Cindy Lair, en un español mal hablado “Señores y señoras. Nosotros tenemos más influencia con sus hijos que tú tiene. Pero los queremos. Creado y regado de Los Ángeles, ¡Juana's adicción!”, sirviendo, además como un introductorio para la banda, Ritual De Lo Habitual, es una maravilla, y un pilar fundamental para la década de los noventa, del denominado Rock Alternativo.

El álbum no se puede clasificar es una mezcla de Led Zepellin, funk, pop, rock, progresivo, metal, es todo y nada, y mucho a la vez, Jane’s Addiction, Sonic Youth, R.E.M. y Pixies fueron los precursores de la música alternativa, del rock noventero, y emblemas de aquella generación que no se identificaba con el entonces Glam Metal.

Con su primer álbum, Nothing’s Shocking (1988), lograron capturar a unos oyentes, ávidos de un rock diferente, además formaron una base sólida de fans, que estaban a la expectativa de la salida de esta producción, y que la banda se encargó de entregar y con creces.

Dave Jerden (productor, ingeniero y mezclador) fue el encargado de ordenar las ideas del cuarteto, sus trabajos previos con Frank Zappa, Talking Heads, The Rolling Stones, Red Hot Chili Peppers, le dieron la forma perfecta para encausar la creatividad del grupo.

Las habilidades de los cuatro miembros de la agrupación se muestran en todas y cada una de las canciones, hasta parecen una súper banda, Perry Farrell, incansable frontman, con sus gritos, cantos hipnóticos, letra íntima y voz sumamente peculiar, le dan un sello distintivo al grupo, el bajo de Eric Avery, siempre omnipresente, potente y duro, como bajista de una banda de hard rock, la guitarra de Dave Navarro, majestuosa, riffs inigualables, rasposos, sucios, equilibrados y elegantes, con efectos extraordinarios, y finalmente, la poderosa batería de Stephen Perkins, precisa, y cuyos múltiples cambios en una sola canción provocan que las canciones sean épicas, duraderas con ritmos hipnotizantes, estremecedores, llevando el ritmo, jugando con ellos, y ayudando que cada uno de los instrumentos tengan vida propia, pero unificados en una sola melodía, todos lucen pero ninguno opaca al otro, todos resplandecen a la vez, y a lo largo del material, cada miembro tiene su solo que hace más placentera la travesía musical.

El álbum se divide notoriamente en dos partes, la primera la componen 5 canciones “Stop!”, inicio frenético que nos impacta desde el primer segundo, “No One’s Leaving”, continua con esa trepidante velocidad, “Ain’t No Right”, comienza con sonidos dub y un poco de experimentación para después entrar de lleno con ese ritmo de batería sublime, “Obvious”, tema de casi 6 minutos de duración donde se distingue la habilidad de los integrantes, sobre todo de Navarro y Perkins, y finalmente llega “Been Caught Stealing”, la gran culpable de que Jane’s… ocupara un privilegiado lugar en el Olimpo del rock, ya que tuvo una gran exposición en MTV, digamos que es el hit de la banda, gracias a ella, muchos conocieron a los angelinos, un gran video, sumamente divertido, ocupando con genialidad los ladridos de perro, y así cierra la primera parte del álbum.

La segunda comienza con “Three Days”, tema épico de casi 11 gloriosos minutos de rock, que pasa por el hard, el metal, una batería y ritmos poderosos que van en ascendencia conforme al crecimiento de la melodía, van de lo más tranquilo a lo más estridente, solos de Navarro inolvidables, letra que evocan a un fin de semana que Farrell tuvo con su novia de aquellos días Cassey Niccoli y su amiga Xiola Blue, en la cual, nos enteramos que hubo drogas, sexo y una conexión cósmica y carnal entre tres seres humanos, donde la conclusión del tercer día se asemeja al final de los tiempos, una letra totalmente personal, y sin duda, una de las mejores composiciones de todos los tiempos, continúa el lado tranquilo pero no así aburrido del material con “Then She Did…”, profunda, existencialista, que aborda el tema del abandono, de la muerte de la madre del vocalista, seguimos con “Of Course”, canción también larga, experimental, introspectiva, donde el violín toma el protagonismo, y finaliza con la extraña y emotiva balada dedicada a la entonces pareja del frontman, “Classic Girl”, cuyo video muestra a la pareja casándose en cierto ritual a la orilla de una playa.

Los sencillos extraídos del disco fueron, “Stop!”, “Been Caught Stealing”, “Classic Girl” y “Three Days”, los tres primeros contaron con video promocional, y el último, además fue utilizado para musicalizar una escena de la película Singles (1992) de Cameron Crowe, aunque no fue incluida en el soundtrack del filme.

La portada del disco, fue realizada por el también artista plástico Perry Farrell, y cuya inspiración fue la historia narrada en “Three Days”, utilizando artículos de santería, comprados por el cantante, en una visita que tuvo al mercado de Sonora de la Ciudad de México, dicha imagen provocó cierta incomodidad en algunos sectores del mercado estadounidense, fue prohibida, y cambiada para algunas ediciones por una portada en blanco con el nombre de la banda y del disco en negro.

Jane’s Addiction, fue artífice del sonido de los noventa, esa exploración de sonidos aunado a la habilidad de cada miembro de la agrupación, dieron como resultado que Ritual De Lo Habitual fuera angular en la década de los noventa, es el clímax de su trayectoria, y que a pesar de sus adicciones con la heroína, su desintegración y su posterior reunión, con lanzamientos de material original, dejaron de lado su acercamiento con las drogas, y tal vez esto, hizo un cambio radical en su sonido, en años posteriores.

Ritual de Lo Habitual, es genial por donde quiera que se le vea, es una parada obligatoria para cualquier músico, melómano y estudioso de la música, es de esos discos que salen muy de vez en cuando, inspiración para nuevas generaciones y admiración de contemporáneos. Sigue siendo tan potente, fresco y único como en aquel lejano 1990.

TORI AMOS - LITTLE EARTHQUAKES

 

Tori Amos, es una de las mejores compositoras y cantantes femeninas contemporáneas, y lo demostró con mucha fuerza en su álbum debut Little Earthquakes de 1992, acompañada de su voz, su piano y letras personales, cimentaron el camino de una prolífica carrera y abrió el camino para muchas seguidoras.

Tori, en su carta de presentación desnudó su alma, entregó 12 canciones íntimas y muy personales, abordó temas como la religión, la relación con sus padres, sexo, relaciones personales, e incluso, el intento de violación que sufrió, relatado a capela por ella misma, en la angustiante e impactante “Me And A Gun”, que, a palabras de la propia cantante, no fue a través de un arma sino de un cuchillo, cuyo dato hace aún más intrigante y terrorífica su experiencia.

La cantante y compositora norteamericana desborda un talento impresionante en el piano acústico y eléctrico, el manejo de su voz en cada una de las canciones, le imprimen un sello casi teatral, la utilización de instrumentos como la guitarra le dan una fuerza feroz y ese sonido casi rockero como en “Precious Things” y “Leather”, esta última con una letra desgarradora, la batería es precisa en “Girl”, coquetea con el swing en “Happy Phantom” y las baladas no son menores, son impresionantes y con letras muy profundas, que exploran temores y cuestiones personales, como “Mother”, y que decir del cierre del disco, tema monumental, que le da nombre a la producción, “Little Earthquakes”, cantado a dos voces, con un marcado cambio de ritmo, y una fuerza en cada uno de los instrumentos utilizados, hacen una maravillosa melodía, mejor conclusión no pudo tener.

No hay que dejar de mencionar a dos colaboradores muy importantes que apoyaron a la cantautora a la realización de esta producción, el primero Eric Rosse, su novio de aquel entonces, ayudó a darle forma al puñado de composiciones con los cuales contaba, tanto en la producción, arreglos y música, y segundo, Ian Stanley, miembro de la exitosa banda Tears For Fears, quien asumió un papel sumamente significativo, debido a que, conoció a Tori tocando en un bar y, tanto fue el gusto por el apasionamiento que la cantante desbordaba en el escenario, que le hizo la propuesta de moverse a Londres y terminar su álbum debut, lo cual fue vital para que la disquera Atlantic Records aceptara las canciones y lanzara el álbum en el año de 1992, justamente en medio del apogeo del grunge y la popularidad de la música alternativa, pero la sensibilidad, el poder y el talento que tenía Tori Amos, hizo que inmediatamente se ganara un lugar en la industria y fuera admirada y respetada por sus contemporáneos.

Se lanzaron varios sencillos de la producción discográfica, “Silent All These Years”, tuvo una fuerte rotación en MTV, y puso en el panorama musical a Tori, “Crucify”, le ayudó a reafirmar el éxito de su disco, así como “China”, que tiene unos arreglos orquestales fabulosos y la doliente y hermosa canción “Winter”, también la primera en lanzarse fue la mencionada “Me And A Gun”, que, posteriormente fue utilizada en presentaciones a favor de la caridad para recaudar fondos y ayudar a víctimas de violaciones.

Little Earthquakes, fue inspiración para muchas cantautoras y la catapulta para compositoras que destacaron en los noventa como Fiona Apple y Sarah Mclachlan, quien llevó lejos a la representación femenina a la música mediante la creación del efímero festival Lillith Fair (1997-1999), en el que se presentaban exclusivamente mujeres e impulsaba la carrera de nacientes artistas; además, fue una fuente de inspiración para la expresión artística de féminas en otros géneros relacionados al rock-pop como Alanis Morissette, Tracy Bonham, Sheryl Crow, Jewel, Paula Cole, Meredith Brooks, Liz Phair, Lisa Loeb, entre muchas otras, y formó parte de ese club de rock alternativo de chicas de los noventa encabezado por Björk, o por grupos liderados por mujeres como Hole (Courtney Love)y Veruca Salt, etc.

El sonido de Little Earthquakes, a casi 30 años de su lanzamiento, sigue siendo único, la experiencia emocional es inigualable, es un disco esencial para la década, fundamental para la explosión del movimiento musical femenino de los noventa, gracias a su calidad y al virtuosismo de su creadora, es considerado como uno de los mejores álbumes debuts de toda la historia, su legado es indiscutible. Simplemente es una obra maestra contemporánea.

EVERYTHING BUT THE GIRL - WALKING WOUNDED

 

Everything But The Girl fue un dúo británico formado en 1982 por la cantante Tracey Thorn y el músico y productor Ben Watt, quienes son pareja sentimental y que han permanecido inactivos como banda desde el 2000.

La historia de la agrupación es curiosa, desde su formación hasta el lanzamiento de su disco Amplified Heart (1994), tuvieron lanzamientos relativamente exitosos, pero permanecían en el underground y las bondades, que ese lugar les brindaba, sin embargo, todo cambiaría con el remix que el DJ Todd Terry, realizó de la canción “Missing”, tema incluido en la mencionada producción, siendo un éxito inesperado, puesto que, con el cambio de ritmo que le proporcionó el DJ a la canción, fue todo un suceso en los clubes de Inglaterra y posteriormente en toda Europa, cuestión que sorprendió al dúo pero que no dudaron en establecer el camino que seguirían en los años posteriores.

En Walking Wounded, la banda abandonó los distintos géneros que habían abordado en sus anteriores producciones como el jazz, lo-fi, bossanova y hasta new wave, y continuaron con el sendero marcado por “Missing”, donde se enfocaron en ritmos vanguardistas de la época como el trip hop, downtempo y el drum ‘n’ bass , transitando por el pop, techno y desarrollaron técnicas como el sampleo, dicho cambio de dirección dejó boquiabiertos a todos, por la calidad musical y la propuesta renovada y fresca que ofrecieron, incluso el precursor y líder del movimiento del drum ‘n’ bass, su contemporáneo Roni Size, apoyó dicho cambio radical en el sonido.

Algo que influyó en la formación del sonido de Walking Wounded, fue que, durante 1994, Tracey Thorn colaboró con las voces de dos canciones “Protection” y “Better Things” del disco Protection (1994) de Massive Attack.

La línea conductora en las letras del álbum está marcada por el amor y el desamor, temas universales identificables con cualquier escucha, la producción brinda grandes temas como la apertura de “Before Today”, donde la suavidad de la voz de Thorn y los ritmos tranquilos del drum ‘n’ bass, añadidas con la letra nostálgica nos brindan unos de los puntos más sensibles y altos del disco, canción perfecta para iniciar el viaje de Walking Wounded, otros highlights son, la que le da nombre a la placa “Walking Wounded”, la siempre genial y claramente bailable, aunque con letra para corazones rotos, “Wrong” y “Single”, sencillo desprendido del álbum, simplemente y en pocas palabras, son un puñado de nueve canciones de altísima calidad más dos remixes incluidos de “Wrong” y “Walking Wounded”.

La popularidad del grupo gracias a esta producción, fue tan grande alrededor del mundo, tanto así que, U2, les pidió que fueran la banda abridora de algunas fechas de su gira, pero declinaron dicha invitación, argumentando que necesitaban espacio, debido al inesperado y contundente éxito que tuvieron.

Walking Wounded fue el disco más exitoso en la trayectoria de la banda, los colocó en las listas de popularidad en muchos países, tuvieron rotación continua en MTV, en las radios y los clubes mundiales, les brindó el respeto de sus contemporáneos y los puso dentro de la vanguardia musical, sin embargo, fue el principio del fin de la banda, ya que después de este álbum, solamente lanzaron uno más, Temperamental (1999), pero nos regalaron uno de los discos más hermosos de los años noventa, y cuya influencia sigue vigente hasta nuestros días, el ejemplo más claro The XX.

BASEMENT JAXX - REMEDY

 

Basement Jaxx encontró un lugar entre los grandes nombres de la música electrónica británica a finales de los noventas, como lo son The Chemical Brothers, Fatboy Slim o The Prodigy, todos y cada uno de ellos tenían estilos diferentes, así como Basement, que tomaron al house y al techno, lo mezclaron con el humor de Fatboy y lo combinaron con elementos como samples y guitarras acústicas obteniendo como resultado, una música sumamente amigable para las radios, disfrutable y sobre todo bailable.

Remedy nos invita a bailar desde la primera canción con ese ritmo pegajoso de "Rendez-Vu", clásica de las pistas de baile, siendo uno de los sencillos del álbum, así como “Red Alert”, gran tema pop dance que mantuvo al dúo en los primeros lugares de popularidad, indispensable para pasar un rato en pleno regocijo y que definió el estilo inigualable de los británicos; "Jump n' Shout", melodía con su hipnotizante sonido reggae, y, "Bingo Bango", canción electrizante, llena de energía, es un tema que combina a la perfección el acid house, salsa y pop, simplemente brillante de inicio a fin.

Los descansos entre las partes de la producción, las definen esos interludios, (“Jaxxalude”, “Jazzalude”, “Sneakalude” y “Gemilude”) que nos dan la pauta a la continuidad del álbum. Además, contiene “Always Be There”, una joya apoyada de vocales femeninas y, la exquisitez de “Being With You” y “Same Old Show”.

En los 58 minutos de duración, ningún tema tiene desperdicio, todas son grandiosas canciones y se quedan pegadas en la memoria durante bastante tiempo.

Basement Jaxx ayudó a definir la música electrónica, diluyendo aún más líneas entre el rock y dicho género, Remedy es sumamente atractivo para nuevos escuchas, quienes caerán rendidos ante una vigorizante y fresca propuesta.

AIR - MOON SAFARI

 

Moon Safari es el álbum debut del dúo francés Air lanzado en 1998, cuya recepción fue sumamente aclamada a nivel mundial, y colocó a la banda en un nivel vanguardista.

Es un disco inclasificable, ya que conjuga a la perfección, géneros musicales, como el jazz, bossanova, pop francés, electrónica, ambient y pop espacial, aunque, erróneamente se le ha etiquetado y encasillado simplemente como música electrónica, asimismo, contiene elementos retros, tanto la imagen de la agrupación como la inolvidable portada del disco, así como esas melodías que evocan a la década de los setenta, además, lo combinan con efectos de sonidos futuristas, muy al estilo de Juan García Esquivel, teniendo como resultado, un material exquisito con un estilo único e irrepetible.

El viaje espacial que abordamos al escuchar Moon Safari, comienza con “La Femme D’Argent”, canción larga de siete minutos con una exquisita melodía instrumental apoyada de un bajo hipnótico y un ritmo sensual, e inmediatamente, nos transporta a la siguiente canción “Sexy Boy”, canción pop, tal vez, la más reconocida en la trayectoria del dueto, que en un inicio pareciera repetitiva pero no lo es, porque va creciendo conforme avanza, con una voz en vocoder que simula un robot pero a la vez es una canción que, el escucha piensa que ya se ha escuchado en otro lado, y nos remite irremediablemente, a aquel mono de peluche que transita felizmente por la ciudad de Nueva York, y ese ritmo que nos sumerge en el romanticismo de una balada pop francesa, “All I Need”, se apoya de Beth Hirsch, cantante estadounidense que en esos días comenzaba su carrera, y que colaboró en la composición de la letra, imprimiendo cierta sensualidad tan atinada que no desentona con el resto de las canciones; así llega, “Kelly Watch The Stars”, single exitoso con toques espaciales, enseguida viene, “Talisman”, una canción deliciosa y una de las joyas de esta producción, la cual, denota lo que Air, quería plasmar en este material, con su base en el R&B, es una joya; “Remember”, voz y ritmo robotizados y lírica en francés e inglés, nos introduce a un mundo melancólico y posiblemente triste; y así, hemos llegado al punto de este viaje a “You Make It Easy”, que cuenta nuevamente con la participación de Beth, en la voz y composición, y nos invita a bailarla y cantarla en compañía de nuestra pareja, fina melodía y sumamente romántica; “Ce Matin La”, es una delicia, con esos arreglos de cuerda e instrumentos de viento, nos hacen soñar y volar en el mundo maravilloso de los franceses, “New Star In The Sky (Chanson Pour Solal)”, armada con una atmósfera impecable, rodeada de efectos futuristas espaciales y voces robotizadas, quienes son las encargadas de comenzarnos a despertar de este gran viaje en el cual, estábamos en trance, y finalmente, el disco cierra con la majestuosa “Le Voyage De Pénélope”, una canción instrumental mediante la cual, aterrizamos de este viaje hermoso que es Moon Safari.

Sin más que decir, Moon Safari, es una producción elegante, compilada en diez canciones, con sonidos retrofuturistas, es un álbum perfecto y sofisticado como pocos, simplemente atemporal.

TRAINSPOTTING - ORIGINAL SOUNDTRACK

 

Danny Boyle tuvo la visión de llevar el libro de Irvine Welsch,(quien aparece brevemente interpretando a Mikey Forrester, un punk traficante de heroína), Trainspotting a la pantalla grande, dicha obra era algo muy difícil de trasladar a imágenes y el británico no solamente lo hizo, sino que lo realizó de forma magistral, convirtiendo a la película, en un material de culto, para esto recurrió a su entonces actor de cabecera Ewan McGregor y al productor Andrew McDonald, con quien había trabajo en su anterior filme Shallow Grave (1994).

Trainspotting, narra la historia de un grupo de jóvenes adictos pertenecientes a la clase baja de Edimburgo, Escocia, cuya única aspiración es conseguir u obtener dinero para solventar su vicio, y el único que aparenta poder escapar de esta vida autodestructiva, es el protagonista y nuestro antihéroe por excelencia, Mark Renton.

Dicha película tiene una excelente banda sonora, debido a que, gran parte del presupuesto disponible, se gastó para adquirir los derechos de las canciones que el director quería que aparecieran en el filme, teniendo un gusto y oído excelso para escoger cada uno de los temas que conformarían el soundtrack.

Algunas canciones fueron compuestas ex profeso como “Trainspotting” de Primal Scream, la cual, es un viaje psicodélico que nada entre el house, rock, ambient como solo los escoceses podían lograrlo, dicho tema y con duración reducida, se incluyó posteriormente en su álbum Vanishing Point (1997), “Born Slippy Nuxx” de Underworld, que también, a la postre se agregaría como bonus track en una reedición de su álbum Second Toughest In The Infants (1996), o “Closet Romantic” de Damon Albarn, asimismo, la selección musical fue atinada por la inclusión de nombres como Pulp o Blur, quienes fueron grandes representantes del Britpop, es importante mencionar, que dicho género vivía sus mejores momentos, bandas como Sleeper y Elastica, en aquellos días gozaban de mucha popularidad en el Reino Unido, también, se apoyó de grandes nombres de la industria musical como Iggy Pop, New Order, Lou Reed, Brian Eno, o artistas que empezaban a ser reconocidos en la escena electrónica como Leftfield, quienes había colaborado con música en la citada Shallow Grave.

Gracias al magnífico trabajo que realizó Danny Boyle en la combinación de las imágenes y la música, se quedaron grabadas escenas icónicas de la película en la memoria colectiva, por ejemplo:

-El intro frenético, mientras vemos a Mark Renton y Spud siendo perseguidos por las calles, al ritmo de “Lust For Life” de Iggy Pop, y al mismo tiempo, escuchamos en voz off el soliloquio de nuestro antihéroe;

-El nado en aguas profundas de Renton con “Deep Blue Day” de Brian Eno;

-El ambient techno psicodélico en alguna escena con “Trainspotting” de Primal Scream;

-La aparición angelical de Diane frente a los ojos atónitos de Renton y los encuentros casuales y algunos, nada fortuitos de los compañeros de nuestro antihéroe, mientras suena de fondo “Atomic” de Sleeper, gran cover de Blondie, que le dio nueva vida a ese clásico de las pistas de baile;

-Escuchar los versos cantados de “Temptation” de New Order por Diane, cuando está fuera de escena, mientras toma una ducha;

-Observar la triste rutina de un adicto forzado a ser delincuente para mantener su hábito con “Nightclubbing” de Iggy Pop;

-La derrota de nuestro personaje principal con la melodía melancólica de “Sing” de Blur;

-El pasaje de la recaída y sobredosis de Mark con “Perfect Day” de Lou Reed;

-La complicada vida en Londres con un roomie como Begbie con “Mile End” de Pulp, que, dicho sea de paso, es el ejemplo perfecto del match de las imágenes con la música, dicha canción fue lado B del sencillo “Something Changed” del disco Different Class (1995);

-La noche de club en Londres de nuestros personajes con “For What You Dream Of” de Bedrock feat. KYO;

-La situación difícil que vive Renton cuando tiene de huéspedes a Begbie y Sick Boy y para librarse de ellos, los manda a un departamento de los que el rentaba/vendía con “2:1” de Elastica;

-Mark Renton y su prueba de la “mercancía” a vender con la potencialidad y tal vez, su única oportunidad para hacerse ricos con “A Final Hit” de Leftfield;

-El punto culminante de la obra y con la cual aún nos toca fibras sensibles “Born Slippy (Nuxx)” de Underworld, quienes durante un tiempo fueron colaboradores de cabecera del director, y plasman con gran audacia su música en una de las escenas más importantes del filme;

-Y finalmente, para la cortina de créditos finales “Closet Romantic” de Damon Albarn.

El éxito que tuvo entre el público y la crítica, se reflejó en los millones de discos vendidos por el mundo, fue todo un fenómeno tanto la película como el soundtrack, tal fue así, que, al año siguiente el soundtrack tuvo un Vol. 2, el cual fue un compilado de canciones que no se incluyeron en el primer volumen y de otras que son remixes de las que sí aparecieron, o que, de acuerdo a los creadores, debieron presentarse en el filme, para esto, es importante señalar que, esa segunda parte no tuvo ni la relevancia ni el éxito como el primero.

Asimismo, la película tuvo su secuela en el año de 2017, llamada T2: Trainspotting, 21 años después del lanzamiento de la original, siendo una continuación directa de la primera película y no así, del libro Porno, también de Irvine Welsch, que es la segunda parte directa de la novela.

Este disco es una excelente colección de canciones, siendo un testimonio de la época y es uno de los mejores soundtracks de todos los tiempos, que se creó para acompañar a una película esencial y pilar de los noventa.

METALLICA - METALLICA (THE BLACK ALBUM)

 

The Black Album de Metallica, es un parteaguas en la carrera de la agrupación, es un disco que no pasa inadvertido para nadie, ya que, desde la fecha de su publicación en el año de 1991, ha generado polémica tanto entre sus fans, el público y la crítica especializada, debido a que, los fans más aguerridos consideran que el grupo se inclinó por el metal más comercial y perdieron la potencia que habían presentado con sus cuatro anteriores producciones Kill’Em All (1983), Ride The Lightning (1984), Master Of Puppets (1986) y And Justice For All (1988), pilares fundamentales para el trash metal y que definieron un sonido y un género dentro del rock, el público lo considera un álbum accesible lleno de hits y la crítica, lo considera como el último gran álbum que la banda ha publicado.

Es innegable la influencia que este material discográfico ha dejado, puesto que, es cierto, que la banda se alejó del sonido potente del metal, también es cierto, que es más digerible que sus antecesores y que cualquier escucha puede entrar al género, tanto así, que muchas bandas de hard rock o metal han tratado de igualar en calidad o popularidad con resultados medianos e inferiores al mencionado.

El éxito contundente de The Black Album no es sinónimo de mala calidad, contiene grandes clásicos de la banda, y del cual se desprendieron sencillos reconocidos como “Enter Sandman”, “Sad But True”, The Unforgiven”, “Wherever I May Roam” y “Nothing Else Matters” y joyas en su reportorio como “Of Wolf And Man” y “The God That Failed”, entre otras.

La elección del productor ha sido cuestionable desde un inicio, pero fue un atinado acierto, Bob Rock había producido en 1989, el afamado Dr. Feelgood de Mötley Crüe y su popularidad fue enorme, causando miles de ventas, dicha situación no pasó desapercibida por la banda y los líderes Lars Ulrich y James Hetfield, querían llegar a una mayor cantidad de personas, y a pesar de una difícil y ardua tarea, lo consiguieron y comenzaron a forjar su historial más exitoso comercialmente hablando, lo que llevó a Bob Rock, a entablar una larga relación laboral y de amistad, ya que produjo los siguientes cinco discos e incluso llegó a colaborar con ellos como bajista, tan estrecha fue la relación con la banda, que el propio hijo de Rock, es quien dice la oración que se incluye en el mega hit “Enter Sandman”. El productor realizó un trabajo estupendo, pero tan drástico que, cambió el sonido de Metallica, y a él se le atribuye la inclusión de la orquesta en la balada súper conocida y antes mencionada “Nothing Else Matters”, así como en la elaboración de la estructura de “The Unforgiven”, que se destaca entre las canciones del repertorio del grupo, y cuyo gusto entre el público llevó a la creación de “The Unforgiven II” y “The Unforgiven III”, en producciones posteriores del cuarteto.

Es indudable la popularidad que consiguió Metallica con esta producción, que incluso salieron de gira en 1991 con Guns N’ Roses, logrando grandes ventas y una penetración en el mercado mundial, a partir de este punto, la agrupación cambió para bien o para mal, dependiendo como se le quiera ver, y hoy en día son uno de los nombres que llenan estadios y sus shows son de los más vistos a nivel mundial.

Este disco es un indispensable de la década de los noventa y a 30 años de su aparición, sigue siendo un gran referente dentro del rock, tanto por su calidad, como por su popularidad e influencia.

SANTA SABINA - SANTA SABINA

 

Santa Sabina, es una de las agrupaciones más respetadas en la escena del rock mexicano, contemporáneos de Caifanes, Café Tacvba, Fobia, Maldita Vecindad, tenían un estilo único, con influencias en el jazz, progresivo, funk, gótico, con una lírica poética y apoyados en la faceta teatral de su gran líder Rita Guerrero, gracias a su potente voz, y con arreglos muy finos, propios de músicos de conservatorio, ésta impactante combinación logró que la agrupación gozara de estatus de culto, convirtiéndola única en su género, debido a su inigualable estilo.

Este trabajo homónimo de 1992, es el resultado de canciones que la agrupación había compuesto y tocado en vivo, por lo menos, desde tres años antes de su lanzamiento; Santa Sabina fue apoyada y producida por Alfonso André y Alejandro Marcovich, respectivamente, ambos miembros de Caifanes.

A lo largo del disco, se puede notar la calidad musical de los miembros del grupo, canciones como “Vacío”, “Sueño De Agua”, “Siente La Claridad” destacan el poder interpretativo de Rita, también se incluyen tracks sumamente reconocidos y queridos por el público como “Chicles” y su himno “Azul Casi Morado”, “Que Te Pasó” y “Partido En Tres”, expresan el dominio del escenario y la influencia teatral de la vocalista, sin dejar de mencionar, la impactante “Mirrota” favorita entre los seguidores del grupo, tema casi instrumental guiada por la inigualable y poderosa voz de Rita.

Un grandioso álbum debut que muestra el estilo a seguir por la banda en los años venideros, les ayudó a consagrarse entre las mejores bandas mexicanas de todos los tiempos, siendo respetados por sus contemporáneos y llegando a ser influencia en las siguientes generaciones, una banda sublime que nos brindó excelentes canciones y que hoy en día se extraña su presencia en los escenarios.

PRODIGY - THE FAT OF THE LAND

 

The Fat Of The Land, tercera producción de la banda británica The Prodigy, es una explosión sonora, además de ser un gran exponente del popular big beat junto a The Chemical Brothers y pieza fundamental dentro de la música electrónica de la década de los noventa.

The Prodigy tenía cierta popularidad en la escena rave y eran respetados por el público y la crítica, pero con este álbum decidieron ir más, para empezar, es el primer disco donde el bailarín Keith Flint, tomó de lleno las vocales, lo cual fue un gran acierto, ya que le imprimió toda la fuerza y energía para que la banda cambiara el rumbo, ya que, no solo los seguidores de la electrónica se impactaron por el cambio, sino que aficionados al rock comenzaron a ponerles atención, puesto que, su imagen inspirada en el punk, le ayudó a impregnar una actitud dura, directa e incendiaria al grupo, además, a partir de aquí, el grupo comenzaba a dejar de lado la palabra “The” y se presentaban como Prodigy, y su logo ahora característico (la hormiga), surgió en este momento.

La imagen de la banda fue reforzada por los videos de los sencillos dirigidos por Walter Stern, “Firestarter” y “Breathe”, quien supo sacar el lado oscuro y rabioso, así como el polémico video de “Smack My Bitch Up” dirigido por Jonas Åkerlund, quien presentaba, a un individuo en primera persona viviendo al extremo y en forma decadente, dicha canción y video fueron censurados en su momento, y siempre ha estado rodeado de polémica, tachándole de misoginia.

La producción del líder, Liam Howlett es acertada, debido a que, le inyectó el tempo necesario a las canciones, otorgándoles fuerza a cada una de ellas, y sin dejar respiro durante los 56 minutos de duración del disco, además, utilizó samples con gran precisión como en la mencionada “Smack My Bitch Up” con “Bulls On Parade” de Rage Against The Machine, el mega famoso riff de “Firestarter” surgido de “S.O.S.” de The Breeders o en “Funky Shit” con sample de “Root Down” de Beastie Boys, también hace un cover de “Fuel My Fire” de L7; y no conformes con todo lo anterior, cuenta con invitados como Saffron frontman de Republica para aportar su voz, en la última canción citada, o Crispian Mills de Kula Shaker, quien creó las letras y puso su característica voz a “Narayan”.

Este es un pilar esencial para entender la evolución de la electrónica, siendo muy apreciado por el público y la crítica especializada, es un álbum energético de gran calidad musical con una actitud vertiginosa, además que, 25 años después de su lanzamiento no ha envejecido, convirtiéndose en una pieza atemporal.

FOBIA - LECHE

 

Para 1993, Fobia lanzó su disco más arriesgado, después de tener un éxito relativo con sus dos primeros álbumes, Fobia (1990) y Mundo Feliz (1991), la banda creó lo que a la fecha es su disco más sólido y contundente, Leche, en su lanzamiento fue ignorado tanto por la crítica como por el público, y debido a sus bajas ventas, solamente se lanzó un sencillo, el controvertido “Los Cibernoides”, asimismo, fue el último disco en el que participó Gabriel Kuri (baterista original).

Fobia siempre fue acusado de no seguir un patrón de ciertas características que “debían” tener los rockeros mexicanos, ya que su líder Leonardo De Lozanne, era un tipo galán, con una voz educada, las letras de Francisco Huidobro, siempre fueron inteligentes, llenas de imágenes y divertidas, la banda exploraba sonidos muy diferentes a sus contemporáneos (Caifanes, Café Tacvba, Maldita Vecindad, Santa Sabina, Neón), y su imagen fue criticada hasta el cansancio, tachándolos de banda fresa, lo cual, el tiempo se encargó de poner en el lugar adecuado a la banda, a su música y en especial a este disco, puesto que, poco a poco, se fue convirtiendo en material de culto, y su contenido fue querido por los fans de la agrupación.

El grupo se pasea por diversos géneros desde la apertura de “Plástico”, con flautas y música andina explotando con riffs poderosos; pasando por la mencionada “Los Cibernoides” una canción intencionadamente pop, que cuestionaba a los grupos poperos producidos por Televisa; llegando al funk y cachondeo de “Fiebre”, inspirada en las películas porno de los 70’s; el hard rock de “No Me Amenaces”; atravesando por el bossanova de “Miel Del Escorpión”, canción amada por los seguidores del grupo; “Perra Policía” con su homenaje al rap metal noventero; llegando a la psicodelia de “Regrésame A Júpiter”, tema que a la misma banda sorprendió en su momento, porque el público la pedía en sus conciertos y que hoy en día, es parte de la columna vertebral de sus presentaciones; “Maten Al DJ”, con sus obvias referencias a la música disco, que te invita a echar desmadre y a pasarla bien, todo con scratcheos incluidos; y para terminar, “Tu Me Asustas”, pieza sublime, hermosa y una letra encantadoramente poética, haciendo guiños a “A Day In The Life” de The Beatles, y concluye con la divertida “Jonathan”, cuyo tema está cargado de sexualidad y doble sentido.

Leche, es uno de los pilares del rock mexicano, mediante el cual, la banda se ganó el respeto de propios y extraños, por la calidad musical, que entregaron en esta producción discográfica, vanguardista, adelantado a su tiempo, simplemente es su obra maestra.