STEREOLAB - EMPEROR TOMATO KETCHUP

 

En 1996, Stereolab editó su disco más emblemático y el de mayor influencia, Emperor Tomato Ketchup, nombre basado en una película japonesa denominada Tomato Kecchappu Kôtei de 1971.

Esta producción fue bien recibida tanto por la crítica especializada como por el público, siendo nominada en diferentes listas, como uno de los mejores materiales lanzados en ese año.

La banda inglesa en esta producción dejó un poco el sonido guitarrero que los había caracterizado en sus primeras publicaciones y abrazan, la electrónica, ofreciendo ambientes espaciales protagonizados por los sintetizadores, aquí se conjuga el pop, el jazz, hip hop de manera perfecta, también experimentan con el rock y el alternativo, así como el minimalismo, llevando a la agrupación al avant-garde, situación que a partir de este álbum se acentúa con mayor fuerza.

Uno de los principales causantes de este sonido fue, John McEntire, miembro de Tortoise, quien fungió como productor del disco, y tocando instrumentos como el sintetizador análogo, guitarra, pandero, vibráfono y maracas en dicho material.

Los arreglos musicales de
Emperor Tomato Ketchup, son muy amplios, atraviesan el dance, el dub, y los instrumentales son complejos, la experimentación sonora se hace presente en cada uno de los temas, ofreciendo un sonido futurista pero al mismo tiempo retro, las influencias de la banda son claras van desde The Velvet Underground, Burt Bucharach y Francoise Hardy, la voz de la francesa Laetitia Sadier, es de lo más agradable, le da ese toque pop, distinguible y único a la agrupación, asimismo, son influencia para sus contemporáneos como Radiohead o Blur, con estos últimos Sadier colaboró en su disco Parklife (1994), en la canción “To The End”.

El viaje espacial comienza con “Metronomic Underground”, con su base funky, un poco de trip hop, y una línea de bajo hipnotizante, la canción va creciendo hasta llegar a su emocionante final, con una duración que se aproxima a los ocho minutos, este tema fue el segundo sencillo del material.

“Cybele’s Revele”, fue el primer extracto del disco, una de sus canciones más conocidas, cuyos arreglos orquestales, la hacen ensoñadora, nos hace seguir disfrutando de este viaje, pero fuera de este mundo, evocando a paisajes placenteros.

La experimentación sónica se hace presente en temas como “Percolator”, en donde, los teclados crean paisajes cinematográficos, y los espacios instrumentales, nos remiten a ambientes vintage.

Esta obra, tiene grandes piezas como la rockera “The Noise Of Carpet”, donde las guitarras y disonancia se hacen presentes, con un coro que nos vuelve a atrapar y dejar hipnotizados, o la calma de “Tomorrow Is Already Here”, o la fantástica “Slow Fast Hazel”, una de las mejores composiciones de la banda.

Emperor Tomato Ketchup, no generó las ventas para mandar a la banda inglesa/francesa al mainstream, sino que los elevó al estatus de culto, lugar donde nunca bajarían, esta es una obra, conformada por un puñado de canciones plagadas de experimentaciones poco convencionales pero que, nos atrapa con su sonido pop, y por lo arriesgado de su propuesta.

Es un álbum pilar de la década, un imperdible para cualquier melómano y un clásico de la música contemporánea.

ARRESTED DEVELOPMENT - 3 YEARS, 5 MONTHS AND 2 DAYS IN THE LIFE OF...

 

En 1992, surgió un grupo de hip hop formado en Atlanta, Georgia, Estados Unidos, fundado por Speech y Headliner, quienes se enfocaron en destacar elementos como la espiritualidad, la humanidad, la paz, el amor, el feminismo, la armonía, teniendo como centro en sus letras a la comunidad afro, todo esto, en contraste a lo que se venía exponiendo con sus contemporáneos del gangsta rap, dejando de lado el machismo, las peleas callejeras y el estilo de pandilla, que a la par, estaba obteniendo bastante popularidad.

En aquel año lanzaron su disco debut, 3 Years, 5 Months And 2 Days In The Life Of…, que hace referencia directa al tiempo que la agrupación tardó en grabar su primer disco.

Este álbum fue una sensación, vendió alrededor del mundo 6 millones de copias, colocando tres sencillos en el top 10, “Tennessee”, “People Everyday” y “Mr. Wendal”, además, les brindó el reconocimiento y ganaron premios como discos del año, y en algunas categorías del Grammy.

EL estilo de la agrupación, abraza diversos géneros como el funk, jazz, soul, hip hop, ritmos tribales que en ocasiones evocan al house, mezclan sampleos en sus canciones originales, tomadas de artistas o grupos importantes como Prince, Sly And The Family Stone, Minnie Riperton, Earth, Wind & Fire, James Brown o The Brand New Heavies.

Gracias a su estilo único, y a la popularidad que en su momento tuvieron, fueron impulsores del Southern Hip Hop, cuyas bases las dejarían para que grupos como Outkast, brillaran al final de esa década y a inicios de la siguiente, donde dicho subgénero tuvo su auge.

3 Years…, desde el inicio con “Man’s Final Frontier”, emite un aura de felicidad, de alegría por la vida, con sonidos que inevitablemente, te hacen mover la cabeza y disfrutar de cada uno de los elementos que la conforman.

“People Everyday”, prácticamente, actualizaron el mensaje brindado por Sly And The Family Stone, sampleando su canción “Everyday People”, y su base reggae, sintiéndose orgullos de sus raíces africanas.

Uno de sus grandes himnos llega con “Mr. Wendal”, cuyo tema principal es acerca de las personas sin hogar, y pide que no despreciemos a los humanos solo por la forma en que lucen, se ven o por el estatus económico, sino que aprendamos a tener una vida no materialista.

Sus letras inteligentes son mostradas en canciones como “Fishin’ For Religion”, las líneas de Speech, son enfocadas en la espiritualidad en busca de una teología que tenga un sustento espiritual en vez de un simple consuelo frente al mal.

“Tennessee”, un himno de la banda, fue considerado uno de los mejores singles de la década de los noventa por Slant Magazine, utiliza un sample de “Alphabet St.” de Prince, y cuyas letras están basadas en la experiencia personal de Speech, acerca de la pérdida de dos seres queridos (hermano y abuela).

Dionne Farris, es una cantante, que participó en tres tracks del álbum, “Fishin’ 4 Religion”, “Give A Man A Fish” y el éxito, “Tennessee”, Farris, nunca fue integrante oficial del grupo, ella como Arrested Development, fueron contratados al mismo tiempo por la misma compañía manejadora, y el grupo andaba buscando una cantante, aunque ella no estaba interesada en un inicio en el grupo, accedió a cantar y a ser un miembro no oficial, estuvo con ellos en unas presentaciones y en un desacuerdo con los líderes del grupo, a pesar del éxito que estaban teniendo con “Tennessee”, abandonó el proyecto.

3 Years, 5 Months And 2 Days In The Life Of…, es un gran álbum, lleno de humanismo, esperanza y alegría, 30 años después de su lanzamiento, aún se escucha fresco y vibrante, y sus mensajes aún son vigentes.

PJ HARVEY - TO BRING YOU MY LOVE

 

PJ Harvey en 1995, lanzó al mercado su disco hasta esa fecha, el más comercial, y uno de los más queridos por el público y de los más elogiados por la prensa mundial.

To Bring You My Love, muestra a una artista completa, con una madurez musical, en plena forma y crecimiento artístico, en el que sus letras, reflejan su personalidad, creando personajes en cada una de ellas, y tal vez, refugiándose en esas letras duras, crudas, enigmáticas, llenas de sensualidad, sin dejar de lado, la rabia, la furia con la que la conocimos en los días de Dry (1992) y Rid Of Me (1993), pero en ese momento, convertida en una femme fatale.

El tercer disco de la artista inglesa, está sumamente influenciado por el blues, con sonidos oscuros, cautivadores, en donde el rango vocal de Harvey se hace presente a veces es seductora, en otras grita con desesperación, en otras es penetrante y oscura, es dura y directa, no abandona el sonido rockero de su guitarra, pero abre su abanico musical con la inclusión de teclados con gestos de teatralidad y con metáforas e imágenes percibidas en sus letras, exponiéndose en cada momento, mostrando su fragilidad y a la vez, se fortalece como mujer.

La evolución entre cada trabajo de Polly Jean Harvey, es notable, en sus dos primeros intentos, tenían esa carga punk, rockera, lo-fi, con guitarras sucias, lastimosas y rasposas, pero ahora, en este punto, suena refinada sus pasos son más calculados y su sonido es más pulido.

Su imagen cambió, dejó de lado su sencillez en el maquillaje, prácticamente nulo en sus primeros años y asumió una actitud de por sí desafiante, pero ahora remarcada por el exceso de maquillaje en los ojos y los labios rojos, incluso, este es, oficialmente el primer disco lanzado como solista, anteriormente, lo hacía con otros músicos, pero eran presentados como trío.

Es la primera colaboración de John Parish, amigo suyo, desde sus primeros intentos en la escena, y que, a partir de aquí, sería su colaborador inseparable, también en la producción, contó con Flood, quien había trabajado en álbumes tan importantes como The Joshua Tree (1987) y Achtung Baby! (1991) de U2, Pretty Hate Machine (1989) y The Downward Spiral (1994) de Nine Inch Nails, Violator (1990) y Songs Of Faith And Devotion (1993) de Depeche Mode.

Con solo 10 canciones y 43 minutos de duración, PJ Harvey, nos mostró la mutación que ella solo podía realizar de un disco a otro, canción tras canción, se escucha fuerte, oscura, intensa, experimental, para muestra, la encargada de abrir el material, la que da título al disco “To Bring You My Love”, una canción oscura, cuyo riff nos hipnotiza, nos cautiva, es un track minimalista, la línea inicial de la letra hace referencia a “Sure’nuff ‘n’ Yes I Do” de Captain Beefheart.

“Meet Ze Monsta”, es un tema teatral, lleno de guitarras, el cual tiene reminiscencias industriales, la cantante asume otro rol, no parece la PJ Harvey, que habíamos conocido, es diferente cambia con cada tema.

“Working For The Man”, tiene una batería seductora, teclados oscuros que logran un ambiente misterioso y un bajo profundo, mientras las letras metafóricas, nos llevan a una mujer buscando un amante, buscando lo que ella desea, destaca la voz por su sonido fúnebre oscuro, deseoso.

“C’Mon Billy”, es uno de los sencillos del álbum, casi acústica, una letra desesperada en el que una mujer rompe con su pareja, y con el deseo que el hombre, conozca a su hijo, pero sabemos que ese solo es el pretexto para que el regrese, el canto es intenso, lastimoso, con una tristeza absoluta, representa la ausencia e imposibilidad del regreso del ser amado. Uno de los temas mejor logrados en la carrera de la cantante.

“Teclo”, una canción minimalista, desborda pasión, emociones, muy blusera, donde la guitarra domina, los solos son profundos, con un paisaje oscuro, aquí el protagonista pide que le manden de nuevo a su amor, inspirada por Teclo, personaje interpretado por Charles Bronson en la película The Guns From Saint Sebastian, destaca la utilización del cencerro por parte de la cantante.

“Long Snake Moan”, es la canción más rockera del álbum, después del bajón que nos da con el track anterior, aquí explota, las guitarras saturadas se hacen presentes, es un éxtasis emocional, una voz potente, rabiosa; el título de la canción hace referencia a “Black Snake Moan” de Blind Lemon Jefferson, cantante y guitarrista de blues de los años 20’s.

“Down By The Water”, el sencillo que encabezó el lanzamiento del material, tal vez, el más exitoso en la carrera de la inglesa, con este track, ganó reconocimiento y exposición debido a la alta rotación que recibió en MTV, incluso el video dirigido por su siempre colaboradora Maria Mochnacz, apareció en un capítulo del show Beavis & Butthead, la letra es oscura, cuyo tema es centrado en el ahogamiento que realiza una mujer a su hija y aún más si le sumamos ese murmullo tenebroso al final de la canción, que hace referencia a la canción folk “Salty Dog Blue” de Lead Belly.

“I Think I’m A Mother”, nuevamente toma influencia de Captain Beefheart, y a su tema “Dropout Boogie”, es una canción minimalista, en la que, casi se percibe la voz de PJ Harvey, es un lo-fi hipnótico, oscuro, Harvey, asume otro rol y sus vocales se agravan y profundizan, mientras el sonido de la batería se mantiene a lo largo del track.

En “Send His Love To Me”, PJ Harvey, pide desesperadamente el amor de su pareja, con tintes religiosos, aunque es gracioso, porque ella nunca ha estado apegada a lo divino, canción folk con gran manejo de voces, acompañamiento de cuerdas y una guitarra acústica le dan forma al penúltimo track del álbum. Tercer y último sencillo del material.

“The Dancer”, es un maravilloso cierre, con una estructura folk, una batería downtempo, mientras la melodía crece conforme al órgano, aquí la teatralidad de la voz se hace más presente que en los tracks anteriores, el dramatismo que le imprime es impresionante, y el solo de guitarra en modo fuzz es increíble.

To Bring You My Love, tercer material de la artista inglesa, fue reconocido y nominado al Mercury Prize de 1995, compitiendo con grandes clásicos como el debut de Elastica, Leftism de Leftfield, Definitely Maybe de Oasis, I Should Coco de Supergrass, Maxinquaye de Tricky y por el ganador de ese año, Dummy de Portishead.

Este material es una piedra angular para PJ Harvey, es el más exitoso comercialmente hablando y sin duda alguna, un clásico de la década, fuente de inspiración para muchos artistas y bandas, un álbum redondo, completo y arriesgado.

JUMBO - RESTAURANT

 

Jumbo, banda regiomontana perteneciente al movimiento denominado Avanzada Regia, que incluía bandas como Zurdok, Volován, Genitallica, Panda, Control Machete, Cartel de Santa, Plastilina Mosh, Kinky, El Gran Silencio, entre otros, todos ellos nombres importantes en la escena del rock nacional, todos con estilos diferentes y diversas influencias, y quienes, hasta el día de hoy, siguen produciendo música y encabezando festivales, cuyo único común denominador, era su ciudad natal, Monterrey, Nuevo León .

En 1998, la banda estaba conformada por Clemente Castillo (voz y guitarra), Charly Castro (bajo), “Flip” Tamez (guitarra) y los hermanos Eddie (teclados) y Enrique González (batería), empezaron a recibir un poco de atención, debido a su participación, en ese año, con la canción “Lo Dudo”, del álbum Un Tributo, dedicado al intérprete José José, en el que, colaboraron nombres reconocidos como Maldita Vecindad Y Los Hijos Del Quinto Patio, Café Tacvba, Beto Cuevas (La Ley), Leonardo De Lozanne (Fobia), o actos, que comenzaban y tenían gran popularidad como Julieta Venegas y Molotov, o emergentes como los citados, Pastilla y El Gran Silencio.

Lo anterior, aún sin haber sacado su primer disco, el cual, fue grabado en ese año y lanzado durante 1999, bajo el cobijo de la disquera BMG y la producción corrió a cargo de Jesús Flores, con la dirección de Óscar López conocido por su trabajo con Caifanes y Julieta Venegas, entre otros.

El álbum abre cono “Monotransistor”, un track rápido, duro y corto, dicho sea de paso, fue el primer sencillo del material; los otros sencillos desprendidos del álbum, fueron “Aquí”, una de las canciones rockeras y más pegadizas, un clásico de la banda; “Fotografía”, una canción emotiva, de las más lentas, pero es una grandiosa composición, en el video, aparecen familiares, amigos y conocidos de la banda, emulando que se toman precisamente fotografías para el recuerdo, entre aquellas personas invitadas se encuentra el líder de Caifanes y Jaguares, Saúl Hernández, cuya relación se formó, porque Jaguares invitó a Jumbo a abrir algunos conciertos en aquellos días; y por último, pero no menos importante, el tema “Siento Que…”, un clásico instantáneo del rock mexicano, una canción que ha sonado por doquier, y una de las consentidas del público, este tema los mandó a los cuernos de la luna, un infaltable en el setlist de cada presentación de la agrupación.

La portada del disco fue tomada en un restaurante regiomontano, llamado AL, lugar muy reconocido de aquella ciudad norteña, y cuyo mesero, que aparece realmente trabajaba en el comercio, su pose fue de lo más natural, ya que nunca se dio cuenta que estaban tomando fotografías, y la banda al momento de escoger, se decidió por esa, porque plasmaba todo lo que ellos querían, mención aparte el video realizado de la canción “Siento Que…”, (versión restaurante), fue grabado en dicho lugar y dirigido por Fernando Eimbcke, fue muy popular en MTV, obteniendo una alta rotación en el canal.

El disco está plagado de excelentes composiciones, que, de no ser, por los sencillos lanzados, pensaríamos que estamos escuchando a otra banda, son canciones, rockeras, contundentes, firmes, “Dulceacido”, “Nova”, “Superactriz”, “Automático”, “Tú Me Ves”, son el ejemplo claro de esta afirmación, se escuchan genuinos, auténticos, y muy frescos.

Jumbo es una de las bandas más mediáticas, populares y queridas de finales de los noventa y principios de los dos miles, y aún continúan obteniendo las mieles de aquel contundente éxito.

Restaurant, álbum debut de la banda, lanzado en 1999, es un álbum que no debe faltar en cualquier colección, es una muestra exacta, de las variaciones y la calidad de ese movimiento musical norteño, un material sumamente exitoso, y que más de 20 años después, la banda no ha podido repetir tanto en calidad como en popularidad. Un gran clásico del rock nacional.

THE CROW - ORIGINAL MOTION PICTURE SOUNDTRACK

 

Son muchas las películas que se producen al año, pero pocas perduran en la memoria colectiva, y que son referente de toda una generación, una de esas afortunadas es The Crow, dirigida por Alex Proyas y actuada en el personaje principal por Brandon Lee (hijo de Bruce Lee).

The Crow, es la adaptación a la pantalla grande, del comic del mismo nombre, un personaje oscuro, gótico, con una historia plagada de violencia, muerte, ira y venganza.

La historia es de Eric Draven y su novia, Shelly Webster, quienes son brutalmente asesinados por una pandilla local, por lo que, el cuervo revive a Eric, para vengarse de todos aquellos que fueron participes de la muerte de él y su amada, mediante algunos poderes que le otorga el animal.

Gracias a la dirección de Proyas y a la excelente actuación de Brandon y por qué no mencionarlo, al fatídico desenlace del actor, a manos de una bala real, metida en una pistola, que fue disparada accidentalmente en la grabación de una escena y que lamentablemente dio muerte al actor, la película inmediatamente cautivó a toda una generación, inspiró a muchos artistas, fue del gusto del público y de la crítica, el filme se convirtió de manera casi instantánea en una película de culto, y como un buen filme, se hizo acompañar de un excelente soundtrack, que plasmó en sonoridad todos aquellos sentimientos y oscuridad atmosférica que rodea a la cinta, tema del que nos ocupa.

El soundtrack es considerado no solo uno de los mejores de la década sino de la historia, es un documento fiel, de mediados de los noventa y del retrato del rock alternativo que incluyó actos legendarios, nuevos y underground.

El track principal, fue hecha exprofeso para la película, y quien más que plasmar la oscuridad y lo gótico que, The Cure con “Burn”, siendo el single que empujó la venta del álbum e incluso en años recientes la banda la toca en sus conciertos en vivo.

Machines Of Loving Grace, aporta la canción “Golgotha Tenement Blues”, banda de rock industrial, quienes tuvieron la oportunidad de leer el guion antes de la filmación y esa fue la inspiración para la composición del track.

“Big Empty” de Stone Temple Pilots, es representante de la onda grunge que se vivía en aquellos días, el track no iba a ser incluido, ya que se aportaría “Only Dying”, pero a la banda le pareció de mal gusto, debido a la muerte accidental del protagonista, y presentaron esta canción que posteriormente, sería uno de los temas de su segundo álbum Purple de 1994.

La cuarta canción, es un cover a Joy Division, que corre a cargo de Nine Inch Nails, un tema potente, fuerte e industrial, hay que mencionar, que, en el comic, en muchas escenas se recurre a letras de diferentes canciones de la banda inglesa, e incluso se buscó que New Order, hiciera un cover de “Love Will Tear Us Apart”, pero el líder Bernard Sumner, se negó debido a que estaban en plena promoción de su álbum Republic (1993).

Rage Against The Machine, aportó el tema “Darkness”, la cual, no fue agregada en su álbum homónimo debut, y había sido presentada como demo, originalmente se llamaba “Darkness Of Greed”, pero para la película, el nombre fue cambiado.

Violent Femmes, presentó “Color Me Once”, es sin duda, uno de los temas más oscuros en la carrera de la agrupación, que le agregó ese sonido tétrico y que encaja perfectamente con el concepto del comic y la película, la canción fue realizada para el filme, y su composición fue llevada a cabo, solo con lo que ellos escucharon de la cinta.

“Ghostrider”, canción original de la banda Suicide, inspirada en el súper héroe de Marvel del mismo nombre, aquí es interpretada y reversionada por Rollins Band, en la cual, Henry Rollins, le hace un homenaje a la banda y no sale por nada del estilo del álbum.

Helmet, aportó una versión alternativa de “Milktoast”, cuya toma original apareció en su álbum de 1994, Betty, con el nombre de “Milquetoast”, en ambas versiones, el productor fue Butch Vig, conocido por su trabajo con Nirvana, The Smashing Pumpkins, Sonic Youth, Garbage, entre otros, cuya toma alternativa, es más distorsionada e industrializada.

“The Badge” de Pantera, es un cover, a la banda hardcore, Poison Idea, una de las grandes canciones de este álbum, y fiel al estilo de la banda es un track de metal duro.

La banda underground, For Love Not Lisa hizo su contribución al soundtrack con “Slip Slide Melting”, en la que, se combina el funk, metal y el hardcore.

My Life With The Thrill Kill Kult y su “After The Flesh”, hicieron un intenso cameo en una breve escena de la película, un track perverso e industrial.

The Jesus And Mary Chain contribuyeron con “Snakedriver”, que fue compuesta para la banda sonora, incluida en su compilación The Sound Of Speed, unos meses antes del lanzamiento del soundtrack, es una canción brillante, una gloriosa composición ruidosa.

La penúltima canción del álbum, es “Time Baby III”, de Medicine, que incluye en las voces a Elizabeth Fraser de Cocteau Twins, y como su nombre lo dice, esta es la tercera versión del tema, la segunda versión aparece en el filme y es una menos pulida, que la incluida en el soundtrack, y la primera versión, es de un demo original de la banda, en duración es más larga que las últimas dos y grabada antes de que la frontwoman Beth Thompson se uniera a la agrupación.

Para cerrar el álbum se encuentra, “It Can’t Rain All The Time” de Jane Siberry, que en la ficción de la película la escribe Eric Draven, cuyo estilo es gótico industrial.

Como podemos ver, el soundtrack incluyó un estilo definido dominado por el industrial, hardrock, rock, metal, gótico, es un documento para entender aquel movimiento alternativo que dominó gran parte de la década y que, en aquel momento gozó de gran popularidad.

Debido a la interesante combinación de muchos elementos y de nombres, tuvo un gran éxito comercial, y aun casi 30 años después de su aparición es un referente, con gran aceptación del público y de la crítica, un álbum definitorio de cómo integrar una gran banda sonora.

LAURYN HILL - THE MISEDUCATION OF LAURYN HILL

 

Lauryn Hill surgió musicalmente de la banda de hip hop The Fugees, conformada también por Prakazrel Michel y Wyclef Jean, que tuvo un éxito de moderado a alto, a mediados de la década de los 90’s, sacaron dos álbumes de estudio y cuyo reconocimiento está ligado principalmente al cover realizado a Roberta Flack “Killing Me Softly With His Song”, tema incluido en su segundo material, The Score de 1996.

The Fugees, se separó por las inquietudes de sus integrantes por realizar una carrera solista, y derivado de la relación un tanto dolorosa y conflictiva que, Lauryn Hill, mantuvo con Jean, quien se encontraba casado y por lo tanto, dicha relación la mantenían en secreto, hasta 1997, que decidieron terminarla, y Hill, encontraría a Rohan Marley, quien se convertiría en su esposo y en padre de su primer hijo, Zion, todos estos cambios personales y sentimentales, fueron la semilla y la inspiración para este maravilloso álbum, The Miseducation Of Lauryn Hill.

Al momento de componer y escribir el álbum, muchos no creían en su proyecto, tal como ella lo había concebido, por lo que, con el apoyo de su esposo, viajaron a Jamaica y ahí lo realizaron.

Sus letras abarcan muchos temas, que van desde el desamor, la desilusión, la maternidad, la pérdida del amor, de la amistad, no teme en mostrar inseguridades, como mujer, como madre, y refleja el entorno machista que la rodea, pero así también, muestra el amor, anhelo por crecer, la búsqueda de la madurez, manda mensajes de optimismo, y esperanza, haciendo un énfasis en el respeto hacia las mujeres, incluso dedica una canción a su hijo en “To Zion”, en la que expresa su amor profundo por su primogénito.

El título del disco está basado en el libro The Mis-Education Of The Negro, el cual, es un material que trata sobre la independencia de los afroamericanos como personas y no como una comunidad segregada, Lauryn, lo utiliza como concepto del álbum representando una metáfora sobre la vida.

El material está producido por la cantante e incluye sonidos tomados del R & B, pop, hip hop, rap, góspel, mostrando una gama vocal tan increíble aunado a los grandes músicos y colaboradores que ella misma reclutó, hacen de este debut, un grandioso álbum.

Entre las colaboraciones se encuentran, la participación de Ras Baraka, en la apertura “Intro”, quien toma el personaje del profesor, en dicho track introductorio, y en algunos interludios así también, se encuentran grandes exponentes del R & B, como D’Angelo, que participa en las vocales y piano en el tema “Nothing Even Matters”, Mary J. Blige en “I Used To Love Him”, y Carlos Santana, en la guitarra, en el mencionado “To Zion”.

El disco produjo tres exitosos sencillos, “Doo Wop (That Thing)”, “ExFactor” y “Everything Is Everything”, cuyos extraordinarios videos promocionales, tuvieron alta rotación en MTV, haciéndola acreedora como video del año por la primera mencionada.

The Miseducation Of Lauryn Hill, tuvo un éxito inesperado, ganó premios por doquier durante 1998 y 1999, la posicionó inmediatamente entre las mujeres cantantes y autoras más reconocidas a final de siglo, y su álbum vendió millones de discos, algo inusitado en ese entonces por una cantante femenina del género.

Este disco, es un pilar de la música contemporánea, es una exquisitez y sencillamente una obra maestra, es una lástima, que es el único material de estudio que la cantante grabó, y en años posteriores, se dedicó a la crianza de su familia, y se embarcó en algunos problemas personales, pero sin duda, nos dejó un gran legado y todo un referente musical.

LENNY KRAVITZ - MAMA SAID

 

En 1991, Lenny Kravitz, tenía cierto reconocimiento en la industria musical, dos años antes había publicado su álbum debut, Let Love Rule (1989), en el que pudo plasmar, todo su gusto por el rock setentero, y su notoria influencia en su música, un año después escribió la letra de “Justify My Love”, un tema sumamente sexy, aunado a la imagen y a la voz de aquellos días de Madonna, fue todo un éxito, incluido en el primer álbum de grandes éxitos de la artista.

Por todo lo anterior, se podía esperar algo interesante de Kravitz, para su segundo material en estudio, y el resultado no fue decepcionante, Mama Said, es un disco muy bien producido y pulido, siguiendo la tónica de su primer intento, pero profundizando y ampliando la gama sonora, ayudado que el artista el multiinstrumentista, nos brindó el mejor material de su carrera.

Kravitz, explora sonidos conocidos por él, como el rock, soul, funk, pop, haciendo un disco placentero, que suena netamente como una banda de rock vintage pero con ese toque moderno de los noventa.

La composición de las letras del álbum es una catarsis para Lenny, pues en esos días, se vislumbraba el divorcio de su entonces esposa Lisa Bonet, y su entrega, amor y arrepentimiento, son expresadas en canciones como “It Ain’t Over ‘Til I’ts Over” o “Stand By My Woman”, así como la dedicada a su hija, ahora famosa cantante y actriz, Zöe Kravitz, “Flowers For Zöe”.

El disco cuenta con grandes colaboraciones como Sean Lennon, quien toca el piano en “All I Ever Wanted”, la sección de vientos The Phenix Horns de la banda Earth, Wind And Fire, (aquí seguimos notando su gusto por la música setentera), y Slash, integrante de Guns N’ Roses y quien toca la guitarra en el track 1, “Fields Of Joy”, que, a su vez, es un cover de New York Rock And Roll Ensemble, así como en uno de los grandes temas de la carrera de Lenny, “Always On The Run”, siendo el compositor de la música, y originalmente, Slash,  había compuesto la música para su banda, Guns N’ Roses, pero finalmente se la entregó a Kravitz, debido al gusto que tuvieron al encontrarse en una entrega de premios, y en una de esas pláticas, supieron que fueron compañeros de escuela.

Se lanzaron siete sencillos para promoción del disco, “What Goes Around Comes Around”, “Stop Draggin’ Around”, “What The Fuck Are We Saying”, las antes mencionadas, “Fields Of Joy”, “Stand By My Woman”, cuyo video fue dirigido por Lisa Bonet, “Always On The Run” y “It Ain’t Over ‘Til It’s Over”, estos dos últimos, grandes clásicos para él y la década, siendo los más exitosos.

Mama Said, le otorgó la fama mundial a Lenny Kravitz, lo colocó dentro los solistas más reconocidos a nivel mundial, y el álbum que lo llevó al mainstream, es un álbum redondo, exquisito para el oído, y la carta más fuerte dentro de la trayectoria del artista, uno de los mejores discos de los noventa.

VERUCA SALT - AMERICAN THIGHS

 

Veruca Salt, es una banda de Chicago, Estados Unidos, liderada por Nina Gordon y Louise Post, ambas vocalistas y guitarristas, surgida a mediados de los noventa con la camada de grupos de chicas y artistas femeninas que tuvieron gran auge a mediados de la década, como Garbage, No Doubt, The Cranberries, The Cardigans, Hole, The Breeders, Throwing Muses, Letters To Cleo, L7, Alanis Morissette, Sheryl Crow, Juliana Hatfield y Liz Phair, por mencionar algunas.

El nombre de la banda proviene de un personaje de la novela del autor inglés Roald Dahl, Charlie y la fábrica de chocolates, y que fue popularizada por la adaptación en cine de 1971, con Gene Wilder como protagonista.

Asimismo, el título del disco American Thighs, proviene de una línea de las letras de la canción “You Shook Me All Night Long” del álbum Back In Black (1980) de AC/DC, “Knockin' me out with those American thighs.”

La banda tomó elementos de géneros como el hard rock, pop, rock, y grunge, mezclados con ritmos lentos, y la doble vocalización de las líderes, así como una influencia notoria de Pixies, lo que se le denomina ruido-calma-ruido, pero mantiene personalidad propia a lo largo del disco, aunque de inmediato fue clasificado como post grunge, puesto que, el sonido era semejante a muchas bandas salidas en aquella época donde tomaban como base dicho género pero no propiamente fueron creadas en Seattle, aunado al declive en popularidad del género.

El álbum contiene grandes canciones como “Spiderman ‘79”, “Celebrate You” y “Number One Blind”, en las que destacan los coros pop, los riffs sucios, las guitarras estridentes, y un tanto de agresividad y enojo, pero llevados a la perfección mediante sonidos pop, y que decir, de esa magnífica canción “25”, que nos hipnotiza durante casi ocho minutos.

Se lanzaron cuatro sencillos para promoción del material, “All Hail Me” y su inolvidable video recreando una fiesta de niños, en la cual, la banda es la protagonista, la mencionada anteriormente “Number One Blind”, “Victrola”, y la que llamó la atención de todos “Seether”.

“Seether”, fue un éxito comercial en todos los sentidos, en MTV tuvo alta rotación y esto les ayudó a salir de gira con Hole, gracias al impulso que tuvo este single, obtuvieron certificado de oro, por las ventas que generaron.

La producción corrió a cargo de Brad Wood, quien unos meses antes, produjo la sensación de Exile In Guyville de Liz Phair, y posteriormente, trabajaría en el álbum debut de Placebo.

Después de este material, Veruca Salt, se fue diluyendo, entre cambios de alineación, desintegraciones, desacuerdos, este disco es lo mejor que dejaron, aún tocan juntos con los miembros originales, pero nada tan fresco como cuando salió este álbum.

Si bien American Thighs, no es un referente como otros álbumes de ese año de 1994 como Superunknown de Soundgarden, Definitely Maybe de Oasis, Parklife de Blur, The Downward Spiral de Nine Inch Nails, Dookie de Green Day o Purple de Stone Temple Pilots, es un álbum fresco, que nos hace voltear a aquellos años donde las bandas de chicas comenzaban a liderar, los ruidos de las guitarras estaban de moda y el rock imperaba en el gusto masivo.

Es una lástima que, Veruca Salt, haya sido una banda pasajera cuando tenían mucho potencial, y a veces, son catalogados como One Hit Wonders.

American Thighs, es un buen disco, disfrutable, tal vez no entra a la primera escucha, pero después de varias repasadas, se van encontrando las joyas y los elementos que hicieron importantes a Veruca Salt.

KORN - FOLLOW THE LEADER

 

El tercer material de estudio de Korn, es considerado el primero del género nü metal en ser exitoso, y el que ayudó a popularizar, tanto a la banda como a la escena en los siguientes años, asimismo, se ayudó del tour Family Values, creado por la banda y apoyado por bandas como Limp Bizkit, Incubus, Orgy, Ice Cube y Rammstein.

El álbum fue producido por Steve Thompson, conocido por su trabajo con Guns N’ Roses, Madonna, Wu-Tang Clan, entre otros y por Toby Wright (Alice In Chains, Primus, Slayer, etc), fue el primer disco en el que no estuvo su productor de cabecera Ross Robinson.

La banda para crear su sonido en esta producción, utilizó elementos del metal, hip hop, funk, rock alternativo, industrial, apoyado de su sonido elemental del nü metal, pero yendo un paso delante de sus contemporáneos, incluso el nombre Follow The Leader, fue propuesto derivado de que, Korn comenzaba a tener éxito en Estados Unidos con sus dos primeros discos, pero muchas bandas empezaron a surgir, tratando de imitarlos, de ahí el nombre y gracias a esta producción, se desmarcaron de sus imitadores y dio un paso enorme como banda.

El disco contiene 25 tracks, de los cuales, los 12 primeros su duración es de 5 segundos, y se genera el primer minuto en silencio, a partir del track 13 comienza la música con la poderosa “It’s On”, y esta es la carta de presentación del material, con esto sabemos que es lo que nos espera a lo largo de la producción.

También, cuenta con una canción oculta al final del disco, en el momento que termina el último track “My Gift To You”, existen dos minutos de silencio y un interludio de 1 minuto y 40 segundos, después de esto, comienza “Earache My Eye”, cover de Cheech & Chong.

La forma de cantar del líder y vocalista Jonathan Davis, a dos voces, se convirtió en un punto esencial del sonido de los estadounidenses, así como la rabia, el odio, que impregnó en sus vocales, el rasgueo de las guitarras, el sonido único del bajo, es sin duda, el sello distintivo de la banda.

El álbum tiene colaboraciones de Ice Cube en “Children Of The Korn”, dicho tema fue uno de los singles, y de Fred Durst de Limp Bizkit en “All In The Family”, siendo el primer sencillo y el tema más criticado por muchos, considerándolo el eslabón más débil, debido a, que las letras son insultos entre ambos vocalistas.

Se lanzaron otros tres sencillos, además de los arriba mencionados, “B.B.K.”, y de los más exitosos, “Got The Life”, con su base disco, dicho sea de paso, es la canción más pop en la historia de la banda, pero uno de los más accesibles y populares, además, es el track con menor duración del álbum (3:45), y la extraordinaria “Freak On A Leash”, todo un clásico de la década, y el juego vocal de Davis, en el cual el beatboxing, del que es amante, es parte esencial de la canción.

“Freak On A Leash”, tuvo video promocional, dirigido por Todd McFarlane, cuyo éxito en MTV, fue abrumador, el director es ilustrador de The Amazing Spiderman y el creador del comic Spawn, que fue llevado a la pantalla grande un año antes, y derivado de la inclusión de Korn en el respectivo soundtrack con la canción “Kick The P.A.”, en colaboración con The Dust Brothers, nació la inquietud de seguir trabajando en conjunto McFarlane y Korn, el video esta realizado con imágenes de la banda y animación derivada de la portada del disco, del cual, el artista fue el creador del concepto.

Follow The Leader, tuvo un enorme éxito de ventas tanto en Estados Unidos como alrededor del mundo, posicionó a Korn dentro de la nueva generación y realizó el cambio en la música estadounidense, después que el grunge estaba muerto y el alternativo se encontraba de salida.

Es la obra maestra de la agrupación, un pilar para el nü metal, y un referente para la década.

MOBY - PLAY

 

Moby, es un artista, músico, multiinstrumentista, cantante, compositor, productor, activista, vegano, defensor ferviente de los derechos animales, todo esto y más es Richard Melville Hall, cuyo nombre artístico lo tomó del libro más famoso de su tío tatarabuelo Herman Melville, Moby Dick.

Para finales de la década de los noventa, las listas de popularidad estaban dominadas por el pop y el nü metal, la escena electrónica era encabezada por actos como Fatboy Slim, The Chemical Brothers o The Crystal Method, y por sus vertientes como el techno o el house, por lo tanto, el éxito inusitado de su quinta placa de estudio, Play de 1999, fue algo increíble y pocas veces visto.

El músico, a inicios de la década tuvo un éxito relativo con sus primeras producciones, Go (1992) y Ambient (1993), con el cual, salió de gira con The Prodigy, Orbital y Aphex Twin, posteriormente, obtuvo elogios con Everything Is Wrong (1995), pero el declive fue Animal Rights (1996) y ni con I like To Score (1997), está última es una recopilación de temas de música electrónica que aparecieron en películas, con ninguna tuvo éxito, lo cual, lo llevó a pensar en abandonar la música, pero al recibir apoyo por su disco Animal Rights por parte de Bono y Axl Rose, lo alentó para continuar y producir su álbum más emblemático.

Play, es considerado el primer álbum en licenciar todas las canciones que lo componen (18), han sido utilizadas en distintas películas, comerciales, series de televisión, videojuegos, y en todo lo que se ocurra que sea comercializable, es decir, fue, ha sido, y será el mejor negocio de Moby, debido a las ganancias que esto le genera, independientemente de las ventas físicas.

El éxito de Play fue muy lento, el primer sencillo “Honey” fue lanzado 8 meses antes de la publicación de Play, pero tuvo hasta nueve sencillos, el último fue, “Find My Baby”, la mercadotecnia para este disco, tuvo un gran resultado, ya que no buscaban colocar un sencillo en primer lugar de los charts, si no mantenerlo en las listas, ejemplo claro es, “Porcelain” que fue lanzado casi un año después de la publicación del material.

Moby, soltó toda su creatividad en la creación de Play, juega con el rock, folk, ambient, techno, pop, góspel, blues, utiliza sampleos del trabajo de Alan Lomax, como en las mencionadas “Honey”, “Find My Baby” y “Natural Blues”, contiene cortes netamente placenteros e instrumentales como “Guitar Flute And String”, además, a partir de este punto, agregó voces femeninas en algunos de sus temas, y que, en siguientes producciones realizaría algo similar.

El álbum se divide notoriamente en dos partes, las primeras son netamente canciones comerciales, pop, con ganchos pegadizos, y la segunda, es más ambient, experimental, electrónica, de viajes profundos y existenciales.

Play, también es conocido por generar doce videos musicales para su promoción para un total de 8 singles diferentes, simplemente, “Bodyrock” (3), “Natural Blues” y “Porcelain” (2), además de estar dirigidos por nombres importantes en la industria como, Jonas Akerlund (“Porcelain”), Roman Coppola (“Honey”), David LaChapelle (“Natural Blues”), Joseph Kahn (“South Side”), ésta última con la participación de Gwen Stefani de No Doubt, y cuyo sencillo fue relanzado e incluido en versiones posteriores del álbum, además, del video animado y de la presentación del personaje Little Idiot en “Why Does My Heart Feel So Bad?”, dicho personaje sería utilizado en producciones posteriores.

El éxito del disco fue tal, que se lanzó Play B-Sides, por separado, así como en su versión doble, que incluía el álbum original, o los lanzamientos sustituyendo “South Side” original, por la colaboración en las voces de Gwen Stefani.

Mucho se puede hablar de Moby y Play, su obra maestra, pero sin duda, en un maravilloso álbum, que nos sorprendió a todos, en el momento más inesperado, que estableció a Moby, como artista electrónico, muy arriesgado en su propuesta, pero que ayudó a posicionarlo como un genio de la escena, un gran álbum para cerrar una gran década musical.

APHEX TWIN - SELECTED AMBIENT WORKS VOL. II

 

A finales de la década de los 80’s y principios de los 90’s, se dio un boom, con la música electrónica, se estaban gestando diferentes vertientes en la escena, que si bien, no era un género nuevo, estaba a punto de vivir un momento de auge.

Dentro de esas vertientes, se encontraba el recién retomado ambient, el cual, muchas personas, la consideraban como música relajante, o simplemente, la que podías poner después de una noche dura de fiesta, y comenzaron a surgir DJs, que establecerían nuevos estándares y a quitar etiquetas, de los primeros en realizarlo, fueron The Orb con su sorprendente álbum debut Adventures Beyond The Ultraworld (1991), con el cual, propusieron nuevas reglas al género utilizando sonidos citadinos, voces femeninas, samples y ritmos.

Asimismo, uno de los DJs, si es que así se le puede denominar, es Richard D. James, británico que, en 1992, lanzó su primer álbum Selected Ambient Works 85-92, con este disco comenzó a llamar la atención en la escena, ya que era una recopilación de canciones que tenía guardadas y que no tenía la seguridad ni intención de publicarlas, puesto que, solo las repartía entre sus conocidos y amigos.

Para 1994, publicó su segundo álbum, Selected Ambient Works, Vol. II, y nuevamente, es una recopilación de canciones producidas y creadas por él, en el que, tomó elementos del trabajo realizado por Brian Eno, a finales de los setenta, pero los llevó varios pasos más allá, y distó mucho del sonido de su primer intento.

En este material, James, da rienda suelta a su imaginación o mejor dicho a sus sueños, ya que, según él, la composición del álbum la realizó plasmando sus sueños lúcidos, por eso ninguna tiene ritmo, cuya marca inconfundible es la austeridad de sonidos.

Cada una de las canciones pareciera ser sacada de la retorcida psique de la mente humana, a lo largo de la duración del álbum doble, que ronda las 2 horas y media, se establece un ambiente oscuro, tenso, el cual evoca a una pseudo paz, a una calma relativa antes de que llegue la catástrofe, tiene momentos tensos, pero relajantes, disfrutables, provoca silencios incómodos.

La música de esta producción nos lleva a viajes internos, profundos, pero al mismo tiempo, la disfrutamos mientras hacemos viajes hacia la naturaleza, tiene esa sensación de soledad, de aislamiento, de cada uno de los sonidos, está pensado y calculado, es fría como seres inertes que no expresan emotividad o sensación alguna, pero al mismo tiempo es cálida pero sumamente abrasiva.

La mayoría de las 24 canciones que conforman el álbum (pueden ser más o menos (23-27), dependiendo de la versión y el formato que se tenga), son composiciones “orgánicas”, largas en su duración, y ninguno de los tracks, posee nombre propio, se pueden distinguir por el número consecutivo, y en el arte del disco, se diferencian por los símbolos que el propio artista les puso a cada una de sus composiciones, excepto “Blue Calx”, que había aparecido anteriormente en una compilación de música ambient de 1992, The Philosophy Of Sound And Machine, sin embargo, los títulos de las canciones eventualmente agregados de manera no oficial por Greg Eden un miembro del IDM y empleado eventual de Warp Records, gracias a él, si uno mete el disco a la PC, automáticamente aparecerán los nombre de los temas.

Todo lo anterior, es lo que nos remite la segunda producción de Richard D. James, mientras utiliza su seudónimo favorito Aphex Twin, nombre que, gracias a esta producción, se convirtió en un artista conocido pero que realmente sabemos pocos datos acerca de él, así como su obra, es enigmático.

Aphex Twin, fue de los pioneros del movimiento de la música electrónica conocido como IDM (Intelligent Dance Music), de entre los que destacan son los mencionados The Orb, Boards Of Canada y Autechre.

La portada del disco es el logo distintivo de Aphex Twin, señalada como una reliquia como si una nave extraterrestre, marcara desde los cielos a una pirámide establecida en el desierto, como si pertenecería a un futuro pasado.

El legado de Aphex Twin y su Selected Ambient Works, Vol. II, es tan grande y profundo que, agrupaciones como Radiohead, lo han señalado como una influencia directa de su música, y esto es palpable en sus producciones Kid A (2000) y Amnesiac (2001).

Cuando el álbum fue lanzado, fue destrozado por la crítica, pero extrañamente fue bien recibido por la audiencia, sin tener ningún sencillo pop para la industria llegó a vender una cuantiosa cantidad de copias en el Reino Unido.

En la actualidad, es de los álbumes más aclamados del artista, y que poco a poco, fue ganando un estatus de culto, siendo influencia para muchos artistas y agrupaciones, se ganó el respeto de la industria, dejando para la posteridad un álbum sumamente intrigante, inquietante, pero a la vez importante para la industria.

LEFTFIELD - LEFTISM

 

El dúo conformado por Neil Barnes y Paul Daley, conocido en el mundo musical como Leftfield, entregaron en 1995, una obra maestra de la música electrónica, Leftism, un disco que fue una piedra angular de los noventa y un indispensable para cualquier escucha del propio género.

Leftism, es pieza y parte fundamental para el electro, que se estaba quedando estancada a mediados de la década con las abundantes propuestas del dance, techno y house, pero el dúo inglés llevó a la música un paso más allá, junto con actos como The Chemical Brothers, Orbital, The Prodigy y Underworld, y discos como, In Dust We Trust (1995), Orbital 2 o The Brown Album (1993), Music For The Jilted Generation (1994) y Dubnobasswithmyheadman (1994), respectivamente, fueron los pioneros de la escena en sacar álbumes completos y no solo singles, como se hacía en aquellos días, además, que aportaron y le dieron una mayor seriedad, empuje y popularidad al género.

El álbum fue un compilado de nuevas canciones y de otras previamente lanzadas en años anteriores, éstas recibieron un nuevo tratamiento, sonando distintas a las originales, tal es el caso de “Song Of Life” y “Open Up”.

Para la última canción citada, fue invitado a colaborar en las voces John Lydon a.k.a. Johnny Rotten (integrante y líder de Sex Pistols y Public Image Limited), la letra fue escrita por él y es uno de los highlights de Leftfield, así también, decidieron incluir vocales de artistas que no tuvieran nada que ver con la escena, cosa que era, algo distinto en aquella década, así que invitaron a talentos del reggae como Danny Red en “Inspection Check One”, Earl Sixteen en “Release The Presure” y Lemn Sissay en “21st Century Poem”, además de Toni Halliday de la banda Curve en “Original”, esta última debido a que, Neil Barnes, era fan del grupo londinense y es una de las mejores canciones jamás realizadas tanto por el grupo como por actos de electrónica.

El disco fue un total éxito en ventas, fue aclamado mundialmente y adoptado por los clubes, lo que lo convirtió en uno de los más populares de las pistas de baile, asimismo, la crítica alabó el trabajo del grupo y lo posicionó como un clásico instantáneo del género, además, logró colocar cinco sencillos, las mencionadas “Song Of Life”, “Open Up”, “Original”, “Release The Pressure” y “Afro-Left”.

Algo a destacar de esta producción, es que los DJs, combinan sonidos del dub, trance, ambient, house, reggae, incluyen sonidos tribales, percusiones nativas de África e instrumentos innovadores en esa época como el birimbao; tracks como “Melt”, nos mete a un ambiente espacial y nos remite a una sus composiciones, “A Final Hit”, incluida un año después en el soundtrack de Trainspotting de Danny Boyle, además de haber colaborado con dicho director en la banda sonora de su primera película Shallow Grave de 1994.

El disco abre lentamente, con un poco de ambient, con la mencionada “Release The Pressure”, y después de unos momentos, comienza el frenesí, a partir de este punto, nunca bajan la intensidad; podemos encontrar grandes canciones como “Storm 3000”, con influencias de beats estilo jungle, o “Song Of Life”, que es una maravilla, también comienza lento, pero la canción va creciendo de a poco, evoluciona, se desarrolla, nos mete en un trance del que no podemos despertar, hasta que explota en un progressive house, este track, es la joya de la corona.

Todos los temas incluidos son de alta calidad, son inmensos, te ponen a bailar, e incluso con la que se encarga de cerrar el viaje “21st Century Poem”, es una composición que navega en el chill out, pero nunca pierde intensidad, e incluye un track oculto al finalizar el tema.

Leftism, es transgresor, único en su especie, es un álbum definitorio, contundente, sólido, clásico y referente de la música electrónica, un infaltable para los amantes de la música, es un álbum lleno de energía y baile, que hoy, a más de 25 años de su existencia sigue vigente y atemporal y es uno de los mejores discos de todos los tiempos.

TRICKY - MAXINQUAYE

 

Maxinquaye, es una de las obras mejor logradas en la historia de la música, uno de los discos perfectos y redondos que han existido, un álbum influyente para diversos artistas y un obvio referente de la década de los noventa.

El título del disco es, en homenaje a la madre de Adrian Thaws, conocido como Tricky, cuyo nombre estaba compuesto Maxine Quaye, y que se suicidó cuando él tenía cuatro años.

El primer álbum de Tricky, productor, artista, rapero, compositor originario de Bristol, Inglaterra, cuna del colectivo artístico, The Wild Bunch del cual formó parte, y del movimiento denominado Trip Hop, y de grupos como Massive Attack, Portishead y el DJ Roni Size, es una mezcla de distintos géneros, como el ambient, soul, dub, reggae, electrónica, rock, hip-hop y funk, en el que los sonidos misteriosos, profundos, salvajes y perturbadores se conjuntan de manera precisa, aunado a los sampleos exactos y realizados de manera casi quirúrgica, crean un estilo único lleno de claroscuros, en el que las voces angelicales y dulces femeninas hacen contraste con las vocales oscuras de Tricky, dicho sea de paso, la presencia femenil tiene un gran peso en esta producción.

Tricky colaboró en el gran álbum debut de Massive Attack (Blue Lines), aportando letras y voces, en aquel tiempo realizó por su cuenta la canción “Aftermath” que incluye como cantante a Martina Topley-Bird, e intentó que se tomara en cuenta para el álbum, pero este tema fue descartado por la agrupación para la conformación del disco, situación que provocó que Tricky buscara una disquera que ayudara con su lanzamiento y carrera solista, lo cual, logró y metió la canción como parte de su primera producción, en la que se notan, los elementos que distinguirían lo musicalmente producido por el artista.

“Overcome”, es un gran track, el que da inicio a este viaje, es oscura y claustrofóbica, la presentación idónea para el artista y la introducción perfecta al clima de este trabajo, esta canción es una regrabación y su propia versión de la canción de Massive Attack “Karmacoma” del álbum de 1994, Protection, en el que, Tricky aportó voces; “Black Steel”, es un cover a una canción de Public Enemy “Black Steel In The Hour Of Chaos”, del álbum de 1988, It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back, es una canción en el que se sustituye el downtempo original por guitarras y batería poderosas, en el que Martina es la protagonista, haciendo uno de los temas más sobresalientes en la carrera del británico y desmarcándose por completo de la original.

“Hell Is Around The Corner”, es una canción lenta, la voz profunda, misteriosa y tenebrosa de Tricky, contradice a la sutil y suave voz de Martina, aquí samplea, “Ike’s Rap II” de Isaac Hayes, que un año antes fue utilizada por el grupo Portishead en su sencillo “Sour Times” de su álbum debut Dummy.

Entre todos estos sampleos y ambientes generados por el artista, también incluye uno raro, tipo homenaje a The Smashing Pumpkins, aunque a palabras de Tricky, es una banda que no le gusta, pero aun así decidió samplear su canción “Suffer” del álbum Gish de 1991, en el track “Pumpkin”, además, cuenta con la colaboración de la cantante Alison Goldfrapp, quien le pone toda su sensualidad, en el dialogo a dueto con Tricky, ejecutado en la composición.

El funk y soul están en “Abbaon Fat Track”, grandes canciones como “Brand New You’re Retro”, sampleando a Public Enemy y Michael Jackson, y “Suffocated Love”, que se puede decir de “Strugglin’” con los sonidos de un arma cargándose y ese ruido, hipnótico pero perturbador, mientras las voces se escuchan profundas y desesperadas, sino es que asfixiantes, todo esto, es ejemplo, de lo que compone a este discazo, y muestran la habilidad para crear ambientes y el conocimiento musical del cantante.

El disco fue un gran éxito, produjo cinco sencillos a lo largo de su promoción, las mencionadas, “Aftermath”, “Ponderosa”, “Overcome”, “Black Steel” y “Pumpkin”, además, atrajo las miradas de los críticos, y alabaron la elaboración de cada uno de los tracks, también fue seleccionado para competir por el Mercury Prize de 1995, entre los contendientes estaban grandes discos como el álbum debut homónimo de Elastica, Leftism de Leftfield, Definitely Maybe de Oasis, To Bring You My Love de PJ Harvey, I Should Coco de Supergrass y Dummy de Portishead, sucumbiendo con este último.

Contó en la producción con Howie B, conocido por sus trabajos en Post (1995) y Homogenic (1997) de Björk, Walking Wounded (1996) de Everything But The Girl, Pop (1997) de U2, entre otros, y de Mark Saunders, quien trabajó como ingeniero con David Bowie, y en los álbumes Mixed Up (1990) y Wish (1992) de The Cure.

Maxinquaye, es un álbum único en su género, adelantado a su época, innovador, creativo, poderoso, parte de ese trío que, especialistas musicales señalan como pilares del trip-hop, los antes señalados, Dummy (1994) de Portishead y Blue Lines (1991) de Massive Attack. Es un disco indispensable en la colección y un imperdible para entender la evolución de la música contemporánea.