DJ SHADOW - ENDTRODUCING

 

Desde que el sampleo es utilizado en la creación de composiciones musicales, ha sido un tema de discusión sinfín, puesto que, hay personas que piensan, que realizar canciones con partes de temas de otros artistas para la creación de nuevas composiciones es un robo descarado, pero para otras es simplemente arte.

DJ Shadow, con su primer álbum, expone al máximo esta premisa, Endtroducing, es una obra de arte, toma decenas de referencias de todos lados, desde diálogos, riffs, atmósferas, sonidos de películas, vocales, con una precisión quirúrgica que ni notamos de donde fueron sacados cada uno de los elementos que componen las canciones incluidas en el material.

Endtroducing fue lanzado al mercado en 1996, y tomó al mundo por sorpresa, que, si bien no fue el primer disco en utilizar la técnica del turntablism, si el primero en hacerlo en su totalidad.

Dj Shadow, para la manufactura artesanal de este producto, siguió las enseñanzas de pioneros en el manejo de las tornamesas y en los cortes y ediciones de canciones como GrandMaster Flash o Afrika Bambaataa, incluso uno de los discos reconocidos en el manejo de estas técnicas es el Paul’s Boutique (1989) de Beastie Boys y que a la postre fue replicado por The Avalanches en su álbum debut del 2000, Since I Left You.

El material es adictivo de inicio a fin, Dj Shadow, creó un álbum de suma importancia para la música contemporánea que, incluso él mismo se ha alejado de lo establecido en su primer intento, aunque es cierto que no ha alcanzado en sus posteriores discos, el nivel de importancia que generó con Endtroducing.

Son muchos los samples utilizados en sus canciones algunos imperceptibles, Josh Davis, nombre real de DJ Shadow, es un melómano coleccionista de vinilos cuya influencia del hip hop, se hace notar en la placa, pero no teme en explorar todos los géneros y atmósferas posibles, sino que le da forma a cada uno de los cortes, es un collage de ideas bien utilizadas creando un disco que, si bien es inclasificable, en su momento se catalogó dentro del trip hop.

La precisión para amalgamar cada uno de los elementos es extraordinaria, se cuenta que se tardó alrededor de dos años para concebirlo, y que empleó solamente un sampler, una tornamesa y una grabadora aunado a la utilización de los vinilos le da un toque de nostalgia y la da importancia al efecto Scratchy LP.

Dentro de los samples utilizados podemos encontrar los siguientes:

“Best Foot Forward”, sample de “Party’s Gettin’ Rough” de Beastie Boys; "The Number Song" samples de "Orion" de Metallica; "Changeling" / "Transmission 1" contiene dialogo de la película “Prince Of Darkness” (1987) de John Carpenter; "Stem/Long Stem" / "Transmission 2" samples de Giorgio Moroder y dialogo de la película “Prince Of Darkness” (1987) de John Carpenter; "Mutual Slump" sample de "Possibly Maybe" de Björk; "What Does Your Soul Look Like (Part 1 – Blue Sky Revisit)" / "Transmission 3" utiliza elementos nuevamente de “Prince of Darkness” y de “Twin Peaks” (1990), solo por mencionar algunos.

Los singles que acompañaron el lanzamiento del álbum fueron “Midnight In A Perfect World", todo un referente del género, "Stem/Long Stem" / "Transmission 2", "What Does Your Soul Look Like (Part 1)" y "The Number Song".

La portada del álbum fue tomada de la tienda de discos Rare Records ubicada en Sacramento, California, Estados Unidos, a la cual frecuentaba Josh Davis, y que la simple imagen retrata con claridad lo contenido en el material.

Endtroducing, de inmediato se convirtió en clásico y referente de la década un álbum imposible de superar e influencia de toda una generación.

PUBLIC ENEMY - FEAR OF A BLACK PLANET

 

Fear Of A Black Planet, es un álbum importante dentro de la historia musical, es uno de los pilares de la época dorada del hip hop, a partir de este disco se dejó de tratar al hip hop como un género menor, muchos voltearon a verlo, y a formarlo parte de su expresión, debido a su fuerte carga reaccionaria muchos artistas lo tomaron como inspiración, después de este material el género nunca volvió a ser lo mismo.

El disco fue lanzado a principios de 1990, y para abrir una década, fue un material importante sus letras están plagadas de protesta social, política, racismo y denuncia fueron prácticamente escritas por el líder Chuck D, y producido por The Bomb Squad, si bien esto lo venían ejerciendo en sus primeros dos álbumes, Yo! Bum Rush The Show (1987) y It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back (1988), aquí restriega todo eso en la cara, las letras son mucho más serias y afiladas, tratando de sacudir a la audiencia, mostrando y reclamando lo que las personas negras vivían en los Estados Unidos en aquellos días.

El empoderamiento de la comunidad negra en el país del norte, se consolida en canciones como “Welcome To The Terrordrome”, “Anti-Nigger Machine” que critican abiertamente a la policía y su abuso de poder o “911 Is A Joke”, que trata específicamente de la poca respuesta ante una emergencia cuando se acude a un vecindario con habitantes de raza negra, sin embargo, canciones como “Power To The People” y "Brothers Gonna Work It Out", impulsan la unión en la comunidad negra.

La producción por parte del equipo de The Bomb Squad es una maravilla, continuaron con las enseñanzas de The Dust Brothers en Paul’s Boutique (1989) de Beastie Boys, pero en vez de hacer un collage de sampleos, tomaron cada una de sus influencias e hicieron cortes y los armaron de acuerdo a las necesidades de la canción y su letra, es decir, cada sonido, risa, ritmo y género que se ocupó para la creación de los temas está pensado, adecuado y dirigido, situación que los puso delante de sus contemporáneos y en su momento fue algo innovador.

Public Enemy se arriesgó y mezclaron géneros tan diversos para la base de sus composiciones, entre ellos, el dub, reggae, rock y sobretodo el funk.

Dentro de los sampleos, se encuentran sonidos, vocales, elementos y partes de canciones de The Temptations, Kool And The Gang, Run-DMC, Prince, George Clinton, Michael Jackson, Diana Ross, Salt-N-Pepa, Sly And The Family Stone, N.W.A., Isaac Hayes, Chic, The Beatles, sobretodo de James Brown, incluso Public Enemy samplea sus propias canciones, y agregan diálogos de películas como Scarface (1983) de Brian de Palma, y un sinfín de agrupaciones y artistas, que en su momento, al no existir alguna ley sobre derechos de autor o que no estaba bien definido no tenían problema, pero en reediciones recientes, han tenido que pagar más por regalías que lo que han obtenido de ganancias, debido a que hoy en día, los derechos de autor se encuentran mejor reglamentados y protegidos por las leyes.

El álbum fue todo su suceso en ventas y bien recibido por la crítica, se lanzaron cinco singles para la promoción del álbum, dos fueron previamente introducidos al mercado, “Fight The Power”, fue un encargo de Spike Lee para el soundtrack de su película emblema, Do The Right Thing de 1989, la trama se centra en los problemas de varios personajes que viven en un vecindario negro, la canción y la película catapultó a todos los involucrados fueron un éxito total, “Welcome To The Terrordome”, apareció como sencillo, unos meses antes de la salida del disco, y los otros tres singles, fueron "Brothers Gonna Work It Out", "Can't Do Nuttin' For Ya Man" y el más exitoso, "911 Is A Joke", en cuyo video aparece un todavía desconocido Samuel L. Jackson.

Public Enemy con este álbum, busca una confrontación directa, una reacción del oyente con letras incendiarias, con un flow de parodia de Flavor Flav, aunado a la imagen militar del grupo y una actitud agresiva de Chuck D.

Fear Of A Black Planet, es un clásico imperecedero que, a más de 30 años de su lanzamiento, aun suena contundente, fuerte y controversial, es una obra que no ha perdido su intensidad y vigencia.

PORTISHEAD - DUMMY

 

El nombre de la banda fue tomado de un poblado cercano de Bristol, Inglaterra, de donde es originario Geoff Barrow, músico, arreglista y cerebro de la banda, Barrow en sus primeros acercamientos profesionales con la industria musical fue en el Coach House Studios, incluso asistió en el debut de Massive Attack, Blue Lines (1991).

En el año de la publicación de Dummy, en Inglaterra, se encontraba en un gran auge, el sonido trip-hop, nombre que críticos especializados le pusieron a ese movimiento, representados por Massive Attack, Tricky o Roni Size, y por supuesto Portishead, en el cual los sonidos oscuros, los ambientes densos, le deben mucho de su estilo al hip hop, con destellos de soul, blues, pop y técnicas de turntablism, sampleos y scratcheos.

Sin embargo, Portishead, definió su estilo, ellos abrazaron todos esos géneros y le agregaron, elementos de electrónica, jazz, bandas sonoras de filmes noir, aunados de ambientes opresivos, tristeza, melancolía, elegancia, y la voz de Beth Gibbons, que por momentos suena tétrica, vulnerable, triste, en conjunto con los rasguidos precisos y los arreglos orgánicos de Adrian Utley, así como la utilización del theremin, trompetas y orquestaciones, sin olvidar el elemento del efecto Scratchy LP, impregnado en todo el álbum, terminaron por definir el sonido Portishead.

El álbum contiene samples de Johnny Ray de “I’ll Never Fall In Love Again” en “Biscuit”, “Magic Mountain” de War en “Wandering Star”, y las muy reconocidas, “The Danube Incident” de Lalo Schifrin en “Sour Times”, así como, "Ike's Rap II" de Isaac Hayes en "Glory Box", éste último sample también fue utilizado por Tricky en “Hell Is Around The Corner” en su álbum debut, Maxinquaye de 1995.

La portada del álbum, así como los interiores del disco, fueron tomados del cortometraje creado por la banda, llamado “To Kill A Dead Man”, totalmente influenciados en su creación por filmes de espionaje y noir, fragmentos de este trabajo, fueron utilizados para realizar el video promocional de “Sour Times”, segundo single del material discográfico.

Los otros dos sencillos del álbum, fueron “Numb” y “Glory Box”, que tal vez sea la canción más famosa de la banda, este su video fue dirigido por Alexander Hemming, clásico instantáneo de la banda.

El disco contiene magníficas canciones como “Mysterons”, la cual, puede ser el mejor ejemplo de lo que nos espera a lo largo del álbum, y que muestra las características de la banda, “Strangers”, que se inclina más hacia el lado electrónico, contiene giros vocales interesantes, es una de las composiciones más sofisticadas del material, “It Could Be Sweet”, es de los temas más accesibles del álbum, juega con el trip hop, pop, soul y minimalismo, “Wandering Star”, es oscura, la voz con pesadumbre de Gibbons, y los scratcheos, la convierten en una favorita de la placa, “It’s A Fire”, en la cual, la presencia del órgano Rhodes es inigualable y la combinación de la voz frágil de Beth, nos llena de emotividad y oscuridad, por cierto, este track no se incluye en la versión del LP, no así en CD, llegamos al track número 8, “Roads”, es una de las favoritas de los fans de la banda, hay que mencionar que nunca fue sencillo, pero es de las más queridas, y esto se debe a la letra, un tanto triste pero hermosa, los arreglos en los sintetizadores, la guitarra puntual, los arreglos orquestales que van subiendo de intensidad, es la canción más emocional y devastadora, “Pedestal”, coquetea con el jazz y esos arreglos de ecos y arreglos de trompeta, comienzan a mostrar el final de la obra, “Biscuit”, con el sample de Johnny Ray con la voz deformada a lo largo de la canción, es un tema seco, la voz desesperanzada, genera un ambiente oscuro pero hipnótico, con esa base rítmica y los arreglos de guitarra.

El disco fue nominado al Mercury Prize de 1995, junto a álbumes tan importantes como Elastica y su álbum homónimo, Lefttism de Leftfield, Definitely Maybe de Oasis, To Bring You My Love de PJ Harvey, I Should Coco de Supergrass, y Maxinquaye de Tricky, entre otros, resultando el indiscutible ganador.

Dummy es un puñado de once canciones perfectas, todas tienen cierto encanto que nos hipnotiza y ralentiza poco a poco, nos sumerge en un estado de profunda belleza, es cierto, que la lectura y comprensión del disco, tarda en llegar, se necesitan varias escuchas para lograrlo, pero una vez, que se obtiene no se puede evitar que sea un favorito de la vida.

El álbum debut de Portishead, Dummy (1994), es una obra maestra, no solo del género ni de la década de los noventa, sino de la música moderna.

PAVEMENT - CROOKED RAIN, CROOKED RAIN

 

El segundo material discográfico de Pavement, Crooked Rain, Crooked Rain, lanzado al mercado en 1994, justo cuando el grunge (género dominante en la primera mitad de la década de los noventa), daba sus últimos destellos de grandeza con álbumes como Superunknown de Soundgarden y Purple de Stone Temple Pilots, y cuando el género denominado alternativo, comenzaba a ceder su lugar a otros en las listas de popularidad.

Durante la década de los noventa se etiquetaron a muchas bandas y géneros como alternativos, aquello fue simplemente por la mezcla de sonidos y ritmos que convivían entre sí, grupos como Weezer, Green Day, Pearl Jam, Jane’s Addiction, entre muchísimos otros, se encontraban en ese lugar, porque eran difíciles de catalogar, así pasó con Pavement, y que a pesar, de tener esa etiqueta, se encontraban lejos de ahí, dicho sea de paso nunca gozaron de gran popularidad como los antes mencionados, sino que se quedaron, ahí como una banda de culto, cuya distinción al paso de los años, hizo más grande su legado.

Pavement, en su música tiene notorias influencias de Lou Reed y su The Velvet Underground, Sonic Youth, Pixies, Dinosaur Jr., y en donde las guitarras distorsionadas siguen siendo las protagonistas, las canciones son melódicas, pero con estructuras no lineales y con la característica del lo-fi, que los hizo distinguirse del resto de las bandas de la época, sumando la voz de Stephen Malkmus, que tiene una fuerza intensa y gritona como pocos.

Este álbum fue el más comercial de su corta trayectoria, y todo debido a su hit, cuyo video en su momento tuvo buena recepción por parte del público y la crítica, así como su video tuvo alta rotación en MTV, “Cut Your Hair”,también hubo otros dos singles “Gold Soundz”, considerada como una de las mejores canciones en la historia de la agrupación y “Range Life”, que solo fue lanzada en el Reino Unido, ésta última canción fue controvertida porque en sus letras se mofaban directamente de agrupaciones como The Smashing Pumpkins y Stone Temple Pilots.

Contiene grandes canciones como la abridora “Silence Kit”, hay que señalar que por un error de imprenta se le quedó el nombre de Kit y no Kid, “Stop Breathing”, que encierra todo el concepto de la banda en una sola canción y demuestra el por qué no pudo ser más popular, y la genial “Filmore Jive”, casi siete minutos de majestuosidad, un cierre brillante y único.

El álbum ha sido considerado como uno de los 500 mejores discos de todos los tiempos por la revista Rolling Stone, y considerado como uno de los mejores 100 discos de los 90 por Pitchfork, el legado de Pavement y su Crooked Rain, Crooked Rain, ha sido enorme, y ha sido influencia para las nuevas generaciones.

La banda pocos años después de la entrega de este disco, se desintegró en el año 2000, y nunca alcanzaron la grandeza mostrada en su segundo álbum, muchos años después se han reunido en un par de ocasiones, sin sacar material nuevo.

Sin embargo, Pavement, tiene su lugar asegurado en la historia de la música como una de las grandes bandas de los noventa y con Crooked Rain, Crooked Rain, un álbum sólido, que los ayudó a consolidarse, un álbum imperdible para cualquier melómano y que debería tener mayor reconocimiento.

PULP FICTION - ORIGINAL SOUNDTRACK

 

Muchas cosas se han dicho a lo largo de tres décadas acerca de Pulp Fiction, segundo largometraje de Quentin Tarantino, el cual, lo lanzó al estrellato tanto a él como a sus protagonistas, Uma Thurman, John Travolta (un exitoso e inesperado regreso a las grandes ligas de Hollywood), Samuel L. Jackson, en fin, a cada uno de sus participantes.

Uno de los grandes puntos a favor de este clásico cinematográfico, es su banda sonora, dicho sea de paso, la película no sería lo mismo sin esa exquisita selección de canciones que Tarantino nos ofreció.

Se sabe que una de las grandes obsesiones de Quentin, es el cine, sin embargo, es sobrepasada por su gusto por la música, se dice, que cuenta con una colección enorme de vinilos y que antes de escribir los guiones para las películas escucha esa colección y da rienda suelta a su imaginación.

El director norteamericano con esta película nos dio un clásico instantáneo, fuente de inspiración para infinidad de personas y artistas, y también tatuó en nuestras memorias, escenas inolvidables acompañadas de su fino gusto musical.

Para ejemplo como olvidar la escena en donde Mia Wallace, pone en la sala de su casa, la canción “Girl, Youl Be A Woman Soon”, interpretada por Urge Overkill, cover de Neil Diamond y de ahí se desprende una secuencia importante para el filme.

O la que se encarga de abrir el disco, y que es encargada de los créditos iniciales, la fantástica, “Misirlou” de Dick Dale And The Del-Tones, así como “Comanche” de The Revels, una canción trepidante, y que, con el sonido único del saxofón, que suena estruendosamente, mientras Butch trata de escapar del grupo de sadomasoquistas.

Una de las escenas más memorables de la cinematografía mundial es el baile que se lleva a cabo, entre Mia Wallace y Vincent Vega, al ritmo de twist con “You Can Never Tell” de Chuck Berry.

Tarantino, no solo escogió cada una de las canciones para su película, sino que lo hizo con temas que, en su momento, no fueron tan conocidas o populares, con una fina selección de piezas musicales, que parecieran lados B.

El director estadounidense con un simple soundtrack, revivió y puso un género de moda, el surf, para ejemplos está la mencionada “Misirlou” de Dick Dale, que hasta en la primera década de los dos miles, Black Eyes Peas la sampleo y la utilizó para su canción “Pump It”, o “Surf Rider” de The Lively Ones, o “Bustin’ Surfboards” de The Tornados, lo impresionante es que ni siquiera hay playas, arena, mar o surfistas dentro del filme, además de este género, se incluyen el soul, funky y en general música de la década de los años sesenta y setenta.

En la banda sonora, aparte de incluir algunas de las canciones presentadas en pantalla, se agregan diálogos o conversaciones del filme, como el que llevan en el restaurante Honey Bunny y Pumpkin, o la discusión del “Royal With Cheese” entre Jules Winnfield y Vincent Vega, o el famoso “Ezequiel 25:17”, interpretado por Samuel L. Jackson y su personaje Jules.

El soundtrack fue un éxito de ventas, marcó un antes y un después en cuanto a bandas sonoras se refiere, para 1994, salió el CD con 16 canciones, pero debido al éxito, en 2002, se lanzó al mercado, una edición para coleccionistas donde se agregan cuatro temas incluidos en el filme pero que en la primera edición del álbum no aparecieron.

Los nombres de los artistas seleccionados, son importantes dentro de la escena musical de los 60’s y 70’s, como Al Green, Kool And The Gang, Dusty Springfield y el antes mencionado Chuck Berry.

El soundtrack de Pulp Fiction, es una de las mejores piezas recopilatorias que han existido, pareja perfecta del filme, y que después de tres décadas suena tan fresca como pocas obras lo han hecho, un clásico indiscutible de la década de los noventa.

JEFF BUCKLEY - GRACE

 

El álbum debut de Jeff Buckley es una obra suspendida en el tiempo, un conjunto de piezas musicales, que en el momento de su publicación recibió críticas mixtas, pero conforme ha pasado el tiempo, ha ganado muchos adeptos, es considerado como una obra maestra.

Debido al trágico deceso de su creador, este es su primer y único disco de estudio grabado en vida, existen lados B, recopilaciones, outtakes, grabaciones en vivo, pero Grace, es el documento musical de un artista en toda la extensión de la palabra.

Hijo del cantante folk, Tim Buckley, fallecido a sus 28 años, debido a una sobredosis de heroína y aunado a la combinación de alcohol, lamentablemente, Jeff falleció ahogado en el rio Wolf en Memphis, Tennessee, de manera misteriosa no se sabe si fue por accidente o un suicidio.

Jeff Buckley poseía un gran talento tanto vocal como instrumentista, lucía siempre con su inseparable guitarra eléctrica, en Grace también tocaría instrumentos como el armonio, el órgano y el dulcimer.

Su talento sería admirado por artistas de gran envergadura como Paul McCartney, Bob Dylan, Jimmy Page, Robert Plant, David Bowie, Morrissey o Chris Cornell, y serían notorias sus gustos e influencias de The Beatles, Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Pink Floyd, Queen, The Who, Genesis, Rush, Robert Johnson e incluso Edith Piaf, Bad Brains, Van Morrison, Leonard Cohen y Nina Simone.

Las grabaciones del álbum se llevaron a cabo con Andy Wallace, quien, en su lista de colaboraciones, ya sea de productor o ingeniería, se encuentran, The Cult (Electric, 1987), Nirvana (Nevermind, 1991), Sonic Youth (Dirty, 1992), Rage Against The Machine (Rage Against The Machine, 1992), y muchos otros.

Gary Lucas, amigo y guitarrista de Buckley fue invitado para participar en los dos primeros tracks, “Mojo Pin” y “Grace”, también incluye covers a canciones de Leonard Cohen y su magnífica interpretación de “Hallelujah”, “Lilac Wine”, escrita por James Shelton y covereada infinidad de veces, pero Buckley se basa en la versión de Nina Simone, y el tercero es de un villancico tradicional llamado “Corpus Christi Carol”, basado en la versión de Janet Baker.

Grace, es un álbum perfecto cada una de las canciones tiene vida propia, la voz de Jeff, es incomparable, con cada una de las notas que brinda, nos entrega su alma, la banda que lo acompaña, realiza su trabajo de manera brillante, ejemplos claros, son “So Real” y la dolorosa “Lover, You Should've Come Over".

La letra en cada uno de los temas, es poética, era un excelente escritor, son oscuras, nos presenta diversos sentimientos como la tristeza, los anhelos, deseos y sueños de los protagonistas de sus canciones, el amor verdadero por otro ser, habla sobre rupturas sentimentales, la nostalgia, o la autodestrucción.

Se desprendieron cuatro singles de Grace, el primero el que le da título al álbum, posteriormente vendría “Last Goodbye”, que fue el sencillo más reconocido, popular y exitoso del cantante, “So Real” y “Eternal Life”, complementaron los lanzamientos, sin embargo, en el momento de su publicación tuvieron una recepción tibia, y sus ventas no fueron las mejores.

El legado de Jeff Buckley y Grace, es innegable, su música ha permeado en bandas como Radiohead o Muse, y es considerado por especialistas musicales como uno de los mejores 100 discos de todos los tiempos.

Grace, es un álbum atemporal, y casi tres décadas después de su publicación sigue siendo muy importante y vigente, es un disco redondo, lleno de talento, es el único legado de Jeff Buckley, y que goza de un culto como pocos en la historia y que seguirá sonando tan hermoso, elegante y sentimental hasta el final de los días.

PORNO FOR PYROS - PORNO FOR PYROS

En 1991, la banda de culto Jane’s Addiction se desintegró debido al problema de consumo de drogas por parte de dos de sus miembros, Dave Navarro (guitarra) y Eric Avery (bajo), el resto de los integrantes, Perry Farrell (vocales) y Stephen Perkins (batería) decidieron continuar con su creación musical, formando una nueva banda, reclutando a Peter DiStefano (guitarra) y Martyn LeNoble (bajo), quien sería el futuro bajista en la reunión de Jane’s Addiction, al cual, bautizaron con el nombre de Porno For Pyros, nombre derivado porque Farrell vio una publicidad de pirotecnia en una revista pornográfica.

Porno For Pyros, lanzó su primer álbum de nombre homónimo en 1993, bajo el mismo sello discográfico de Jane’s… Warner Bros Records, y con la producción de Perry Farrell y Matt Hide, las comparaciones entre Porno For Pyros y Jane’s Addiction no se hicieron esperar y no solo debido a que la mitad de los miembros formaban parte de las dos agrupaciones, sino que algunas canciones fueron escritas en el período de Jane’s Addiction como “Blood Rag” y “Bad Shit”, pero terminadas para este álbum.

Aunque, si se pueden diferenciar los sonidos de ambas bandas, hay que reconocer que existen ciertos destellos del grupo antecesor en Porno For Pyros, pero en esta ocasión las letras de Farrell son maduras y el sexo nuevamente se hace presente, pero algunas de las diferencias más notorias, las canciones son más cortas y directas, tienen un sonido funky gracias al gran bajeo de LeNoble, su estructura es menos convencional, los temas son más apegados a la psicodelia, y convive una mejor instrumentalización, la voz de Farrell está mejor trabajada.

Algunas de las letras, tocan el tema de los disturbios de Los Angeles, como se retrata en “Porno For Pyros”, la violencia en “Packin’ .25” y la tensión racial en “Black Girlfriend”.

Las canciones elegidas como primer single fueron “Cursed Female/Curse Male”, se presentaron así, sin embargo en el disco vienen separadas, el video es controversial debido a que, refleja la homosexualidad y la prostitución masculina a través de un joven, que de día aparenta una imagen pero por la noche busca relaciones ocasionales en las calles o callejones de Hollywood, California, el segundo sencillo fue “Pets”, la letra menciona una analogía entre la extinción de los dinosaurios y la de los seres humanos, y como los extraterrestres nos trataría como mascotas, es la canción más famosa y representativa de la agrupación, por la cual, equivocadamente se le ha llegado a considerar como One Wonder Hit, es diferente al resto de las que conforman al álbum, el video estuvo dirigido por Jonathan Dayton y Valerie Faris (The Smashing Pumpkins, Red Hot Chili Peppers, R.E.M., Oasis), y que tuvo alta rotación en MTV, el tercer single fue “Meija”, que pasó desapercibido y por último, “Sadness”, la que se encarga de abrir al material discográfico, es un tema rápido y trepidante, el cierre del disco llega con “Orgasm”, una pieza sublime que le da una gran conclusión al primer esfuerzo de la banda.

Porno For Pyros, es un buen disco, que se alejó de todo lo hecho anteriormente por Farrell y Perkins, y es un referente de la década de los noventa, un álbum de corta duración, pero efectivo, es un gran ejemplo del rock alternativo que se hacía en aquellos días.

FIONA APPLE - TIDAL

 

En la década de los noventa hubo varios movimientos musicales importantes para la industria, dentro esos, se encontraba la representación femenina ya sea como líderes o vocalistas de bandas, por mencionar algunas del viejo continente como The Cranberries o The Cardigans, en la Unión Americana grupos que representaban al grunge como Hole o en sus vertientes como Veruca Salt, Garbage, o que se enfocaban al pop y ska como No Doubt, pero dentro de todo esto, surgió una camada de artistas femeninas cantautoras y compositoras, con relativo éxito como Sarah Mclachlan, Meredith Brooks, Jewel, o bien, con un reconocimiento masivo como Alanis Morissette, Tori Amos y Sheryl Crow o de culto como, Björk y PJ Harvey, muchas de ellas con un estilo propio bien definido, entre todo esto, apareció una joven de 19 años, nacida en Nueva York, Estados Unidos, con una propuesta madura para su edad, y con un talento enorme, que la hizo merecer un lugar en el medio musical de aquellos años.

Fiona Apple, proviene de una familia artística dedicada al teatro y a la música, y cuya influencia se hace presente en los temas de su álbum debut de 1996, Tidal, que a la fecha es el disco más exitoso dentro de su extensa y prolífica carrera, y a lo largo de 27 años de carrera artística, solamente ha lanzado 5 álbumes, tomando un largo período de descanso entre cada uno, debido a diversos problemas personales.

Tidal, conjunta y muestra el inicio de la carrera de una artista en la extensión de la palabra, simplemente, para la composición de este disco, fueron utilizados para darle forma, diferentes instrumentos como piano, guitarra, bajo, optigan, vibráfono, arpa, violines, viola, chelo, y percusiones, eso nos da idea de los matices sonoros entregados en esta placa.

Sus canciones hablan de la angustia juvenil, narran su terrible experiencia de un abuso sexual, temas como la sexualidad femenina, entre otros, acompañados de bellas melodías, orquestadas con un toque de dramatismo y teatralidad, formaron este álbum debut.

Uno de los músicos que destaca y que la acompañó en la grabación del álbum fue Matt Chamberlain, quien fue baterista de Edie Brickell & The New Bohemians, y de Pearl Jam, ha trabajado con Tori Amos, A Perfect Circle, Chris Cornell, y un largo etcétera, y el productor fue Andrew Slater, quien colaboraría posteriormente con The Vines o Macy Gray.

El álbum contiene piezas sublimes como “Never Is Promise”, una composición conmovedora y hermosa, “Slow Like Honey”, que coquetea con el blues y el jazz, con un dejo de sensualidad, “Sleep To Dream”, dedicado a una expareja sentimental, es una canción estremecedora con una fuerza increíble, “Shadowboxer”, de sus canciones más emblemáticas, en el que se expone con una intensidad impresionante, expresando sin más lo que ella quiere y siente, también, se incluye el tema más reconocido por el público y el más exitoso, “Criminal”, fue el sencillo que impulsó las ventas del disco y la carrera de la norteamericana.

El recibimiento que obtuvo el álbum, fue muy bueno, de ahí que se desprendieran 6 singles para promocionarlo, cuyos temas fueron “Shadowboxer”, “Slow Like Honey”, “Sleep To Dream”, el video de este tema fue dirigido por el reconocido director francés Stéphane Sednaoui (Red Hot Chili Peppers, U2, Madonna, The Black Crowes, Björk, Massive Attack, Garbage, Tricky, Alanis Morissette, Beck, Depeche Mode, Jamiroquai, Bush, etc.), “The First Taste”, “Criminal”, video dirigido por Mark Romanek (Beck, Nine Inch Nails, Lenny Kravitz, R.E.M., Sonic Youth, Weezer, No Doubt), controvertido por la imagen de Fiona en ropa interior, debido a la corta edad que tenía la cantante en aquellos días, pero aun así fue premiado y catalogado como una de las mejores entregas del director, y como último sencillo, “Never Is A Promise”.

Tidal, es un gran álbum, de una magnífica artista, fue la primera probada de una carrera gloriosa, que supo colocarse y mantenerse en la industria, y en el gusto de sus seguidores, un disco disfrutable de inicio a fin, y que, con cada escucha, uno se enamora más y más de la música compuesta por Apple.

SPAWN: THE ALBUM

 

En 1997, salió en los cines la película Spawn, basada en un comic creado por Todd McFarlane, dicho filme fue vapuleado por la crítica, ninguneado por los fans y en lo general, se puede decir, que es una película muy mala, con un guion pésimo, los personajes son caricaturescos, las actuaciones son deficientes, los efectos especiales son horribles y a más de un cuarto de siglo de su salida, no ha envejecido nada bien, hoy en día, se ve peor de cuando salió, sin embargo, no todo es malo en cuanto a su aportación cinematográfica, dejo cosas buenas a su paso, como el soundtrack que la acompañó.

Spawn, fue de las primeras películas realizadas basadas en un comic cuando aún ese subgénero fílmico estaba en pañales y no gozaba ni con la credibilidad ni con la audiencia que actualmente goza, fue un proyecto arriesgado aún más por el personaje, protagonizado por un tipo afroamericano, lo cual, en aquellos días, se pueden contar pocos, dentro del subgénero, en películas como The Meteor Man (1993), Steel (1997) y Blade (1998), este último gozó de mayor aceptación, todos ellos son la base para llevar a la pantalla grande, el comic de Black Panther (2018).

La creación de Todd McFarlane Entertainment, encargada de la producción de la película a través de su creador, McFarlane, quien ya era conocido en el mundo de los cómics, por su trabajo en The Amazing Spider-Man, y por supuesto por su obra, Spawn, entre su trabajo más conocido fue la elaboración y grabación de videos musicales como “Do The Evolution” de Pearl Jam para su disco Yield de 1998 y “Freak On A Leash” de Korn para el álbum Follow The Leader del mismo año.

El soundtrack de la película se puede decir que es lo más rescatable de ese proyecto, aunque, aun suele dividir opiniones entre los fans, debido a la mezcla de rock y electrónica, el álbum estuvo producido por Happy Walters, quien previamente experimentó con la combinación de géneros (alternativo y hip hop) para el soundtrack de Judgement Night (1993) y posteriormente para Blade II (2002) que andaba entre el rock y hip hop, siendo Spawn: The Album, el segundo de esa trilogía.

Los grupos que aparecen son diversos y referentes de los géneros del rock y metal como Slayer y Metallica, o artistas como Tom Morello (guitarrista de Rage Against The Machine), Henry Rollins, se incluyen artistas que gozaban de mucha popularidad en aquellos días como Marilyn Manson, o quienes comenzaban a brillar como Incubus, Korn y Filter.

Del lado electrónico estaban actos legendarios como Orbital, The Prodigy, The Dust Brothers, Moby, Atari Teenage Riot e igual quienes comenzaban a formar una carrera en la industria como The Crystal Method, Goldie, Roni Size, Sneaker Pimps, agrupaciones que estaban a la vanguardia entre el techno, trip hop, drum ‘n’ bass y jungle.

La encargada de abrir el álbum, es “(Can't You) Trip Like I Do”, reescrita de la original “Trip Like I Do” del disco debut Vegas (1997) de The Crystal Method pero en esta versión se adiciona la participación de Filter, siendo el segundo y último sencillo del disco.

Como primer sencillo y uno de los highlights es "Long Hard Road Out of Hell", en el que participa Marilyn Manson y con los coros de la vocalista de Sneaker Pimps, Kelli Ali, aunque ellos no estuvieron de acuerdo con el producto final, se le considera uno de los mejores tracks de Manson, y una transición entre la era del Antichrist Superstar (1996) y Mechanical Animals (1998), el video fue dirigido por Matthew Rolston, quien ha trabajado con Madonna, Morrissey, Foo Fighters, Garbage, Jewel, Natalie Imbruglia, Sheryl Crow, entre otros, es uno de los más recordados de la carrera de Manson.

De los temas más destacados se encuentran “One Man Army”, que conserva la esencia de sus participantes, Tom Morello y The Prodigy, el sonido que traía la agrupación con su disco, The Fat Of The Land (1997), “No Remorse (I Wanna Die” de Slayer y Atari Teenage Riot, es el ejemplo de la combinación perfecta de los géneros, se muestra toda la furia, velocidad y enojo de cada una de las bandas.

Spawn: The Album, es uno de los mejores soundtracks de la década de los noventa, una experimentación en la combinación de rock y electrónica, que sale bien librado y que nos entregó piezas musicales dignas de ser escuchadas, un álbum estupendo para una película tan mala.

THE ORB - ADVENTURES BEYOND THE ULTRAWORLD

 

The Orb, es uno de los actos más importantes en la historia de la música electrónica, pioneros de la sampledelia, influencia de actos como DJ Shadow o Boards Of Canada, su trabajo, tomó lecciones de lo elaborado por Kraftwerk o Brian Eno, siendo un grupo de vital importancia para los noventa y para el género.

Su sonido es difícil de catalogar, aquí convergen el acid house, techno, industrial, dub, ambient, psicodelia, y sobretodo resalta la utilización de sampleos, que en aquellos días (principios de los noventa), era algo nuevo en la escena, la técnica utilizada en el manejo de atmósferas, la manipulación de sonidos, y la incorporación de audio mediante el corte-pega, loops y estiramientos, así como la utilización tanto de canciones, ritmos, sonidos, o simplemente parte de entrevistas, hace una mezcla única y distinta a lo entonces producido.

The Orb nació por el Dr. Alex Patterson, al principio del proyecto se encontraba involucrado, Jimmy Cauty, una mitad del grupo The KLF, pero antes de iniciar las grabaciones de Adventures Beyond The Ultraworld, Cauty abandonó el grupo, y se integraron diferentes elementos como Martin “Youth” Glover (bajista de Killing Joke, banda de la que Patterson había sido roadie), quien años después sería productor de los álbumes Seven (1992) de James y Urban Hymns (1997) de The Verve, Kris Weston “Thrash”, Andy Falconer, Thomas Fehlmann y, Steve Hillage (guitarrista de Gong) y  Miquette Giraudy, todos ellos aportaron ideas para este primer disco del proyecto británico.

Entre los distintos samples que se pueden encontrar en la grabación están, “Lovin’ You” de Minnie Riperton, “Blackboard Jungle Dub” de Lee “Scratchy” Perry, “Europe Endless” de Kraftwerk, “Man With A Harmonica” de Ennio Morricone, así también, podemos hallar sonidos citadinos, ambientales y de la naturaleza como aves, extractos de sonidos de radios, voces en ruso, diálogos de películas como “Flash Gordon” o “Dr. Strangelove or: How I Learned To Stop Worrying And Love The Bomb”, o bien, sonidos tomados de la NASA (grabaciones del aterrizaje del Apollo 11), incluso, partes de entrevistas de The Sex Pistols o de Ricki Lee Jones, esta última con demanda incluida por parte de la artista por derechos de autor, y que se incluye en una de las canciones más reconocidas de The Orb, “Little Fluffy Clouds”, que también es la encargada de abrir el material.

Adventures Beyond The Ultraworld, es una obra extensa que aprovechó las bondades del recién salido Compact Disc (CD), para incluir tracks de larga duración, solo “Little Fluffy Clouds” dura pasados los cuatros minutos de ahí no bajan de ocho minutos y el más largo es “A Huge Ever Growing Pulsating Brain That Rules From The Centre Of The Ultraworld" con más de 18 minutos, esta canción es considerada como punto máximo de la carrera de The Orb.

Las diez canciones que conforman esta obra, duran alrededor de 1 hora con 50 minutos, y están divididas en dos partes, la primera denominada “Orbits” que lo integran los primeros cinco tracks, que se incluyen en el primer disco y la segunda parte se llama “Ultraworlds”, que representa el segundo disco y se integran con las otras cinco piezas, a su vez se encuentra dividido en cuatro secciones “Earth Orbit”, “Lunar Orbit”, “Ultraworld Probe” y “Ultraworld”.

Los sencillos extraídos para la promoción del álbum fueron “A Huge Ever Growing Pulsating Brain That Rules From The Centre Of The Ultraworld”, “Little Fluffy Clouds” y “Perpetual Dawn”, los dos primeros lanzados originalmente antes de la publicación del disco.

Adventures Beyond The Ultraworld, es un viaje hipnótico, cósmico, musical y sonoro, lleno de psicodelia, techno, house y sampleos, un pilar para la música electrónica y uno de los discos, mejor elaborados en la historia, simplemente es una maravilla.

U.N.K.L.E. - PSYENCE FICTION

 

Unkle o estilizado como U.N.K.L.E. o UNKLE, es un grupo inicialmente formado por los DJ’s James Lavelle y Tim Goldsworthy (futuro productor de bandas como Cut Copy, The Rapture o Hercules And Love Affair y creador del sello discográfico DFA Records junto a James Murphy de LCD Soundsystem), este último abandonó rápidamente el proyecto, y posteriormente se unió a sus filas, DJ Shadow, quien conoció a Lavelle, por el lanzamiento de su primer maravilloso disco Endtroducing (1996), a través del sello Mo’Wax, fundado precisamente por James Lavelle.

El primer disco de U.N.K.L.E., Psyence Fiction publicado en 1998, es considerado por muchos como la continuación o como el segundo álbum solista de DJ Shadow, debido a, las atmosferas y sonidos propios de Endtroducing, y por el rumor de la poca participación de Lavelle, en el material.

Psyence Fiction, es una mezcla de diversos géneros y experimentaciones musicales, se combinan la electrónica, rock, pop, trip hop, hip hop, y los sampleos, que navegan en caminos oscuros, sombríos, profundos, intelectuales y solitarios.

Uno de los grandes aciertos de este material es la inclusión de artistas de diversos géneros de grueso calibre, que hacen brillar por cuenta propia a esta producción, entre los nombres se encuentran, Ian Brown (The Stone Roses), Richard Ashcroft (The Verve), Thom Yorke (Radiohead), Mike D (Beastie Boys), Jason Newsted (Metallica), Mark Hollis (Talk Talk), Kool G Rap, Alice Temple, Badly Drawn Boy, y por su fuera poco, se encuentra Jim Abbiss en la mezcla, conocido actualmente por ser el productor de placas como Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not de ArcticMonkeys, The Back Room de Editors y Witching Hour de Ladytron, por mencionar algunos.

El álbum inicia con “Guns Blazing (Drums Of Death Part 1)” y la inclusión del sampleo de Star Wars, combinado con un hip hop, desafiante por parte de Kool G Rap y una batería impredecible muy al estilo de Entroducing, continúa con uno de los tracks más interesantes del álbum, “UNKLE (Main Title Theme)”, como tercer track se encuentra “Bloodstain”, una gran melodía trip hop endulzado por la magnífica voz de Alice Temple; sigue “Unreal”, tema instrumental, una joya del disco, dicho sea de paso, es la base de “Be There”, con la diferencia que esta última fue compuesta e interpretada por Ian Brown.

“Lonely Soul”, en la mezcla perfecta de la voz de Richard Ashcroft, una melodía nostálgica, a ritmo de trip hop, y la utilización de cuerdas, hacen una gran canción, incluida en el soundtrack del filme The Beach (2000) protagonizado por Leonardo Di Caprio y dirigido por Danny Boyle; “Nursery Rhyme/Breather”, es un tema frenético cantado por Badly Drawn Boy; así llegamos al track 9 con, “The Knock (Drums Of Death Part 2)”, con Mike D y todo el estilo de los Beastie Boys, que incluye sampleos de Frank Zappa y con la participación de Jason Newsted en el bajo y theremin.

Casi para finalizar encontramos “Chaos”, compuesto por Atlantique Khanh, con la participación no acreditada en los teclados de Mark Hollis, y llegamos a la que es la joya de la corona, para muchos el mejor tema en la existencia de U.N.K.L.E., “Rabbit In Your Headlights”, interpretado por Thom Yorke, un tema lento, oscuro, introspectivo, que explota a la mitad de la canción, y es el primer acercamiento directo del vocalista con la música electrónica, que posteriormente, se vería plasmado en su banda con su disco Kid A (2000).

El disco tuvo dos sencillos, “Be There”, que ha sido a la fecha el sencillo más exitoso de la agrupación, cuyo video fue dirigido por Jake Scott (R.E.M., The Smashing Pumpkins, Soundgarden, Radiohead, Live, Oasis, U2) y el segundo fue “Rabbit In Your Headlights”, menos exitoso que el primero, cuyo video promocional fue aclamado críticamente y filmado por Jonathan Glazer (Radiohead, Massive Attack, Blur, Jamiroquai, Richard Ashcroft), hay que mencionar, que el primero no se incluía en las primeras ediciones del álbum, a excepción de la versión mexicana.

Psyence Fiction, es un gran álbum, lleno de mezclas, sampleos, combinaciones de géneros, diferente y atrevido para su época, pero a un cuarto de siglo posterior a su publicación, sigue fresco como a finales de los noventa. Sumamente recomendable.

PLASTILINA MOSH - AQUAMOSH

 

Aquamosh, es el primer álbum del dúo, Plastilina Mosh, conformado por Jonás González y Alejandro Rosso, el grupo formó parte del movimiento denominado Avanzada Regia (Control Machete, Zurdok, Jumbo, etc), esta placa fue financiada por Camilo Lara (Instituto Mexicano del Sonido).

El disco está plagado de referencias pop, es una mezcla divertida, interesante y única de géneros en la escena del rock mexicano, aquí se combina el jazz, scratcheos, rock, pop, pop francés, bossanova, ritmos latinos, rap, hip hop, y todo aquello que se les ocurra.

El álbum abre con “Niño Bomba”, navega entre hip hop y funk, y una letra un tanto rara, trae a sus espaldas las influencias notorias de Beastie Boys, pero con un estilo inigualable, punto de partida para su carrera, ya que fue el primer sencillo del álbum, su video tuvo alta rotación en MTV, fue todo un éxito.

“Afroman”, una canción pop, fue también sencillo, un poco menos exitosa que la anterior, pero sonó por todos lados, sobretodo, por esos coros tan pegadizos, un clásico de la banda.

“Ode To Mauricio Garcés”, es una canción con toques de lounge y jazz, un requinto de guitarra, muy cuidado, y atinado para el tema, suena elegante y sofisticada, es un gran homenaje a uno de los personajes más célebres y populares de la cinematografía mexicana, Mauricio Garcés.

“Banano’s Bar”, es una canción en la que se combina un toque moderno (voces) y el clásico con un piano jazzista excelso, destaca un toque de bajo funk, y entre sampleos de música disco, es una de las canciones más sobresalientes de la obra.

Entre el slide de guitarra y armónica que se presentan en “Monster Truck” y un ligero blues, la canción nos lleva directamente a los espectáculos presentados en la Unión Americana, en el que conviven los sombreros tejanos, los grandes camiones, la carretera, el video de este sencillo, nos lo proyecta, es un track que no tuvo el éxito esperado, pero que innegablemente, nos remite al Beck noventero con su voz robótica, el estilo de canto y la combinación de géneros, conforme a lo presentado en Odelay! (1996), esto fue logrado con el apoyo de miembros del grupo de música electrónica experimental Sukia, recomendación de The Dust Brothers, como también, así lo hicieron en “Afroman”.

En “Encendedor”, destaca el uso de las tornamesas, de las guitarras, y cabe decir, que el rasgueo de las cuerdas se realiza precisamente con un encendedor, beben directamente de Beastie Boys y Beck.

El sonido funk en “Bungaloo Punta Cometa” combinado con el bossanova, y los coros por parte de Café Tacvba, que son palabras o frases sin sentido cantadas en japonés, aportan una de las canciones más experimentales en la carrera de Plastilina Mosh.

“Aquamosh”, es un tema que enriquece el disco, es una canción sofisticada, cuyos coros están cantados en francés, por la compositora y cantante, April March, quien también aporta su voz en “Ode To Mauricio Garcés” y “I’ve Got That Milton Pacheco Kinda’ Feeling (Melancolic Mix)”.

“I’ve Got That Milton Pacheco Kinda’ Feeling (Melancolic Mix)” con base de trip hop, unos toques de piano, arreglos de cuerda, y un relato y compuesto por April March, cantado en francés acerca de un personaje llamado Milton Pacheco, es una de las piezas más ingeniosas del material y de las que demuestran que los regiomontanos estaban un paso adelante de sus contemporáneos.

“Pornoshop”, es un tema más alegre, con la guitarra fabulosa de Jonás, unas voces apoyadas por Bibi Zambrano, brindan uno de los temas más accesibles del material.

“Savage Sucker Boy”, es una canción diferente a lo que hemos escuchado previamente en el material, es una canción ruda, pesada, suena agresiva, caótica, se incluyen ruidos mecánicos en el fondo, con disonancias de guitarra, es prácticamente un tema noise.

“Mr. P. Mosh”, es quizá la canción más conocida del álbum y la más emblemática de la banda, fue la última en grabarse, y eso, porque el álbum ya estaba terminado y el productor Jason Roberts (Cypress Hill, Control Machete), quería trabajar con Plastilina Mosh, las ventas del álbum, y el primer gran éxito de la agrupación se lo deben a este track, que, gracias a su letra sin sentido, a sus referencias kitsch, y, sobre todo, a los videos filmados para su promoción, fue un éxito por todos lados, se grabaron dos videos, ambos dirigidos por Fernando Eimbcke, uno con el par, actuando como si atendieran un Oxxo, y la otra versión, la más famosa, Jonás y Rosso, sentados frente a la cámara mientras baila sugestivamente, la vedette Lyn May, quien también actúa en la otra versión.

Aquamosh, fue lanzado en 1998, y 25 años después, se escucha innovador, fresco, el ejemplo perfecto de cómo combinar diversos géneros y salir bien librados en el intento, se convirtió en un clásico instantáneo, un emblema del movimiento “Avanzada Regia” y un referente en el rock nacional.

JAMIROQUAI - THE RETURN OF THE SPACE COWBOY

 

El nombre de la banda surgió entre la combinación de las sesiones de “Jam” y los indios americanos “iroquois”, la agrupación nacida en Inglaterra, lanzó su álbum debut Emergency On Planet Earth (1993), bajo el movimiento acid-jazz, en el cual, se cobijaron grupos como The Brand New Heavies, que tenían influencias latinas, afroamericanas, jazz, funk y hip hop.

El sonido de Jamiroquai se puede definir entre la fusión de géneros como funk, soul, dance, disco, house, pop, rock, bossanova, hip hop, con una fuerte influencia de Stevie Wonder por parte de su líder, Jay Kay.

The Return Of The Space Cowboy de 1994, es el segundo trabajo de la agrupación, en el cual, continúan con lo realizado en su predecesor, pero aquí sus letras son maduras, siguen marcadas por preocupaciones sociales y ambientales, pero mejor definidas y su sonido funky, marcaron la carrera de los ingleses, la voz de Jay Kay, y su manera de cantar y su peculiar timbre se asemejan a Stevie Wonder o Al Green, aunque también es un sello distintivo de la banda.

El álbum tuvo buena aceptación tanto con el público como con la crítica, siendo reconocido como una de las mejores publicaciones de aquel año, compartiendo listas de popularidad con los ahora clásicos como Definitely Maybe de Oasis, Parklife de Blur, The Downward Spiral de Nine Inch Nails, Purple de Stone Temple Pilots, Superunknown de Soundgarden o Dookie de Green Day.

Todos los tracks incluidos en el disco rebasan los cuatro minutos, son temas largos, pero no así aburridos, son interesantes en su composición y en conjunto las once canciones superan la hora de duración.

Las ventas fueron superiores a las esperadas, el álbum fue un éxito total en Europa y fue el primero en posicionarlos en Estados Unidos y el resto de América, lo que se tradujo en 6 sencillos, aunque uno de ellos, “The Kids”, solo fue para Japón y “Morning Glory”, para la Unión Americana, los restantes “Space Cowboy”, “Half The Man”, “Light Years” y “Stillness In Time” para el resto del mundo.

Los sencillos tuvieron videos clásicos para la banda, por ejemplo, “Half The Man” dirigido por Paul Boyd (Lenny Kravitz, INXS, The Cult, Blind Melon) y el increíble video hecho para “Space Cowboy”, que estuvo a cargo de Vaughan Arnell y Anthea Benton, conocidos por sus trabajos con George Michael, Spice Girls, Robbie Williams, The Charlatans, All Saints, entre otros.

The Return Of The Space Cowboy, se desarrolló y capturó la mejor época de los ingleses, muchos lo consideran el mejor y más refinado ejemplo de Jamiroquai, ya que la música y la letra se combinan de manera perfecta junto a la actitud de Jay Kay, lo convierten en un disco invaluable, todo un clásico, cuya lírica hoy en día sigue estando vigente.

Con este álbum, Jamiroquai definió su carrera y posteriormente con Travelling Without Moving (1996), llegó la consagración. Un clásico en toda la extensión de la palabra.